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UNIVERSIDAD ACADEMIA DE HUMANISMO CRISTIANO
ESCUELA DE MUSICA
CRÓNICA VINCULADA HACIA LA EXPANSIÓN ESTÉTICA
A RAÍZ DE LA MÚSICA FOLK
Alumno: David González Guerrero
Profesor Guía: Roy Alvarado Barría
Tesis Para Optar Al Grado De Licenciado En Música
Tesis Para Optar Al Título De Productor Musical
SANTIAGO, 2015
1
DEDICATORIA
Quiero dedicar este estudio a quienes han sido un pilar importante durante este
periodo ya que han contribuido con paciencia apoyo y cariño todo el tiempo que
duro este trabajo.
Especialmente este trabajo va destinado con gran afecto a mi familia, amigos,
compañeros y profesores que me han brindado todo su apoyo para terminar esta
etapa universitaria.
A todos ustedes muchas gracias.
David González Guerrero
2
Abstract.
El presente informe tiene como finalidad dar a conocer los resultados de un
estudio autobiográfico desarrollado desde Diciembre del 2013 hasta Enero del
2015.
Esta memoria aborda las percepciones y conclusiones personales de un
estudiante de Producción Musical que comienza una investigación profunda y
exhaustiva acerca de un estilo musical denominado Folk.
En relación a su contenido, se presenta la problematización del estudio, el marco
referencial teórico, el diseño metodológico, el análisis y sus respectivas
conclusiones y hallazgos.
A continuación se presentaran los procedimientos teóricos para complementar la
presente investigación.
3
Tabla de contenido
CAPÍTULO 1: PLANTEAMIENTO DE LA INVESTIGACIÓN..................................................... 8
1-
Planteamiento del Problema ............................................................................................... 9
2-
Objetivos Generales........................................................................................................... 15
3-
Objetivos Específicos......................................................................................................... 16
4-
Metodología de Trabajo..................................................................................................... 17
CAPÍTULO 2: MARCO REFERENCIAL TEÓRICO CONCEPTUAL ...................................... 19
1-
Introducción a la Música Folk ........................................................................................... 20
2-
Historia del Pueblo Celta ................................................................................................... 21
3-
Música Celta ........................................................................................................................ 22
4-
Edad Media Historia y Música .......................................................................................... 23
a)
Canto Gregoriano ........................................................................................................... 24
b)
Monodia Profana ............................................................................................................ 24
c)
Polifonía medieval .......................................................................................................... 26
d)
Música Instrumental ....................................................................................................... 27
5-
Emigración Europea........................................................................................................... 28
6-
Siglo Veinte y el Nacimiento de la Industria Musical ................................................... 29
7-
Derivaciones del Folk......................................................................................................... 31
a)
Folk ................................................................................................................................... 31
b)
Folk Rock ......................................................................................................................... 31
c)
Folk pop ........................................................................................................................... 31
d)
Country Music: ................................................................................................................ 32
e)
Country Rock: ................................................................................................................. 32
f)
Folk Fusion: ..................................................................................................................... 33
4
g)
Neo Folk: .......................................................................................................................... 33
h)
Folk o Folclore Latinoamericano: ................................................................................. 33
8-
Introducción al Folk Latinoamericano.............................................................................. 34
9-
Inicio de la colonización americana ................................................................................. 35
10-
Resultados y secuelas de la colonización .................................................................. 36
11-
Independencia Americana ............................................................................................ 37
12-
Repúblicas y dictaduras militares sudamericanas .................................................... 40
13-
Dictaduras militares en América latina ........................................................................ 42
14-
Música Folclórica Latinoamericana ............................................................................. 43
15-
Tipos de música popular latino americana por países ............................................. 44
a)
Argentina:......................................................................................................................... 44
b)
Bolivia: .............................................................................................................................. 46
c)
Uruguay:........................................................................................................................... 47
d)
Perú: ................................................................................................................................. 48
16-
Música Folclórica Chilena ............................................................................................. 50
a)
Música folklórica de la Zona Norte: ............................................................................. 50
b)
Música Folklórica de la Zona Centro: .......................................................................... 51
c)
Música Folklórica de la Zona Sur:................................................................................ 52
17-
Neo Folklore Chileno...................................................................................................... 53
18-
Canto Nuevo ................................................................................................................... 54
19-
Análisis sobre docentes vinculados hacia el Folclore Chileno y Latinoamericano
55
a)
Fidel Sepúlveda .............................................................................................................. 55
b)
Juan Uribe ....................................................................................................................... 58
5
20-
Conclusión del Capítulo................................................................................................. 59
CAPÍTULO 3: ANÁLISIS SOBRE LA DISCOGRAFÍA .............................................................. 60
1-
Introducción a la Discografía ............................................................................................ 61
a)
TRACY CHAPMAN – TRACY CHAPMAN (1988) ..................................................... 62
b)
RAY LAMONTAGNE- TROUBLE (2004) .................................................................... 66
c)
DAMIEN RICE – O (2002) ............................................................................................. 70
d)
SON VOLT- TRACE (1995) ......................................................................................... 73
e)
SCOTT MATTHEWS – WHAT THE NIGHT DELIVERS (2011) ............................. 77
f)
NICK DRAKE – FIVE LEAVES LEFT (1969) ............................................................. 80
g)
JAMES TAYLOR – SWEET BABY JAMES (1970) ................................................... 86
h)
VAN MORRISON - ASTRAL WEEKS (1968) ........................................................... 90
i)
JONI MITCHELL – BLUE (1971).................................................................................. 94
j)
SIMON&GARFUNKEL – BOOKENDS(1968) ............................................................ 97
k)
TIM BUCKLEY – GOOGBYE AND HELLO (1967) ................................................. 102
l)
BOB DYLAN – HIGHWAY 61 REVISTED (1965) ................................................... 105
m)
DAVID CROSBY – IF I COULD ONLY REMEMBER MY NAME (1971) ......... 109
n)
NEIL YOUNG – AFTER THE GOLD RUSH (1970) ................................................ 114
o)
SILVIO RODRÍGUEZ - MUJERES (1978)............................................................... 117
p)
VÍCTOR JARA - VÍCTOR JARA (1966) ................................................................... 120
CAPÍTULO 4: ANÁLISIS SOBRE LAS COMPOSICIONES MUSICALES EXPUESTAS . 123
1-
Introducción al análisis de las obras musicales ........................................................... 124
2-
Análisis sobre las inspiraciones detrás de la primera muestra musical ................... 125
3-
Análisis sobre el proceso creativo ................................................................................. 127
4-
Análisis sobre la realización musical ............................................................................. 128
6
5-
Análisis sobre la exploración sonora ............................................................................. 133
6-
Análisis sobre la mezcla y los procesos sonoros ........................................................ 135
7-
Análisis sobre las inspiraciones detrás de la segunda muestra musical ................. 136
8-
Análisis del proceso creativo de la segunda obra musical ........................................ 138
9-
Análisis sobre la segunda realización musical............................................................. 140
10-
Análisis sobre la exploración sonora de la segunda pieza musical...................... 144
11-
Análisis sobre la mezcla y los procesos sonoros de la segunda muestra musical
145
12-
Análisis comparativo .................................................................................................... 147
13-
Conclusiones del capítulo ........................................................................................... 149
CAPÍTULO 5: CONCLUSIONES FINALES.............................................................................. 151
1-
Detalles sobre las conclusiones ..................................................................................... 152
2-
Resumen de las conclusiones de la discografía ......................................................... 157
3-
Resumen de las reflexiones de las obras musicales .................................................. 158
4-
Análisis sobre el acontecer musical actual ................................................................... 159
5-
Reflexiones sobre la forma de oír una pieza musical ................................................. 160
6-
Reflexiones sobre el concepto canción ....................................................................... 161
TRABAJOS CITADOS ................................................................................................................. 163
7
CAPÍTULO 1: PLANTEAMIENTO DE LA
INVESTIGACIÓN
8
1- Planteamiento del Problema
Recuerdo que en la primera clase de seminario de grado uno, el profesor nos
preguntó qué era lo que más nos llamaba la atención de la música, yo respondí
que una de las características que me cautivaba profundamente era la cualidad
que tenía una obra en trascender épocas, años y décadas. Otra particularidad que
despertó mi interés fue la capacidad que tenían ciertas placas discográficas de
distinguirse de sus semejantes. Para finalizar mi respuesta a la pregunta que
había planteado mi profesor, agregue que mi intención era encontrar un sonido
particular y personal tal cual como lo lograron aquellos grandes próceres de la
música que por tanto tiempo he admirado.
En el transcurso de estos seis años estudiando producción musical he tenido la
oportunidad de oír grandes discos, analizar excelentes documentales y reportajes
que me han enseñado
aspectos fundamentales sobre el oficio del productor
musical.
Los cimientos de esta disciplina no se basan solamente en el uso eficaz y
eficiente de los recursos tecnológicos y teórico musical que la universidad nos
entrega. El productor musical tiene que ser observador, tiene que amar y
deleitarse con las cintas fonográficas que han marcado su intelecto y su corazón.
Estos detalles mencionado los puedo percibir cuando en reportajes observo las
palabras emitidas por los artificies de grandes álbumes que han marcado la
historia de la música. Después de estas experiencias profundas y personales que
han afectado mi vida decidí elegir este tema para mi investigación de pregrado.
Mi propósito con esta investigación no es realizar un método ni una fórmula de
como un productor musical tiene que hacer su trabajo, más bien quiero relatar mi
9
experiencia y mi análisis sobre un estilo musical. En este trabajo decidí relatar mi
proceso de estudio y aprendizaje vivido después de una exhaustiva observación
hacia el estilo musical denominado como Folk. Esta tesis incluye dos realizaciones
musicales creadas antes y durante el proceso de búsqueda y exploración. Estas
obras serán examinadas de forma expositiva relatando el resultado
de una
exploración profunda y personal vivida en el transcurso de la realización de mi
tesis.
Una de las principales características que me cautivaron para realizar este trabajo
fue la particularidad que poseen ciertas obras discográficas para prevalecer en el
tiempo y para trascender como obras de arte. Primordialmente mis interrogantes
se centraban principalmente en las razones que llevaron a estos álbumes a
convertirse en piezas fundamentales de la música.
Después de oír y analizar detenidamente cada placa surgían muchas preguntas
que me inquietaban como ¿cuáles habían sido las características que
diferenciaban a estos discos de otras cintas discográficas contemporáneas a su
realización? ¿Qué particularidades sonoras, musicales y estéticas lograron darle a
estos trabajos una identidad personal? ¿Porque las otras piezas fonográficas no
habían logrado el mismo resultado? ¿Cuál fue el aporte del productor musical para
conseguir que el desenlace del producto musical provocara tales repercusiones en
el transcurso del tiempo? ¿Por qué el productor y el músico eligieron este
determinado arreglo musical? ¿Cuál fue el concepto estético de la obra?
¿Los recursos tecnológicos empleados en estos trabajos discográficos incidieron
profundamente en el resultado? Todas estas interrogantes fueron vitales para mi
método de investigación y análisis.
10
Durante mi estadía en la universidad estas preguntas rodeaban mi cabeza y eran
parte de mi diario vivir, tal vez en aquel entonces estas curiosidades por las placas
fonográficas se presentaban de manera inconsciente pero a la medida que iba
adquiriendo mayor conocimiento estas interrogantes se transformaron en un
método de trabajo para llegar al resultado óptimo que me planteaba en cada
realización musical en la que me encontraba involucrado.
Mi intención no es querer destacar sobre otros por el echo solo de destacar,
tampoco deseo encontrar la fórmula que me lleve al éxito y que me haga sentir
mejor que otro, solo me doy cuenta que es parte de mi trabajo ser exhaustivo y
prolijo para emplear de mejor manera mi la labor como Productor Musical.
Decidí centrar mi investigación sobre el folk porque es un estilo de música que ha
llamado mi atención profundamente durante aproximadamente cuatro años, creo
que logró cautivarme su sonoridad, su frescura y la nostalgia que me produce
escuchar una guitarra acústica en esta corriente musical.
Creo que mi interés hacia este estilo comenzó cuando llego a mi vida el primer
disco de Tracy Chapman mientras cursaba mi segundo año de carrera. Recuerdo
que era el año 2009 y este álbum se había editado en 1987 y no podía creer el
carácter sonoro de aquel producto discográfico, podía percibir una frescura tan
actual que lo comparaba con las canciones y artistas que en aquel entonces eran
Radiodifundidos y Tracy Chapman mantenía la misma personalidad sonora que
aquellos artistas de aquel entonces y para mi obviamente era algo curioso porque
habían transcurrido más de 20 años y este trabajo musical se oía tan lozano y
natural.
Inmediatamente después de oír reiteradamente este artículo musical quise saber
cuál era la razón que hacía tan especial este álbum, tenía ciertas dudad sobre los
11
Grandes frutos de este trabajo y mis interrogantes básicamente fueron ¿sus
canciones consiguieron este fabuloso resultado? ¿Su calidad vocal? ¿La
instrumentación? ¿La letra? ¿Los arreglos? ¿El trabajo del productor? Ahora que
analizo estas preguntas me doy cuenta que ya estaba muy involucrado
intensamente por las producciones discográficas.
Este nuevo estilo musical me llamaba la atención ya que lo sentía cercano a mí,
era nostálgico, introspectivo y ciertas letras respondían mis inquietudes personales
de aquel entonces.
Otro aspecto que me cautivo de forma intensa fue el protagonismo y presencia
instrumental que las guitarras acústicas ocupaban en este género. Siempre me ha
llamado la atención la guitarra, creo que es el instrumento con el que tengo mayor
afinidad pero antes de conocer este estilo pensé que la guitarra acústica era un
instrumento tan poco versátil y que no tenía muchas posibilidades, además
siempre en las canciones y cintas que escuchaba estaba en segundos planos,
consideraba que solo era útil para fortalecer la sección rítmica y que no se
comparaba con la guitarra eléctrica y sus posibilidades sonoras pero el folk me
demostró que en este universo todo era distinto y este instrumento era
fundamental y repleto de posibilidades, texturas y afinaciones, además ara muy
característico de esta corriente artística. Las personas encargadas de la mezcla
final de los álbumes lo utilizaban en un plano muy predominante, muy similar a los
planos de mezcla utilizados para la voz principal.
Después de esta obra comencé a buscar más placas relacionadas con esta
corriente artística, encontrándome con muchas sorpresas y de apoco fui
profundizando más y más en este estilo. Primero eran artistas anglos, luego fui
buscando representantes latinoamericanos y músicos de folk actuales.
12
Como mencione anteriormente todo partió con la pregunta ¿qué era lo que nos
llamaba más la atención de la música? Por lo que decidí investigar ciertos discos
clave en la música popular y cuáles fueron sus particularidades que los habían
hecho intervenir y cambiar la historia de la música. Luego solo acote la
investigación a la música folk ya que estaba hace algún tiempo sumergido en este
estilo de música en particular, después quise saber que ocurrió con el folclore
chileno y latinoamericano y fue aquí donde mi investigación dio un giro de
trecientos sesenta grados porque me involucre con temas políticos, sociológicos,
culturales y de legislaturas estatales, creo que fue aquí donde perdí el objetivo
principal de la investigación. Trate de buscar respuesta desde la identidad cultural
y las políticas estatales sobre la cultura tratando de resolver mis cuestionamientos
desde otras áreas que me parecen interesantes pero que escapan demasiado de
la producción musical.
En este intento por buscar un tema de investigación me encontré sin objetivo
claro, sin preguntas contundentes y sin saber a dónde ir, creo que también estuve
Influenciado por factores externos de los cuales me deje llevar sin tener realmente
inquietudes personales.
El factor que logro ingresarme nuevamente al camino fue darme cuenta que para
esta investigación de tesis no quería hacer una estadística ni un estudio
sociológico a partir del folclore y la música, yo quería investigar las piezas
discográficas, productores musicales y la industria musical desde el folk. Después
de este pequeño desvió me di cuenta que realmente mi estudio tenía que estar
enfocado hacia los trabajos discográficos ya que esto era realmente lo que me
interesaba y fascinaba. Después de este episodio trágico pero revelador resolví
volver a la investigación acerca de los álbumes ya que fueron los discos y la
música el motivo por el que entre a esta carrera. La industria discográfica es el
13
lugar donde quiero estar porque mi real motivación e inspiración es crear música y
grabar cintas fonográficas, este es el camino al cual deseo entregar toda mi vida
más que a cualquier otra cosa.
Cuando decidí volver al principio una de las cosas que me llamaba la atención
era como en la industria musical se daba un fenómeno particular que había visto
en clases de sociedad y comunidad durante mi proceso de estudiante. El tema
que observe era el paradigma de lo global y lo local. En clases el profesor
explicaba de manera sencilla que la globalización buscaba cosas locales y que en
algunos casos la localidad se inclinaba por la globalidad. Este asunto fue de
interés para mí a raíz de que había ciertos productos musicales que intentaban
posicionarse en lugares de la industria global ocupando elementos locales como
su folclore y sus raíces, tal vez algunos músicos de manera inconsciente y otros
conscientes de ocupar este método para conseguir un espacio dentro de la gran
maquinaria. En lo particular yo no quiero juzgar las forma de producción ni es mi
intención determinar que herramientas son las más correctas y honestas para
hallar un espacio dentro de la industria, lo que me interesa realmente es conocer
los procedimientos empleados y cuáles fueron las particularidades del trabajo de
producción que llevaron a ciertas obras discográficas a encontrar un sitio en la
historia de la música y de la industria.
Considero de manera fundamental la realización de un análisis histórico del folk,
estudiando su proceso social y cultural a través de la historia. Este método es de
suma importancia Porque estimo que un productor musical tiene que poseer un
conocimiento y conciencia de la historia, además tiene que adquirir una
panorámica global de los procesos históricos. Esta herramienta será de gran
ayuda para saber que ciertas fases históricas se vuelven a repetir y como se
14
reiteran un productor musical tiene que ser capaz de intervenir y adelantarse a
ciertas tendencias que ocurrirán al interior de la industria musical.
2- Objetivos Generales
En primera instancia el objetivo de esta memoria es relatar de forma
autobiográfica una experiencia profunda y personal con la música. Este estudio
busca describir las muchas posibilidades que brinda este arte para ampliar y
desarrollar la conciencia y el alma.
Desde el principio hasta el final de este trabajo se describe el crecimiento
exponencial que un estudiante de música vive al momento de involucrarse
profundamente con un estilo musical. Este escrito narra las experiencias más
personales que vive un individuo cuando recorre una serie de discografías que van
trastocando su universo musical conocido.
Esta tesis de pregrado ilustra el sin fin de dudas, complicaciones, enfrentamientos
que vive un ser humano al momento de iniciar una experiencia profunda con los
álbumes.
En conclusión de este capítulo el objetivo planteado es conseguir una expansión
de la conciencia a través de la experiencia. La búsqueda por este viaje
discográfico expuesto en esta investigación persigue como resultado la ampliación
de los límites estéticos obtenidos por las experiencias pasadas.
Los efectos principales que persigue esta travesía es aventurarse por el camino
que se construye a raíz de las placas discográficas relacionadas con la música
folk. El acervo cultural que entregan estas obras de artes ayuda al aumento de los
15
argumentos y horizontes estéticos que no había obtenido antes de vivir esta
experiencia.
3- Objetivos Específicos
Las metas particulares se refieren a las herramientas que otorga un estudio
profundo a un futuro profesional de las artes musicales y tecnológicas. También se
busca con esta investigación expandir y demostrar las posibilidades de expansión
que brinda la experiencia de oír un álbum en términos personales.
 Primer Objetivo: obtener un sinfín de herramientas técnicas que permitan un
mejor desempeño en el ámbito profesional de la producción musical.
 Segundo Objetivo: ampliar las fronteras culturales para observar y analizar el
acontecer musical actual de diferentes ángulos y perspectivas.
 Tercer Objetivo: tomar las experiencias vividas por los personajes analizados
en este trabajo y hacer de esas experiencias un cristal que permita mirar mi
trabajo artístico bajo el prisma de la experiencia de estos grandes próceres
para crecer en términos musicales y artísticos.
 Cuarto Objetivo: vivir una experiencia enriquecedora para apertura de nuevos
juicios estéticos.
 Quinto Objetivo: tomar este aprendizaje musical, intelectual, artístico y
extrapolarlo hacia áreas personales del desarrollo de la conciencia.
16
4- Metodología de Trabajo
El procedimiento metodológico de este estudio tiene como base de trabajo el
prisma de la experiencia. Toda la realización de los análisis históricos, musicales,
biográficos y estéticos fueron bajo esta premisa.
La finalidad que busca esta tesis de pregrado es tomar los elementos y
herramientas que brinda la pesquisa de antecedentes históricos, musicales y
estéticos para compartirlo y relatarlos de manera descriptiva y biográfica.
La primera fase consiste en una exploración a través del contexto histórico en el
que se desarrolla esta investigación. Luego se exhibe esta recaudación de
información de manera lógica y progresiva en el tiempo con el objetivo de brindar
la mayor claridad al contexto histórico en el que se desenvuelve este movimiento
musical.
Luego del contexto histórico es expone una discografía de álbumes claves para el
desarrollo y expansión estética vivida en esta experiencia. El análisis de las placas
discográficas se desarrolla primero con la exposición del contexto histórico del
disco para luego dar paso a una observación personal de la obra
Después del transcurso discográfico procede el análisis de las creaciones
musicales que tienen relación con la apertura conceptual y musical que entrega la
profunda exploración a través de las obras discográficas.
En este punto en particular se exhibe de forma descriptiva lo que fue la
experiencia de jugar con las herramientas y recursos que entrega una indagación
histórica y vivencial.
17
Las principales herramientas metodológicas que se exponen en este estudio son
el análisis de los hechos históricos, la descripción que queda después de la
experimentación con los recursos y herramientas que brindan el acervo del
conocimiento otorgado por la historia. También como parte importante del método
de estudio se expone una especificación detallada de los sucesos vivido antes y
durante los procesos creativos que relata esta memoria.
18
CAPÍTULO 2: MARCO REFERENCIAL
TEÓRICO CONCEPTUAL
19
1- Introducción a la Música Folk
El folk es un término que se utiliza para referirse a un estilo de música asociada al
campo o a la música que proviene de un lugar rural y que es de carácter acústico.
El término folk es un término más bien nuevo y que fue derivado de la palabra en
alemán volk que significa: gente o nación. El primero en apoderarse del término
fue Williams Thoms. En 1846 El señor Williams Thoms acuña el termino Folk para
referirse al conjunto de tradiciones, creencias y costumbres populares que definían
a un pueblo. Aplicando el término no solo a la música sino a las costumbres
seculares y culturales de un determinado pueblo.
Antes de 1846 ya había existido otro estudioso que utilizo el termino folk. Johann
Gottfried Heder
aplico este concepto en sus descripciones sobre música
nacionalista.
El folk es un estilo de música que se asocia a la música popular y que tiene su
mayor auge en el siglo veinte con el nacimiento de la industria musical y
discográfica que emerge aproximadamente en 1930.
La raíz de este estilo musical proviene de mucho antes del siglo veinte, aunque se
cree que el origen de la música folk comienza en Estados Unidos con la llegada
de los inmigrantes Europeos que pretendían colonizar América pero también con
la segunda oleadas de emigrantes que arrancaban de las guerras y revueltas
políticas que sacudían al viejo continente en el siglo diecinueve y veinte.
La verdad es que las raíces principales de este estilo musical se encuentran en
Europa. Se cree que el inicio primigenio de esta música se hallaría en la cultura
celta que habitaba el noroeste del continente siglos antes del nacimiento de Cristo.
20
Esta cultura se transforma con la mixtura de las tribus celtas y las legiones
romanas que colonizaban este territorio, dando paso así a un pueblo celta que se
cristianizaba y que se organizaba por clanes. Después de este gran periodo de
tiempo y posteriormente a la caída del Imperio Romano de Occidente, nace la
Edad media y la música sufre algunos cambios sustanciales.
2- Historia del Pueblo Celta
Celta es un término utilizado para describir a un conjunto de pueblos de la edad
de hierro (1200-400 a. C.) que hablaban una lengua común y que tenían
similitudes culturales. Estas comunidades habitaban la Europa occidental,
actualmente se hallarían geográficamente en países como: Francia, Alemania,
Italia, España, Rumania, Inglaterra, Escocia e Irlanda.
Luego de la invasión Romana, muchos de estos pueblos fueron romanizados,
sobre todo los de Europa continental. Los pueblos celtas que lograron sobrevivir
con la mayor parte de sus costumbres culturales fueron los clanes que vivían en la
Europa continental, en la llamada Britania. La invasión romana también llego a la
isla de Britania y relego al pueblo hacia el norte.
Este grupo de pueblos del norte de la isla se les llamaba los Pictos, actualmente
se puede determinar que los Pictos habitaban las tierras de Escocia. Luego de la
invasión romana llego la invasión sajona y los poblados Fueron relegados a las
costas de Britinia ubicándose en la periferia de la isla.
21
El pueblo celta era una tribu que se organizaba a través de clanes ósea de
familias, por lo que nunca llegaron a ser una nación que unificara todas sus villas,
ya que cada grupo se gobernaba así mismo.
El pueblo celta de origen pagano tenía líderes espirituales importantes llamados
Druidas, eran una especie de sacerdotes, filósofos y guías para la población.
Después de la invasión romana se produjo un sincretismo cultural y religioso
donde gran parte de la comunidad se convirtió al cristianismo, esto queda muy
claro en la primera parte de la Edad Media a través de las obras de arte.
Los países y lugares que más difundieron y conservaron la cultura celta hasta el
día de hoy son: Escocia, Irlanda, Gales e Inglaterra. Cuando se habla de la cultura
celta inmediatamente se piensa en estos países nombrados.
3- Música Celta
La música celta es fundamental inspiración para la música folk de los años 30 en
adelante. Ya sea en Europa occidental como en Estados Unidos. La música
country está basada mayormente en la música de tradición celta Europea.
No existe una gran cantidad de material de música tradicional celta, solo podemos
encontrar grabaciones fonográficas a partir del siglo veinte de las cuales se puede
percibir un sincretismo musical con la música Europea Occidental.
Gran parte de las canciones que aún se pueden considerar de tradición celta se
han construido con una estructura musical a partir de escalas modales que
pertenecían a la tradición popular, sobretodo se pueden hallar tres tipos de modos
utilizados; modo dorio, modo lidio, modo mixolidio que a la vez son
escalas
22
Modales características de la música medieval pagana. También en algún grupo
de canciones se puede encontrar motivos melódicos y arreglos armónicos de la
música occidental actual o docta del periodo clásico como cadencias del mundo
musical tonal, cadencia plagal y candencia autentica.
Este estilo musical se destaca por utilizar afinaciones
que provienen de la
tradición popular, este tipo de temple se denomina Afinaciones Abierta y
generalmente pertenecen a la tradición musical de estos pueblos. Este tipo de
afinaciones se han perdido con el tiempo.
Los países que aún conservan una cantidad importante de música de tradición
celta son; Irlanda, Escocia e Inglaterra. La música del folclore celta se estructura
desde una nota pedal que habitualmente en las comunidades de músicos de
Irlanda era una guitarra y luego una melodía que era doblada a su octava con otro
instrumento o hasta tres instrumentos tocando la misma melodía. En Escocia
regularmente una Gaita Escocesa emitía una nota pedal y una melodía, por lo
tanto este instrumento llevaba a cabo los dos objetivos principales de este estilo
musical.
4- Edad Media Historia y Música
El comienzo de la edad media se encuentra en el siglo quinto con la caída del
imperio romano de occidente y finaliza en el siglo quince con la caída de
Constantinopla. El imperio romano toma de la música hebrea la forma del canto y
de la música griega la armonía (modos) y de estos dos vértices nace la música
medieval.
23
La música medieval está formada por dos periodos importantes: el Románico y el
Gótico. Dentro de la música medieval se pueden distinguir varios fenómenos o
formas musicales, entre los más importantes se destacan el Canto Gregoriano, La
Música Profana y La Polifonía.
a) Canto Gregoriano
El canto gregoriano es un canto litúrgico, es la música oficial de la Iglesia Romana
y es uno de los pilares de la música occidental. Una de sus principales
características es ser una música monódica (una sola voz) su letra está en la
lengua oficial de la iglesia: el latín. El ritmo no tiene un pulso determinado y los
acentos rítmicos son los naturales del texto. Se canta a capella (solo voces) y en
su interpretación solo puede haber voces masculinas. Su finalidad es destacar la
oración.
b) Monodia Profana
Trovadores: pertenecientes a una clase social más alta y que trataban de
distinguirse de los juglares, considerándolos de peor condición. La cualidad de los
trovadores era componer y cantar sus propias obras. Surgen al sur de Francia en
Provenza y al suroeste en Anquitiana.
Las temáticas que cantaban los trovadores eran: canciones de gesta, heroicas y
amorosas. También las líricas de los autores eran de carácter político, moral y
satírico. Las formas musicales son de gran variedad pero destacan el Rondeau
(alternancia de coplas y estribillos) Virelai (el estribillos no interrumpe el desarrollo
de las estrofas) Ballade (estribillo alternante cada tres estrofas) se considera que
24
esta forma musical es muy importante para la música popular del siglo veinte en
especial para la música folk.
El ciclo de los trovadores alcanza su apogeo en la segunda mitad del siglo doce,
los trovadores del norte de Francia se llamaban troveros y los alemanes se
llamaban Minnesänger Que significa cantores de amor. Los troveros comienzan a
utilizar textos en versos romance. La rítmica de sus obras ya no se basaba en la
cantidad métrica de cada silaba más bien se desarrollan formulas rítmicas entre
notas largas y breves las cuales tendrán repercusión en la música polifónica.
Juglares: eran personajes errantes que habitualmente eran perseguidos por la
Iglesia. Los juglares iban de pueblo en pueblo principalmente divirtiendo y
asombrando al público analfabeto. Eran herederos de los mimos jocultores de la
Roma clásica y pagana. Estos personajes eran en cierto grado una mescla de
poetas,
saltimbanquis
y
que
mezclaban
sus
actuaciones
con
cantos,
malabarismos y teatro. Se les considera como los transmisores de la música
popular no litúrgica.
Una característica muy importante de los juglares son sus cantos acompañados
por instrumentos musicales, acto prohibido por la música eclesiástica ya que la
Iglesia vinculaba el uso de instrumentos musicales con la música pagana romana.
Existían varios tipos de juglares, desde los más simples y vulgares como los
Cazurros o Remedadores hasta otros más pulidos, muy parecidos a los
trovadores. Algunos juglares a veces eran o habían sido clérigos que abandonaron
la vida religiosa y vagabundeaban de un lado a otro tratando de sobrevivir,
sacaban provecho de sus habilidades y su superioridad culturar por sobre el
campesino promedio, estos eran llamados Goliardos
25
Goliardos: se refiere a un tipo de clérigo que decide desertar de la iglesia y de ser
eclesiástico para tener una vida fuera de la orden religiosa y tomar un camino de
vida totalmente distinto al de un sacerdote, por lo que comienzan a frecuentar
tabernas y lugares no lícitos para un fraile y llevando una vida licenciosa y amoral
según la iglesia.
Una de las características importantes de los goliardos es que son personas cultas
y letradas y que culturalmente están por sobre la media de los campesinos y
obreros medievales. El gran aporte cultural de los goliardos fue componer varios
poemas y sátiras en latín expresando su descontento con la iglesia y la sociedad
medieval, también dejaron varias canciones con temáticas dedicas al vino, el
juego, la taberna, el amor y las mujeres. La cantata Carmina Burana de Carl Orff
está inspirada en estos escritos medievales.
c) Polifonía medieval
Hasta el siglo nueve toda la música era monódica pero luego nace la polifonía,
que se convierte en un procedimiento revolucionario para la época. La polifonía es
un ejercicio musical de combinar sonidos y melodías simultáneamente.
Una de las formas polifónicas que se destacan son: el organum, el conductus, el
motete y el hoquetus. El Motete es la forma musical que abre la puerta hacia la
música popular por que comienza siendo litúrgica y luego es profana. El motete es
importante y revolucionario del punto de vista polifónico y de notación musical.
Esta técnica de composición procede del Organum melismatico. El Motete
propiamente se llamaba a la voz que juega con una rítmica libre por sobre el
esquema rígido del tenor, mientras el tenor tenía solo unas silabas para cantar
26
esta otra voz ocupaba muchas palabras (mot, motets= palabras). La voz del tenor
en ocasiones era tocada con un instrumento, si el motete era a dos voces el tenor
se convertía en una melodía vocal acompañada por un instrumento y si era para
más voces, estas competían entre ellas con libertad rítmica y melódica sobre la
base instrumental de la voz más grave.
Se debe aclarar un punto muy importante del inicio de la música polifónica, ya que
está se encuentra dividida en dos periodos; Ars Nova y Ars Antiqua. Este proceso
es al final de la edad media. Desde el Ars Nova.
d) Música Instrumental
La danza es el estilo más importante de la música medieval y significativa para la
música popular. Esta forma musical está muy relacionada con el movimiento de la
trova medieval.
Aunque
estas obras
son corales podían tocarse con acompañamiento
instrumental y no solo para la música profana sino también para ceremonias
religiosas. La música de danza exigía participación instrumental.
Son numerosos los testimonios tanto iconográficos como literarios que confirman
la presencia instrumental de la época.
27
5- Emigración Europea
La emigración de europeos hacia otras partes del mundo en especial a América,
fue un proceso intenso durante la colonia, guerras y dictaduras europeas. Estos
episodios migratorios se deben al aumento demográfico de la población europea y
a las crisis económicas, hambrunas y represiones políticas del continente. Esto
provoco la emigración de millones de europeos a distintas partes del mundo.
El inicio de la música folk en Estados Unidos responde principalmente a los
emigrantes europeos que llegaron a este país, especialmente ingleses ya que era
una colonia de Inglaterra pero llegaron emigrantes de todas partes de Europa y
cada uno traía
consigo músicas e instrumentos particulares de su lugar de
nacimiento. Las canciones servían para acompañar los trabajos y se les
denominaron¨ work song¨ eran canciones que acompañaban las arduas jornadas
de trabajo. La principal característica de estas copla es que eran responsorial
(una voz repite lo que una voz principal canta)
También la música servía para acompañar fiestas tradicionales de cada grupo
étnico, las temáticas de estas canciones eran; de la vida cotidiana, historias de
amor y muchas canciones eran del repertorio popular europeo.
En América se produjo una rica mixtura cultural entre los emigrantes europeos, ya
que la música europea no era totalmente homogénea, cada país y comunidad
aportaba una particularidad
sonora a este conjunto musical que llegaba a
América.
28
6- Siglo Veinte y el Nacimiento de la Industria
Musical
El folk es un estilo musical que generalmente se relaciona con Estados Unidos, ya
que este país ha producido mucha música de esta corriente.
En el periodo que llegan los emigrantes europeos la música se conservaba y se
cultivaba atreves del boca a boca o lo que se conoce como Tradición Oral.
Cerca del año 1.930 aparece las primeras grabadoras de música y continuamente
nace la radiodifusión. Con este gran cambio tecnológico nacen las grandes
compañías discográficas.
La industria musical consiste en la manufacturación en masa de discos y la radio
difusión de estas cintas fonográficas. El fin es que la música producida sea
masificada a través de estos medios tecnológicos, el propósito es que pueda llegar
a la mayor cantidad de personas posible con el objetivo de conseguir grandes
cantidad de ganancias y rentas posible.
La forma de hacer música cambia ya que tiene que adaptarse a este nuevo
concepto, tiene que ser más breve y toma un carácter ligero el cual de alguna
forma convierte los productos musicales en productos desechables.
La música comienza a tomar nombre y a separarse, comienza a describirse la
música por estilos. La mayor división es la división que se hace entre la música
popular y la música docta
Los músicos americanos de la década del 40 comienzan a buscar música desde la
tradición popular ya que tienen una inquietud con la identidad porque se sienten
29
invadidos por una música que es homogénea y de alguna manera insípida y no se
sienten identificados totalmente con lo que escuchan en las emisoras de radio.
Esta nueva oleada de jóvenes creadores recoge las canciones de la tradición
popular y las graban en este nuevo formato, esta es la primera instancia para que
el folk se interne y tome un lugar importante en la industria musical.
Luego estos mismos músicos sienten una necesidad por crear sus propias
canciones y además por mezclar esta música de tradición popular con otros estilos
musicales que se desarrollan paralelamente en Estados Unidos tales como el
Blues y el Jazz.
Esta nueva música es muy popular en la década del 60. En este decenio se hace
popular una nueva música que revoluciona la industria musical.
Esta nueva
corriente artística es el Rock, llamada también la música de los jóvenes que tiene
sus raíces mayormente el blues. Los artistas folk como Bob Dylan se atreven con
este nuevo estilo musical y nace el folk rock y muchos estilos más.
30
7- Derivaciones del Folk
a) Folk
Tomando en cuenta el folk como estilo musical que se desarrolla dentro de
la industria musical, se podría considerar su origen en la industria cerca de
la década del treinta. Uno de sus exponentes más destacados son: Woody
Guthrie y Pete Seeger. Luego en la década de los sesenta esta música
toma una brecha política muy fuerte y mucho de los artistas que participan
en este movimiento sienten tener una responsabilidad social muy
importante donde tienen que plasmar sus inquietudes en canciones. Una
nueva generación de artistas destacados nace como: Bob Dylan, Joan Baez
y Kate Wolf.
b) Folk Rock
Es un estilo musical que combina elementos esenciales del folk y ciertas
sonoridades del Rock. Nace en la década del sesenta en Estados Unidos e
Inglaterra, con artistas y bandas muy destacadas como: The Bird, Crosby,
Stills, Nash and Young, Fairpot Convention y The Band.
c) Folk pop
Es una fusión de estilos musicales como: el Rock, el Country Music y el
jazz. En algunas páginas especializadas de música a los artistas que están
en este conjunto se les puede buscar como: Adult Contemporary,
Singer/Songwriter, Sof Rock y Am Pop. En este género se destacan artistas
31
como: James Taylor, Simon and Grfunkel, Jackson Browne, Jim Croce y
John Denver.
d) Country Music:
Es un género de música de Estado Unidos que se originó en las regiones
rurales del sur en la década del 20, influida por la música de los emigrantes
Europeos. Es una música de gran popularidad en Norte América, también
hay una corriente de música Country en Australia que posee una gran
popularidad. En su mayoría este estilo se compone de baladas y canciones
relacionadas con la danza. Entre los artistas destacados se encuentran:
Willie Nelson, Hank Williams, Johnny Cash, Dolly Parton y Odeta.
e) Country Rock:
Es la fusión entre el Country Music y el Rock aunque a veces se le
denomine Rock del sur ya que la mayoría de los grupos musicales que
representan esta corriente artística provenían del sur de Estados Unidos. Es
un género popular que comienza a fines de los 60 y principio de los 70 con
bandas como: Lynyrd Skynyrd y The Allman Brothers Band.
32
f) Folk Fusion:
Es una derivación del folk que toman muchos elementos del Rock
Progresivo de la década de los setenta. Esta corriente se destaca por incluir
en sus repertorio obras largas y en varias ocasiones conceptuales.
Existieron especialistas que habían clasificado este estilo como folk
Progresivo, muy popular en la década del 70 con artistas destacados
como: Jethro Tull y Bela Fleck.
g) Neo Folk:
Ha sido un estilo musical que se desarrolla con músico que se iniciaron en
la década de los noventas hasta la actualidad. La principal inspiración de
estos artistas era volver a las raíces del folk de los 60 pero a la vez han
fusionado esta música con sonoridades actuales y nuevos estilos como por
ejemplo: el Rap, el Electro House y el pop actual. En esta vertiente musical
se destacan artistas como: Ray Lomontagne, Damien Rice,Scott Matthews
y lisa hannigan.
h) Folk o Folclore Latinoamericano:
Es un estilo de folk con raíces europeas, africanas y americanas. Como
estilo musical fue muy popular en la década del 60 y 70. Tuvo una gran
influencia política, debido al contexto social de Latinoamérica como:
33
dictaduras militares, revoluciones y emancipaciones obreras. Debido a la
gran cantidad de países y de distintas culturas que habitan latino América, es
una música muy variada y con distintas formas que dependen del sector
geográfico donde nacen. En esta gran corriente de artistas y poetas
destacan músicos como: Violeta Parra, Víctor Jara, Mercedes Sosa, Silvio
Rodríguez, Chico Buarque y Caetano Veloso.
8- Introducción al Folk Latinoamericano
En esta sección se explicara ciertos contextos históricos de manera muy breve y
concisa con el objetivo de entender las raíces y el escenario en donde se
desarrolla la música de raíz folclórica latino americana. Este resumen histórico y
musical también es importante para explicar ciertas aristas artísticas que se
desarrollan en las obras musicales que se exponen en esta investigación.
También en estos capítulos se pronunciaran textos y ensayos de personajes
relacionados con la musicología que han abordado el tema de la música popular
en chile y su progreso.
Las reflexiones sobre estas grandes áreas de la investigación se abordan y se
pronuncian de una forma breve pero desde una visión muy personal y particular.
La real decisión de agregar algunos capítulos sobre estas complejas temáticas se
explica porque han abierto una senda nueva en mi interés por comprender y
estudiar las razones y las posibilidades de instruirme en los sectores más áridos y
profundos de la música y la cultura.
34
9- Inicio de la colonización americana
El inicio de la colonización de América comienza a fines del siglo quince con la
llegada de Cristóbal Colon en 1492 con el financiamiento de la corona de castilla,
desde este hito histórico avanza la conquista Europea en las tierras Americanas
presidida por el imperio Español pero luego varios reinos seguirían sus pasos
como por ejemplo El reino de Portugal, el reino Inglés, Francés y Holandés en el
siglo diecisiete.
El Imperio español fue el emporio más importante a nivel de territorio conquistado
ya que reinó aproximadamente desde la actual santo domingo para expandirse
hacia el territorio Azteca e Inca con grandes batallas que traería como
consecuencia un gran número de aborígenes americanos muertos.
Con la colonización se crean varios virreinatos los más importantes y los primeros
fueron el virreinato de la nueva España en la actual ciudad de México y el de la
capital de Perú Lima. Más tarde con la expansión y el asentamiento en el sur se
instauran los virreinatos de nueva Granada y de Rio de la Plata. Las fuerzas
españolas tuvieron algunos problemas para invadir ciertos territorios y pueblos
como es el caso del pueblo Mapuche en el centro sur de Chile.
Con la invasión española y su posterior asentamiento se fundaron muchas
ciudades y los colonos españoles implantaron en américas sus costumbres
culturales y sus tecnologías y oficios. Los reinos de España y de Portugal
introdujeron
esclavos
africanos
procedentes
subsahariana, especialmente en el sector
principalmente
del
África
caribe del continente, las coronas
Europeas también esclavizaron un sinfín de pueblos indígenas americanos y los
utilizaban como siervos en conjunto con los esclavos africanos para el trabajo
35
agrícola y minero. El principal deseo de los reinos Europeos era extraer minerales
preciosos como el oro y la plata para comercializarlos en Europa. El imperio
europeo también impuso su cultura y principalmente la religión cristiana que
profesaban, para este fin los europeos organizaron grandes evangelizaciones y
expediciones a distintas latitudes para convertir al cristianismo a los habitantes de
los distintos poblados del continente. España envió varios viajes un sinfín de
misiones con distintas órdenes católicas para construir iglesias, escuelas y centros
médicos principalmente para los españoles y sus descendientes.
La llegada de Cristóbal Colon fue el comienzo de la conquista de América, la
primera campaña fue la de cuba por Velázquez y luego fue la de la conquista de
los aztecas por Hernán Cortes y la invasión a Lima por Francisco Pizarro hasta la
abolición de la conquista con el decreto de Felipe segundo, después de este
hecho puntual comienza la colonización de América por el resto de los reinos
Europeos iniciando con Holandeses, Franceses e ingleses. Este grupo de reinos
no tenían una gran iniciativa de evangelización más bien el mayor deseo era
usufructuar el continente y hacer rutas de comercio.
10- Resultados y secuelas de la colonización
Las primeras
consecuencias
de
la
conquista
fueron
las
enfermedades
transmitidas por los Europeos a los nativos que se contagiaron con viruela y tifus,
estas afecciones fueron la razón de un gran descenso de la población indígena
americana.
36
Con la absorción cultural y religiosa vino la introducción del idioma oficial de los
reinos de España y Portugal. La religión católica llego a ser la religión oficial de
los virreinatos de España y Portugal asentados en América. Con el paso del
tiempo en el continente se generó el primer mestizaje entre los europeos, los
africanos y los nativos americanos. En este periodo se produjo el primer
sincretismo cultural y religioso entre los nuevos habitantes del nuevo mundo.
El impacto económico de la región fue importante en los primeros ciento cincuenta
años de conquista, en este periodo de tiempo se extrajeron 17.000 toneladas de
oro y plata y aproximadamente 200 toneladas se dirigieron a España. Otra
significativa consecuencia fue la difusión mundial de los alimentos de origen
americano como el maíz, la calabaza, el tomate, el maní, la vainilla, los ajíes, los
tubérculos como la papa etc. Los conquistadores llamaban a estas tierras como el
cuerno de la abundancia por la gran cantidad de productos que el territorio
brindaba al ser humano.
Los españoles viajaron con animales nuevos para esta zona, el ganado
introducido a América contaba con ejemplares como: burros, caballos, bueyes,
vacas castellanas, ovejas, cerdos, gallinas y conejos.
Los alimentos que los
europeos llevaban en sus viajes al nuevo continente consistían en cebada, avena,
trigo de la península ibérica, cañas de azúcar de las islas canarias.
11- Independencia Americana
Después de la colonia y del establecimiento completo de los reinos europeos en
América comienza un proceso de liberación política de los imperios europeos,
37
después de este proceso de emancipación política que transcurre entre los años
1808 y 1824 que se inicia en las indias como respuesta al movimiento juntista
desarrollado para defender los derechos de Fernando séptimo cautivo por
Napoleón. El proceso de liberación
se consuma con las guerras de
independencias desarrolladas a través de todo latino América.
Las causas aparentes de este proceso son las deficientes administraciones de los
virreinatos y de los emisarios de la corona. Otro factor decidor son el monopolio
económico, la postergación de mestizos y criollos, el absolutismo y el yugo
opresor de las libertades culturales y personales por parte de España y Portugal.
Las influencias externas que influyen el curso histórico de los hechos que gatillan
la independía son el movimiento filosófico de la ilustración. Estas nuevas
corrientes intelectuales inspiran profundamente a algunos criollos que estudian en
Europa como es el caso de Simón Bolívar. Cuando estos jóvenes criollos
latinoamericanos se enteran de la revolución francesa y la independencia de
Estados Unidos de la corona inglesa se ilumina para organizarse y crear un
movimiento en pos de la independencia. La independencia no se consuma con las
proclamaciones de juntas de gobierno, se desarrolla en un periodo aproximado de
catorce años que culmina cuando los ejércitos independistas criollos vencen a las
milicias reales en las guerras que tienen por el nombre de batallas por la
independencia.
Estos combates tienen el carácter de guerra civil porque generalmente se
enfrentaron criollos versus peninsulares, esto explica porque el conflicto bélico
durara muchos años ya que España envió poco contingente militar a América.
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Detalles de las fechas de independencias:
 La independencia de Ecuador (Grito de Independencia 10 de agosto de
1809)
 La independencia de Venezuela (Primera junta de gobierno: 19 de Abril de
1810 /
Declaración de independencia: 5 de Julio de 1811 /
Reconocimiento de independencia por parte de España: 30 de Marzo de
1845)
 La independencia de Argentina (Primera junta de gobierno: 25 de Mayo de
1810 / Declaración de independencia: 9 de Julio de 1816 / Reconocimiento
de Independencia por parte de España: 9 de Julio de 1859)
 La independencia de Colombia (Grito del 20 de julio de 1810)
 La independencia de México (Grito de Dolores, 16 de septiembre de 1810)
 La independencia de Chile (Primera junta de gobierno: 18 de Septiembre
de 1810 / Declaración de independencia: 12 de Febrero de 1818 /
Reconocimiento de independencia por parte de España: 24 de Abril de
1844)
 La independencia del Uruguay frente a España (Grito de Asencio, 28 de
febrero de 1811)
 La independencia de Paraguay (14 de mayo de 1811)
 La independencia del Perú (Primer pronunciamiento de la independencia
del Perú, 27 de diciembre de 1820)
 La independencia de Panamá frente a España (28 de noviembre de 1821)
 La independencia de Bolivia (6 de agosto de 1825)
 La independencia
del Uruguay frente
a Brasil (Declaratoria de
la
Independencia de 28 de agosto de 1825)
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 La independencia de la República Dominicana frente a Haití (27 de febrero
de 1844)
 La segunda independencia de la República Dominicana frente a España
(Grito de Capotillo, 16 de agosto de 1863)
 La independencia de Cuba (20 de mayo de 1902)
12- Repúblicas y dictaduras militares
sudamericanas
Después de las independencias respectivas llego un proceso de fundar republicas
sudamericanas y de comenzar el desarrollo de estados modernos como los que se
pueden apreciar hoy en día.
Esta trasformación fue paulatina y de paso lento, esta fase moderna trajo consigo
conflicto bélicos entre los países por motivos de limites e intereses geográficos
como es el caso de la guerra del pacifico entre Chile, Perú y Bolivia de 1879.
Otra arista importante fue el desarrollo económico e industrial de los países
latinoamericanos como consecuencia de la revolución industrial que se
desarrollaba en Europa principalmente en Inglaterra. El resto del mundo viviría una
incipiente industrialización como es el caso de américa. Esta nueva etapa no
estaría fuera de conflictos sociales la diferencia es que sería el mismo estado y las
empresas extranjeras que explotarían a la población obrera como por ejemplo el
caso de las salitreras inglesas en el norte del Chile.
Con el comienzo del siglo veinte el mundo comienza a fraccionarse políticamente
en distintos vértices políticos fraguando uno de los conflicto militares más grandes
40
del siglo veinte, este enfrentamiento seria las guerras mundiales
que tendría
como primer foco la población europea.
La primera guerra mundial se desarrollaría desde 1914 hasta 1918 este conflicto
estaba dividido en dos grandes alianzas opuestas. Por un lado se encontraba la
triple alianza compuesta por: el imperio Alemán y Austria-Hungría e Italia.
Por otro lado se encontraba la Triple Entente formada por: El Reino Unidos,
Francia y El Imperio Ruso.
La segunda guerra mundial se inicia en 1939 y termina en 1945 en este conflicto
se ven envueltas muchas naciones del mundo pero habían dos coaliciones
importantes en esta guerra una era los aliados compuestos por: Reino Unido,
Francia y Estados Unido. La unión soviética también se uniría a esta alianza. El
segundo bloque era la potencia del eje conformada por: Alemania, El Imperio de
Japón y el Reino de Italia.
En 1945 termina la guerra que tendría una cantidad de bajas militares y civiles
nunca antes vistas ya que en esta ocasión la humanidad tenia armamentos con
una capacidad destructiva que no había éxito jamás. Una vez que termina la
guerra en abril de 1945 Alemania fue militarmente ocupada por los aliados y
comienza un nuevo conflicto que sería llamada Guerra Fría.
La Guerra Fría fue un acontecimiento militar, político y económico que tendría
como principales rivales a Estados Unidos y a la URSS (unión soviética) la guerra
fría tendría como interés principales el asentamiento económico e ideológico del
país que venciera en este conflicto que nunca tendría un enfrentamiento directo
entre estas dos naciones pero que poseería pequeños pero importantes
enfrentamientos militares como la crisis de los misiles en cuba con la invasión de
la bahía de cochinos en abril de 1961.
41
13- Dictaduras militares en América latina
Durante la guerra fría en América latina
se desarrollan fuertes movimientos
obreros y movilizaciones populares con tendencias ideológicas de izquierda que
darían como resultado insurrecciones populares y estados socialistas. Un claro
ejemplo de movimientos populares fue la revolución cubana del 1 de enero de
1959 con la caída de Fulgencio Batista y la llegada al poder de Fidel Castro. Otro
hito importante fue el gobierno socialista del Presidente de Chile Salvador Allende.
Todos estos sucesos desarrollados en latino América eran complejos para
Estados unidos desde el punto de vista económico y de hegemonía ideológica por
lo cual confabulan contra los gobiernos socialistas y los movimientos populares a
través del apoyo de fuertes y violentas dictaduras militares.
El proceso de las dictaduras militares antes y durante es muy importante para
comprender el contexto social y cultural en el que se desarrolla la música de raíz
folclórica en latino américa. Ejemplos perfectos de este periodo es la nueva
canción chilena que tiene un fructífero crecimiento en el gobierno de la unidad
popular en chile y termina abruptamente con el golpe y la dictadura militar de
1973.
Detalles de las Dictaduras Militares:
 La Dictadura militar de Argentina se desarrolla entre 1976 y 1983. Principal
líder Jorge Rafael Videla
 La Dictadura militar de Uruguay se desarrolla entre 1974 y 1984. Principal
líder Juan María Bordaberry
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 La Dictadura Militar de Chile se desarrolló entre 1973 y 1990. Principal líder
Augusto Pinochet Ugarte.
 La Dictadura Militar de Bolivia se desarrolló entre 1971 y 1978. Principal
líder Hugo Banzer.
 La Dictadura Militar de Paraguay se desarrolló entre 1954 y 1989. Principal
líder Alfredo Stroessner.
 La Dictadura Militar de Republica Dominicana se desarrolló entre 1930 y
1961. Principal líder Rafael Trujillo.
 La Dictadura Militar de Perú se desarrolló entre 1968 y 1975. Principal líder
Juan Velasco Alvarado.
 La Dictadura Militar de Ecuador se desarrolló entre 1972 y 1976. Principal
líder Guillermo Rodríguez.
Estos antecedentes son muy importantes para entender el desarrollo que tuvo el
Folclore latinoamericano en la década de los sesenta y setenta.
14- Música Folclórica Latinoamericana
La música de raíz latinoamericana es una mistura de música y culturas distintas,
entre ellas se encuentra la cultura precolombina, Europea y Africana.
En términos musicales el aporte de la cultura musical europea entrega todo el
acervo armónico y melódico desarrollado por el viejo continente, una parte
importante es la música de cámara con un gran desarrollo teórico musical y la otra
arista es la música popular cultivada por los pueblos europeos. El aporte de
instrumentos musicales de parte de Europa es extenso, su contribución es de
43
cordofonos (instrumentos de cuerdas) como la guitarra, aerófonos (instrumentos
de vientos) una gran cantidad de tipos de flautas e instrumentos de percusión. El
gran aporte de África son sus instrumentos de percusión y su desarrollo musical
rítmico. América pre hispana ha colaborado con un gran tipo de aerófonos
primitivos como por ejemplo el Tlapitzalli (un tipo de flauta) y una variedad de
percusiones entre las que destaca el Huehuetl (un timbal mesoamericano).
Cuando los españoles arriban a América traen consigo una gran tradición musical
y con una larga historia de coexistencia y fusión con pueblos árabes y moros
provenientes del norte de África, también judíos, gitanos y cristianos. Cada uno de
estos pueblos aportó con sus diferentes tipos de manifestaciones musicales que
contribuyeron a la evolución primigenia de la música y cultura latinoamericana.
Algunos poblados de américa latina son sustancialmente de origen Africano como
los garífuna de América central y su música refleja claramente el desarrollo poli
Rítmico de áfrica pero los esclavos africanos llegaron a América y modificaron sus
tradiciones musicales adaptándose a las tradiciones Europeas.
15- Tipos de música popular latino americana por
países
a) Argentina:
La música argentina tiene una gran variedad de estilo de que penden de la región
del país se desarrolla. Una de las formas musicales más conocidas es el tango
que ha tenido una gran fama a nivel mundial.
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 Baguala: la baguala es un género que se origina en el noroeste de Argentina y
que desciende hacia las comunidades diaguitas que habitan las comunidades
de calchaquíes, generalmente se acompaña por una guitarra y una caja que se
le denomina caja coplera. El cantante generalmente es quien toca este
instrumento de percusión. Un artista destacado es el gran músico argentino
Atahualpa Yupanki.
 Chacarera: es un género folclórico de argentina que proviene principalmente
de la región de Santiago del Estero, este estilo musical ha sido muy popular y
se ha extendido por el resto del país y cruzando las fronteras hacia Bolivia y
chile. La instrumentación principal es una guitarra acústica, un bombo legüero
y un violín.
Hay una serie de discusiones sobre si la chacarera se concibe rítmicamente en
un compás rítmico de 6/8 o en 3/4 el musicólogo Adolfo Abalo sostiene que es
una danza mono rítmica en 3/4 mientras que otros musicólogos como Juan
Falú sostiene que es una danza birritmica con la melodía en 6/8 y la base
rítmica en 3/4.
 Bailecito: es originario de Bolivia pero ingreso a argentina por la provincia de
Jujuy entre la segunda y quinta década del siglo diez y nueve, este estilo se
extiende de manera veloz hacia las regiones de Córdoba, Santiago del Estero,
Catamarca, Tucumán, La Rioja y la región Cuyana.
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b) Bolivia:
La música de Bolivia comúnmente se define como música andina pero es un error
ya que en Bolivia los estilos musicales son muy amplios y por cada región del
país existen categorías musicales distintas aunque la música que se cultiva cerca
de los andes o en la zona altiplánica del país que ha sido el estilo de música que
ha tenido una mayor difusión internacional.
 Saya: es una danza que representa la expresión artística de la fusión entre
pueblos originarios y africanos, la saya es un estilo musical que proviene de la
Paz y que se ha difundido por el resto del país. La principal característica de
esta danza es su estilo sensual y cadencioso.
 Cueca: la cueca es un estilo que tiene su antepasado en el zapateo español y
que en época de la colonia era un género musical reservado para la
aristocracia. La cueca en Bolivia ha tenido un gran arraigo y desarrollo en la
región de Cochabamba.
 Tonada Potosina: también se conoce como tonada norpotosina o tonada tinku.
Es un ritmo de carácter alegre y festivo, se ha desarrollado en el norte de la
región de potosí y de sus departamentos colindantes como Chuquisaca y
Oruro. La instrumentación habitual de este estilo es principalmente guitarras,
charangos y percusión. Esta música ha tenido gran popularidad gracias a los
grupos urbanos que han desarrollado este género y que han sumados
aerófonos como zampoñas y quenas.
46
c) Uruguay:
Cuando se habla de la música uruguaya se asocia inmediatamente con la murga y
el candombe cuyas bases musicales usualmente son identificables con la música
uruguaya actual. Con la colonia española en Uruguay se produjo un gran
genocidio de sus habitantes originario por lo cual no existe muchos rasgos
identificables con la música pre hispana en la música actual o en el folklore
uruguayo más bien la fusión cultural se relaciona con los esclavos africanos y con
las colonias europeas instaladas en el territorio uruguayo.
 Candombe: el candombe es el género de música uruguaya en donde se puede
captar con mayor claridad las raíces africanas.
El candombe comprende tradicionalmente el conjunto rítmico de la cuerda de
tambores, danza y personajes populares. Personajes importantes de este género
son: Lagrimas Rios, Isabel Ramirez y Jorginho Gularte.
 Murga: la murga surge en las escenas de carnaval y fiestas populares de
Uruguay y tiene una configuración muy similar a la murga española de
Tenerife. Las temáticas principales de este estilo musical son la protesta social,
el humor político y la sátira. Todas estas temáticas se exponen de forma muy
teatral y en escena la comparsa presenta al público un vestuario y maquillaje
especial y muy distintivo de las comparsas. La murga Uruguaya está
compuesta por 17 integrantes, el coro se divide por registro vocales y se
agrupan según su tesitura. Las agrupaciones murgueras que han tenido una
gran recepción popular son: Araca la Cana, Falta y Resto, Agárrate Catalina y
Contrafarsa.
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Milonga: este género musical se ha desarrollado en Argentina y Uruguay por lo
cual es un estilo musical de origen rio platense, este género se presenta en dos
formatos, la milonga campera o surera (milonga del campo) esta es la forma
original de la milonga y la otra modalidad tiene por nombre milonga ciudadana. La
milonga tiene elementos rítmicos afro e influencia de danzas Europeas criollas
llegadas a Buenos Aires y Montevideo.
La milonga tiene varios estilos folklóricos similares como la chamarrita, el choro, El
candombe y la habanera. Principales exponentes de este género son: Alfredo
Zitarrosa, Argentino Luna y Alberto Merlo.
d) Perú:
La música peruana ha tenido un gran desarrollo que desde la fusión musical y
cultural. En Perú se distingue su música según el sector regional, las costas de
Perú han tenido una gran influencia afro mientras que las zonas andinas aún
conservan una gran tradición indígena originaria. La música del Perú también se
conoce internacionalmente por ciertos instrumentos que han destacado en el
desarrollo musical, instrumentos como: el charango, la zampoña, la quena y el
cajón afro peruano.
 Festejo: el festejo es principalmente una danza que representa al pueblerino de
la costa de origen africano. Los instrumentos principales son el cajón afro
peruano, las maracas, la quijada de burro y la guitarra acústica. Los creadores
48
de este estilo musicales fueron mestizos peruanos descendientes de esclavo
que provenían de África, especialmente del Congo, Angola y Mozambique.
 Huayno: es un género musical y un baile que se origina en el sector de los
Andes. El nombre de esta danza proviene de la palabra quechua
“Huayñunakunay” que significa bailar tomados de las manos. La ejecución del
huayno varía según la tendencia interpretativa que poseen los músicos
populares de cada región.
Teóricamente el Huayno es un estilo de música que se ejecuta en un compás
binario y que sus melodías nacen a partir de las escalas pentatónicas mayores y
menores. En este género hay una canción del compositor Daniel Alomia que
recibe el nombre de Cóndor pasa, esta canción fue muy popular ya que fue
interpretada por el conjunto musical estadounidense Simon And Garfunkel.
 Vals Peruano: este género musical muy popular en Perú y otros países
latinoamericano como chile y que tiene una gran difusión en los sectores
populares de ambos países. El origen de este género tiene una raíz española
criolla muy fuerte y una veta rítmica que proviene de los esclavos africanos que
habitaron Lima y las regiones costeras de Perú.
El vals peruano es un género que ha dado una gran importancia a la ejecución de
la guitarra, es un estilo que exige una gran habilidad técnica para ejecutar este
instrumento, también es muy importante la interpretación del cantante ya que
generalmente son historias de amor con un gran contenido nostálgico y dramático.
Grandes exponentes de este estilo musical son: Chabuca Granda, Felipe Pinglo
Alva y Julio Flores.
49
16- Música Folclórica Chilena
Al igual que el resto de los países de latino américo la música folklórica chilena se
basa en la mixtura entre la música y cultura que llegaba de Europa con la
colonización española y con la música vernácula de los pueblos originarios de
chile.
En el año 1907 hasta el 1908 el Británico Charleon Furlong fue el primer docente
que grabo algunas canciones de música mapuche que hacían referencia al sonido
del viento, al canto de las aves y que eran utilizadas para ciertos rituales
religiosos.
La música folklórica chilena se divide por regiones y por cada zona existe un estilo
de música folklórica, en esta investigación se presentara algunos géneros más
reconocidos y que serán detallados brevemente para contextualizar las obras
musicales expuestas en esta investigación.
a) Música folklórica de la Zona Norte:
La música de este sector está influenciada por la música andina y especialmente
por la cultura quechua por lo que su sonoridad tiene muchas similitudes con la
música del sector andino que se propaga en Perú y Bolivia. Ciertos géneros
musicales se han desarrollado gracias a la existencia de variados tipos de
carnavales y fechas festivas para las comunidades que viven en ciertas zonas
privilegiadas con estos carnavales. El carnaval con más popularidad es el carnaval
de la tirana.
50
b) Música Folklórica de la Zona Centro:
La música del sector centro del país se ha transformado en uno de los géneros
folklóricos más populares del país. Gracias a la cueca y las tonadas esta zona se
ha hecho muy popular porque la cueca es la danza folklórica representativa del
país pero este género ha tendió un desarrollo diverso según su procedencia ya
que existe distintos tipos de cueca dependiendo el sector geográfico y el contexto
sociocultural donde se ha desarrollado, uno de los tipos de cueca son la Cueca
chora que nación en las ciudades y en un contexto cultural especial que tiene
relación con los lugares de trabajo y recreación que tenían las clases obreras que
Vivian en Santiago y en Valparaíso. Este tipo de cueca se caracteriza por una
interpretación con mucha fuerza y pasión y las temáticas abordadas en las letras
son relatos de hechos e historias vividas por personajes típicos y personas de
clase obrera popular que vivía en las ciudades más grandes del país. La Cueca de
origen campesino nace y se desarrolla en el campo de chile y que ha sido
importante para la música chilena ya que es un estilo que ha visto nacer grupos
importantes musicales importantes para este género como son: Dúo Rey Silva,
Silvia Infante y Los Cóndores y Los Hermanos Campos. En el campo de chile se
ha desarrollado un estilo musical esencialmente campesino que guarda relación
con la palla, este género recibe el nombre de canto a lo poeta, esta es una
práctica popular y campesina que representa una tradición musical y literaria. El
canto a lo poeta es una expresión literaria de una importancia relevante para el
desarrollo cultural de chile. Este tipo de canto expresado en decimas se ha
convertido en un símbolo importante del folklore chileno que pertenece al valle
central.
51
El canto a lo poeta tiene dos grandes expresiones el canto a lo humano y el canto
a lo divino. La temáticas del canto a lo poeta tratan asuntos relacionados con las
cotidianidad del campesino y de su cosmovisión sobre la vida, la existencia y la
realidad. Mientras que el canto a lo divino se preocupa por temas como la creación
del mundo, el fin del mundo, historias religiosas sagradas del antiguo y nuevo
testamento, el nacimiento de Cristo, pasión y muerte de Jesús y despedida del
angelito. El contexto de las interpretaciones del canto a lo divino se realiza en
ceremonias religiosas.
c) Música Folklórica de la Zona Sur:
Las provincias ubicadas geográficamente al sur del país tuvieron una colonización
de carácter importante por otro tipo de países Europeos diferentes a España y que
llegaron a estas provincias posteriormente a la primera colonización española,
entre estas regiones se encuentran los departamentos de Valdivia, Osorno y
Llanquihue. Pero la región ubicada al sur del país que ha tenido un gran desarrollo
musical y popular es el sector del archipiélago de Chiloe.
Debido a que el archipiélago de Chiloé geográficamente se encuentra alejado del
continente incidió en la conservación de las prácticas religiosas y lingüísticas del
medioevo Español. También la isla tuvo un mestizaje importante entre los colonos
y las comunidades Huilliches, dando forma a la música que hoy conocemos de
Chiloé, con canciones que narran el diario vivir de los habitantes y también por
otra parte coplas cargadas de leyendas y mitos. Una de las danzas españolas
típicas que viajaron con los colonos eran el chocolate y el pericón y que pronto se
52
convertiría en la pericona. Entre las danzas importantes y aún vigentes de Chiloé
se encuentras bailes típicos como El Chocolate, La Segrilla, El Peral y La Bala.
17- Neo Folklore Chileno
Fue el primer movimiento juvenil en chile que se acercó hacia la música de raíz
folklórica chilena. Este grupo de jóvenes buscaba rejuvenecimiento de los códigos
de la música tradicional chilena, especialmente la tonada campesina. Este
movimiento nació aproximadamente al principio de la década de los sesenta pero
sería un movimiento que tendría una vida corta, después de esta corriente musical
seria la nueva canción chilena la agrupación de jóvenes que se inspiraría en la
música de raíz folclórica pero que sumaría temáticas socioculturales y políticas. En
este grupo de jóvenes que participaron en el Movimiento musical del Neo Folklore
Chileno destacarían intérpretes como: Los Cuatro Cuartos, Pedro Messone y Las
Cuatro Brujas.
La nueva canción chilena se ha definido por ser la corriente juvenil de la década
de los sesenta y setenta que tomaron la música chilena de raíz folclórica y le
dieron un giro lirico hacia las reflexiones sociales, culturales y políticas. Este grupo
de nuevos músicos fueron inspirados profundamente por Violeta Parra que sería
una de las cantantes populares más importantes y prolíficas que daría la historia
de la música chilena hasta la actualidad.
Violeta Parra nación el 4 de octubre de 1917 y murió en Santiago el 5 de febrero
de 1967. Violeta es muy importante para la música popular chilena y
especialmente es una fuente inspiradora para la nueva canción chilena ya que fue
53
una de las primeras cantautoras que tomaron la música de raíz folklórica y la
utilizo como un medio para expresar reflexiones sociales como en la canción la
Carta o Arriba va que mando el Sol. También exploro una veta existencialista
como se puede percibir en las canciones Maldigo del alto cielo y Gracias la vida.
Violeta Parra en el inicio de su carrera fue recopiladora de canciones populares
que se habían trasmitido a través de la tradición oral.
La nueva canción chilena tiene sus inicios al final de la década de los años
sesentas y se desarrolla principalmente en esta década para luego tener un fin
abrupto con el golpe militar de 1973. Los músicos integrantes de esta corriente
artísticas fueron claves para que la música folclórica chilena se abriera y se uniera
a los sonidos y ritmos juveniles que brotaban por todo latino América en la década
de los sesenta y setenta. Este movimiento fue muy fuerte en chile previo y durante
el gobierno de la unidad popular y tiene un triste deceso con el militar, la muerte
de Víctor Jara y el exilio de muchas agrupaciones importantes para la nueva
canción chilena. Los artistas destacados de este estilo musical son: Víctor Jara,
Quilapayun, Ángel Parra, Rolando Alarcón y Patricio Manns.
18- Canto Nuevo
El desarrollo de este estilo musical se inicia en el fin de la década de los setenta y
se desarrolla en la década de los ochenta teniendo un declive con el fin de la
dictadura militar. Se considera que el canto nuevo es la primera respuesta musical
a la represión cultural y de expresión que tenía sumergido el régimen militar a la
población chilena. Los músicos integrantes de este movimiento recogieron el
Legado que había dejado la nueva canción chilena y que había puesto fin la
54
dictadura. La gran mayoría de los próceres musicales de raíz folclórica se
encontraban en el exilio por lo cual todo la música de raíz folklórico con reflexiones
sociales y políticas había quedado huérfana y sin nuevos exponentes hasta que
aparecen nuevos músicos que tienen que desarrollar su inquietudes creativas de
forma muy clandestina ya que existía una fuerte opresión cultural y una fuerte
restricción de expresión, por este motivo los espacios eran reducidos. El canto
nuevo fue la voz musical de muchos jóvenes que necesitaban exponer sus ideas
personales y sociales. El canto nuevo tuvo un declive popular con la llegada de
jóvenes que encontraron un canal de expresión en el Rock como Los Prisioneros,
también incidió el fin del régimen militar y la abertura de chile a nuevas
expresiones culturales juveniles. Los artistas destacados en este estilo son:
Schwenke & Nilo, Santiago del Nuevo Extremo, Nano Acevedo, Isabel Adúnate y
Eduardo Peralta.
19- Análisis sobre docentes vinculados hacia el
Folclore Chileno y Latinoamericano
a) Fidel Sepúlveda
Fidel nació el 20 de noviembre de 1936 en San José, Cobquecura y falleció el 27
de septiembre en Santiago de Chile.
Fidel fue un importante investigador, Docente, Poeta, Doctor en Filosofía
Hispánica y miembro de la academia Chilena de la Lengua y director del Instituto
de Estética de la Universidad Católica de Chile.
55
El docente fue un catedrático muy interesado e involucrado por las costumbres
populares en especial las costumbres que tienen relación con el lenguaje y la
cultura. Es uno de los pedagogos que ha escrito y publicado un importante número
de documentos y textos relacionados con las raíces culturales de Chile y su
pueblo.
Mi vínculo con este maestro fue gracias a un documento sobre un discurso de
inauguración para la sexta temporada de Arte y Cultura Tradicional. Este texto
despertó mi curiosidad por los análisis académicos que existen sobre el Folclore
ya que el autor explica el desarrollo y la forma con la cual el Folclore Chileno se ha
preservado en el tiempo, también insta a la juventud y especialmente a los
establecimientos educacionales a relacionarse y aprender con su Folclore ya que
tiene nexo importante con la identidad social y colectiva.
Hay dos extractos del texto que citare porque tienen relación con lo mencionado
recientemente pero además fueron importantes para mi proceso de aprendizaje
sobre el acervo cultural que entrega el Folclore al individuo y al colectivo.
Uno de los párrafos escogidos fue el siguiente.
“El Folklore es una cultura creada y recreada a lo largo del tiempo por memoria
histórica de una comunidad. Se manifiesta a través de formas musicales,
coreográficas, literarias, plásticas, rituales, laborales, alimentarias, en que el
pueblo encarna su experiencia y sabiduría tradicional” (Sepúlveda, 2004)
Este párrafo me entrego una idea primigenia del significado del Folclore y donde
explica el origen y el valor de las costumbres.
El siguiente párrafo es inspirador
porque el autor agrega una labor al Folclore y a las personas que cultivan las
costumbres populares.
56
“Para una comunidad el rescate, desarrollo y recreación permanente de las raíces
de su identidad es una condición de supervivencia” (Sepúlveda, 2004)
La obra de Fidel Sepúlveda es muy vasta e importante para la preservación de la
cultura en chile. Se presentaran algunas de sus Trabajos más importantes
 1982 Teoría de América en la novela actual. Universidad Complutense,
Madrid.
 1982 Aproximación estética a la literatura chilena. Colección Aisthesis.
 1990 A lo Humano y a lo Divino. (Poemas). Editorial Documentas, Santiago.
 1995 Cultura e Identidad en América Latina, Ed. Iche. Santiago. Chile.
 1999 Cuentos campesinos. (Antología y comentarios). Ed. Andrés Bello,
Santiago.
 1999 Cuentos Latinoamericanos. (Antología y comentarios). Ed. Andrés
Bello, Santiago.
 2010
Patrimonio,
identidad,
tradición
y
creatividad.
Centro
de
Investigaciones Diego Barros Arana - Dirección de Bibliotecas, Archivos y
Museos de Chile (DIBAM). Santiago
En la página web memoria chilena dedica a la preservación de la información y
obras de los artistas y docentes relacionados con la cultura Chilena se relaciona a
Fidel con otros Próceres que han tenido una participación importante con la
cultura. Entre los maestros vinculados destacan personajes como: Marcela
Orellana, Juan Echeverría y Desiderio Lizana Droguett.
57
b) Juan Uribe
Juan Uribe Echeverría nació en 1908 en Vizcaya una provincia de España y murió
en Diciembre del año 1988 en Santiago de Chile. El catedrático realizo sus
estudios en la Universidad de Chile pero comenzó su labor docente en Valparaíso
como profesor de literatura en el Instituto Pedagógico de Valparaíso.
El maestro Juan Uribe centro su carrera en la investigación sobre la Literatura y el
Folclore Chileno y realizo una observación profunda de las costumbres populares.
Su mayor propósito era difundir y preservar las raíces culturales del pueblo
Chileno. El ámbito en el que trabajo este investigador fue las Fiestas Religiosas,
Las Riñas de Gallos y la Cueca Urbana. Uno de los grandes reconocimientos que
tiene este autor es haber entrevistado y conocido a payadores y cantores
populares.
Las obras más importantes y relevantes de este escritor y docente son las
siguientes
 1962 Canto a lo Divino y a lo Humano en Acuelo. Santiago ediciones
Universitarias
 1972 Fiesta de la Tirana de Tarapacá. Valparaíso ediciones Universitarias
 1974 Flor de Canto a lo Humano.
58
20- Conclusión del Capítulo
Estos capítulos escritos han tenido la función principal de contextualizar mi trabajo
de investigación por esta razón fue dispuesto de una forma breve y concisa.
Toda esta información escrita en esta sección ha sido de gran relevancia para mi
proceso de aprendizaje ya que ha sido la llave que abrió el cerrojo hacia nuevos
terrenos del conocimiento que eran hasta hora desconocidos para mí. Gracias a
toda esta información recaudada he encontrado nuevos caminos para explorar y
profundizar en la investigación sobre la música y todos los vértices del
conocimiento que se vinculan con esta disciplina.
Creo profundamente que no es una etapa que se cierra sino más bien un nuevo
sendero que comienza. Todo este aprendizaje se transforma en un nuevo reto
para profundizar y conocer.
59
CAPÍTULO 3: ANÁLISIS SOBRE LA
DISCOGRAFÍA
60
1- Introducción a la Discografía
Esta lista de discos que decidí elegir para mi investigación está determinada por la
importancia que han tenido en mi proceso de búsqueda hacia el estilo y como
influyeron en mi primera y segunda composición musical que se muestra en este
trabajo de exploración musical y personal.
Creo que este catálogo de obras musicales solo es el principio de una gran lista
de cintas discográficas que existen en la historia de la industria fonográfica que
determinan el comienzo de un largo camino. Esta recopilación de grandes obras
musicales y artísticas tienen por objetivo determinar como una cinta logro llevarme
hacia otra pieza y así sucesivamente transformándose en una cadena que creció y
que marco mi historia como estudiante de producción musical.
En los análisis expuesto en esta sección se describirá la forma metodología de
trabajo que ha sido aplicada a cada uno de los discos seleccionados, también se
explicara como utilice ciertos elementos; musicales, estéticos, sonoros, personales
y liricos para inspirarme en mis composiciones.
Cada placa fonográfica tiene un examen y descripción distinta porque en
ocasiones algunas observaciones poseen un estudio orientado hacia indagaciones
estéticas, musicales, sonoras e históricas y otros estudios discográficos se
orientan a experiencias relacionadas con la creación y composición de productos
musicales. También dedico parte del análisis a reseñar situaciones personales
vividas con estas grandes obras artísticas de la industria musical.
61
a) TRACY CHAPMAN – TRACY CHAPMAN (1988)
Sello discográfico: Electra/Asylum Records
Productor musical: David Kershenbaum
Nacionalidad
: EE.UU.
Duración
: 35:51
Lista de canciones
1) Talkin´ Bout A Revolution
(2:38)
2) Fast Car
(4:58)
3) Across The Lines
(3:22)
4) Behind The Wall
(1:46)
5) Baby Can I Hold YOU
(3:16)
6) Mountains O´ Things
(4:37)
7) She’s Got Her Ticket
(3:54)
8) Why?
(2:01)
9) For My Lover
(3:15)
10) If Not Now
(2:55)
11) For You Now
(3:09)
Tracy Chapman nació en el 30 de marzo de 1964 en Cleveland, Ohio, Estados
Unidos. Antes de grabar este proyecto musical, que es su primer álbum. Tracy era
estudiante de la Universidad de Medford Massachusetts.
62
La joven universitaria Tocaba en algunos café y bares que rodeaban la
universidad. Ella se auto declara una activista política de izquierda, sus
inclinaciones políticas la llevan a escribir canciones con una marcada visión
ideológica donde enfatiza temáticas como: la desigualdad social, los problemas de
género y los conflictos raciales. Algunas inspiraciones artísticas de Tracy
Chapman provienen de artistas como Odetta, Richie Havens y Neyl Young.
Después de estudiar en Cleveland, la joven cantautora consigue un contrato con el
sello discográfico Electra Records y tiene que viajar a california para grabar esta
cinta que lleva su nombre. El estilo musical de esta placa se puede definir como
neo folk o pop folk. Tiene influencias en el folk de los años 60 y del Country Music,
sobretodo de la balada Country que es muy popular en algunas regiones de
Estados Unidos.
El trabajo discográfico en algunos momentos deriva hacia el Reggae Music. Esto
se puede apreciar en las canciones Mountains o´Things y She Got Her Ticket.
Tracy es gran admiradora de Bob Marley, ella considera a este artista como uno
de sus grandes influencias musicales.
IMPRESIONES PERSONALES
Cuando llego a mí este trabajo musical fue revelador porque antes de que Tracy
chapman y la música folk afectara mi mundo conocido de estilos musicales, mi
inquietud estaba dirigida hacia bandas y artistas que pertenecían al movimiento
Rock Pop de mitad de la década de los ochenta y que tuvieron un desarrollo
63
popular a nivel de audiencia en la década de los noventa y principios de los años
2000. Entre estos conjuntos musicales destacaban proyectos como: U2, Travis y
Coldplay.
Una de las principales características que llamaron mi atención del álbum
homónimo de la cantautora era que a pesar de ser una placa grabada en 1988 las
cualidades sonoras eran muy cercanas a los productos musicales que tenían una
gran radiodifusión en el año 2008. Este fue el año donde la compositora y su obra
fueron importantes para mi vida y para mis elecciones y decisiones musicales.
Después de ser afectado por la frescura y sencillez de este trabajo artístico,
comencé a sentir una profunda admiración por la importancia que la cantante y el
productor musical decidieron otorgar a la presencia sonora de las guitarras
acústicas que se escuchaba en cada una de las canciones. Los arreglos
musicales propuestos por Tracy y su equipo son construidos y dispuestos para
Que la guitarra acústica y la voz de Tracy siempre estén en un plano importante
como se puede observar en la canción Fast Car.
Luego de un análisis exhaustivo de este y otras piezas fonográficas que serán
expuestos y analizadas en esta investigación
Logre observar
características
estéticas como presencia y planos de mezcla donde hay una preponderancia
especial por instrumentos como la guitarra acústica y las percusiones. Estas
decisiones de producción eran muy características del estilo Folk y sobretodo de
las versiones más contemporáneas de este estilo como es el Folk pop y el Neo
Folk.
Antes de esta experiencia personal con la música de la cantautora solo había
escuchado algunas canciones pero nunca había decidido oír esta placa de forma
ordenada y completa. Luego de percibir y aprender a escuchar una obra musical
64
de la forma que merece ser apreciada comencé a darme cuenta de factores
importantes para una obra como: la continuidad, la coherencia y el tiempo de
duración. Gracias a estas características puede cambiar mi forma de distinguir y
entender un producto musical como lo es en este caso el álbum homónimo de
Tracy Chapman.
Luego de esta instancia inspiradora y profunda, me sentí realmente atraído por la
sencillez, calidez y nostalgia de este producto artístico. Por estas razones y otras
como por ejemplo la importancia del texto, arreglos musicales y el tiempo de
duración de cada canción. Estas características me impulsaron a interiorizarme
cada vez de forma más profunda en este estilo musical ya que me mostraba otras
Visiones musicales que eran desconocidas para mí y mi universo de producciones
musicales escuchadas como por ejemplo la placa Achtung Baby de U2 y Song
FromThe Big Chair de la banda Tears For Fears. Grupos que pertenecían a la
corriente Rock pop antes mencionada.
Tal vez antes de este disco nunca me había preocupado tanto por las letras de las
canciones y del mensaje que el autor quería entregar. Tracy Chapman en este
trabajo musical es capaz de abordar temas como el apego, la libertad de género y
las desigualdades sociales. La compositora es capaz de resumir en una canción
de tres minutos su historia y las historias que logra observar en su ciudad y en su
entorno social. Estas historias son expuestas en canciones Como; For You y
She´s Got Her Ticket.
Tratando de recordar los productos discográficos que había escuchado, no logro
recordar que ninguna balada hablara sobre pobreza, abandono de hogar, rupturas
familiares por el alcohol, conflictos socio culturales de la manera que los presenta
la canción Fast Car. Cuando dedique el tiempo necesario a esta obra, la
65
cantautora fue capaz de conectarse con lugares sensibles y susceptibles de mí a
través de esta canción que lograba transportarme hacia sitios profundo de mis
recuerdos ya que cada estrofa podía relatar la historia de mi familia y del lugar
donde nací.
b) RAY LAMONTAGNE- TROUBLE (2004)
Sello Discográfico: RCA/BGM
Productor Musical: Ethan Jones
Nacionalidad
: EE.UU
Duración
: 44:45
Lista De Canciones
1) Trouble
(4:01)
2) Shelter
(4:36)
3) Hold You in My Armas
(5:06)
4) Narrow Escape
(4:39)
5) Burn
(2:54)
6) Forever My Friend
(5:44)
7) Hannah
(5:43)
8) How Come
(4:32)
9) Jolene
(4:10)
10) All The Wild Horses
(3:16)
66
Ray Lamontagne nació en 1973, Nashua, New Hampshire Estados Unidos. El
cantautor relata que se encontraba trabajando en una empresa de zapatos cuando
escucha la canción Tree Top Flyer de Sthepen Still y se sintió profundamente
conmovido. Luego de este episodio mágico decide dedicarse completamente a la
música. El joven artista tiene un demo en el año 1999 Pero tendrá que esperar
para que un sello discográfico edite su primer trabajo.
Cuando se encontraba trabajando como profesor particular, el productor Ethan
Jones decide grabar su primer proyecto musical que se titularía Trouble. La placa
fue grabada en los Ángeles.
Trouble se edita en el estudio ¨Sunset Estudios Recording¨ ubicado en los Ángeles
California, Estados Unidos. Inspirado en el álbum Manassas de Sthepen Still.
Nace la primera obra del autor, donde intenta plasmar musicalmente sus
principales inspiraciones artísticas que lo han iluminado desde su adolescencia, en
esta lista se encuentran estrellas como: Van Morrison, Nick Dracke, The Band y
Tim Buckley.
El cantante concibe este producto discográfico que se califica
estilísticamente como Neo folk.
Una de las principales características de este trabajo es la particularidad que tiene
el timbre de voz de Ray. La Página Web Allmusic destaca la voz del cantante y lo
considera un Heredero sutil de Van Morrison.
Trouble es un trabajo discográfico que emerge en un circuito de productos
musicales que se inspiran sonora y estéticamente en el Folk de la década de los
sesenta y setenta, este circuito de nuevos músicos inspirados en este gran estilo
musical se le denomina Neo Folk.
Esta nueva corriente de artistas que pertenecen a este círculo Neo Folk, busca
referentes en la música de la generación de sus padres y de su infancia. En el
67
Folk y Folk Rock de los años sesenta y setenta porque para estos jóvenes este
estilo musical de esta época los provee de frescura, honestidad y calidez. Algunos
artistas de esta renovación del genero Folk no sienten una identidad profunda con
las nuevas tendencias musicales de su generación ya que consideran que la
nueva industria y tecnología musical han marchitado el espíritu de las nuevas
inclinaciones musicales. Creadores jóvenes como Ray lamontagne y Lisa
Hannigan son parte de grupo de músicos que han preferido buscar inspiración en
el pasado.
IMPRESIONES PERSONALES
Encontrar a Ray lamontagne fue como encontrar agua en el desierto porque pase
mucho tiempo buscando un producto musical como este pero dentro de mi mundo
Musical conocido no encontraba una placa con las características que tiene la
música de este compositor.
Encontré el álbum Trouble por accidente en internet. Al instante que me dispuse a
oír la música de este cantautor sentí una conexión especial con la expresividad
del cantante y su timbre de voz.
En aspectos generales esta obra tiene muchas similitudes con el trabajo musical
de Tracy Chapman, aunque Ray indaga de manera más profunda que Tracy en
estilos como el blues. Los factores comunes que tienen ambas placas son las
determinaciones estéticas que se trasmiten al momento de mezclar el proyecto
completo. Características comunes de mezcla son la presencia e importancia que
tiene la voz y las guitarras acústicas a nivel de planos, también en estas dos
68
Placas hay un huso sutil de tratamientos tales como: la compresión sonora, la
ecualización analógica y la inserción de efectos digitales.
Cuando me encontré con el trabajo musical de este autor, cursaba la mitad de mi
carrera de producción musical por lo cual tenía conocimiento de ciertos procesos
básicos de producciones musicales. En aquel momento podía entender ciertos
mecanismos de trabajo para producir un proyecto musical pero esta placa en
particular me ayudo a percibir otros recursos estéticos y musicales que yo
desconocía porque en aquel instante el estilo musical del cual me había nutrido
era el Rock Pop estilo ya antes mencionado en esta investigación. Esta nueva
apertura estética musical que me entrego esta obra me mostro otras posibilidades
y recursos utilizables para producir un álbum.
Principales características que observe en el trabajo de producción de Trouble era
la omisión o el uso moderado de procesos de mezcla como; compresión,
ecualización e inserciones de efectos. Especialmente el equipo de trabajo que
realizo las operaciones técnicas se preocupó minuciosamente del uso de la
reverberación, trabajando este recurso prolijamente y cuidadosamente para no
exacerbar el color que entregan los recursos tecnológicos al resultado final del
producto.
La preocupación principal era que la audiencia pudiera oír los instrumento de la
forma más natural posible. Los técnicos intentaron trasmitir en el resultado final del
producto la atmosfera sonora que capturaron los micrófonos. El equipo se esmeró
por ocupar las tecnologías que existe en los estudios de grabación de una forma
sutil para que no opacara la esencia que existe cuando los músicos ejecutan los
instrumentos antes de grabar.
69
Otro aspecto importante del aprendizaje que me entrego este álbum fue que pude
descubrir otros músicos importantes de la escena Folk como:Van Morrison, Tim
Buckley, Sthepen Still y Nick Dracke. Esta lista de grandes artistas estaba
detallada en las referencias que el autor nombraba como grandes inspiraciones
musicales.
Esta obra me sirvió como un puente para llegar a otros artistas influyentes en el
estilo folk. De alguna forma esta placa fue primordial para construir un camino de
investigación hacia lo más profundo del circuito Folk y sus grandes exponentes.
Ray Lamontagne y su cinta Trouble introdujeron en mi la semilla de la inquietud ya
que gracias a este gran trabajo discográfico pude acceder a otros grandes
proyectos musicales de la historia del Folk.
c) DAMIEN RICE – O (2002)
Sello Discográfico: Vector Recording
Productor Musical: Damien Rice
Nacionalidad
: Irlanda
Duración
: 61:21
Lista de Canciones
1) Delicate
(5:21)
2) Volcano
(4:38)
3) TheBlowersDaughter
(4:44)
70
4) Cannonball
(5:10)
5) OlderChest
(4:46)
6) Amie
(4:36)
7) CheersDarlin
(5:50)
8) ColdWater
(4:59)
9) I Remember
(5:31)
10) Eskimo
(16:07)
Damien Rice nació en 1973 en Celbridge Irlanda. El autor antes de grabar esta
placa que es su primer trabajo como solista tenía una banda de Indie Rock
llamada Juniper con la cual había conseguido un contrato para grabar un álbum de
larga duración con el sello discográfico Polygram.
Damien Rice decide abandonar la banda en el momento que se disponían a
grabar el primer disco porque según sus propias palabras el sello los estaba
obligando a tomar una dirección comercial en la que él no se sentía cómodo. El
cantante no quería transar el estilo alternativo del conjunto por complacer las
opiniones del sello discografico.
Luego de la ruptura con sus compañeros Damien decide viajar a Italia e instalarse
un par de meses para luego desplazarse por Europa para conocer y componer.
Tras el transcurso por el antiguo continente el joven músico escribe varias
canciones con las que decidiría comenzar su propia aventura como solista.
Después de un arduo y largo viaje vuelve a Irlanda y se instala en Dublin,
Consigue un grupo musical para tocar en algunos bares de la ciudad.
El cantante graba un demo y logra que un productor de Cine lo escuche y decida
apoyarlo. Damien resuelve estar a cargo de la producción del proyecto ya que no
quería repetir el episodio vivido anteriormente con el sello Polygram por lo cual
71
decide firmar con un sello pequeño y asegurarse que él tendría el control estético
y artístico del producto.
El ejemplar discográfico está considerado una de las mejores obras musicales
Folk/Pop del año 2003 según la página web Allmusic “El álbum debut de Damien
Rice, O, es nada menos que una obra de un genio, un cruce perfecto entre Ryan
Adams y David Gray y el gran candidato para uno de los mejores discos del 2003”
(Wilson, 2014) La balada The Blowers Daughter fue la canción principal de la
película Closer. Este single logro oírse en muchas radioemisoras del mundo por lo
que logro una gran popularidad y fue versionada por varios artistas en idiomas
como el portugués y el español.
IMPRESIONES PERSONALES
Esta pieza fonográfica fue una de las primeras obras que considere parte del
circuito Folk. Las razones que me llevaron a estimar que este álbum pertenecía al
universo musical del Folk, se basaba principalmente en que por aquel entonces
creía que si los arreglos musicales se construían principalmente sobre
instrumentos como Guitarras acústicas, violines, cellos y percusiones, entonces se
podía atribuir como una obra perteneciente al estilo Folk, pero a medida que mi
Investigación avanzaba y que descubría otras cintas importantes y claves para el
desarrollo de este estilo como por ejemplo la placa “Googbye and Hello” del autor
Tim Buckley logre comprender que la instrumentación de un trabajo discográfico
no determina necesariamente el estilo musical al que pertenece.
72
Si debiera clasificar este producto fonográfico lo relacionaría como una pieza
cercana al estilo pop que se desarrolla desde el año 2000 hacia delante con
exponentes como; John Mayer, James Blunt y Matt Walters. Este trabajo musical
tiene canciones como “Volcano” con una estética similar a la canción de John
Mayer titulada 83 del álbum Room For Squares. Editado el año 2001 por el sello
discográfico Columbia Records.
El autor en la canción número nueve del disco titulada “I Remember” logra
destacar ciertos arreglos melódicos y armónicos que provienen de la tradición
Folclorica de su país natal Irlanda.
Es un producto fonográfico con una sonoridad melancólica, que se construye con
canciones introspectivas y personales del autor. Esta pieza Logra destacarse
como un ejemplar discográfico trascendente porque es parte de un momento de
mi vida. También destaco este primer trabajo del cantante porque es un puente
musical hacia otras obras importantes y sustanciales de la historia del Folk.
d) SON VOLT- TRACE (1995)
Sello Discográfico: Warner Bros
Productor Musical: Brian Paulson
Nacionalidad
: EE.UU
Duración
: 42:07
73
Lista de Canciones
1) Windfall
(2:58)
2) Live free
(3:13)
3) TearStainedEyes
(4:21)
4) Route
(3:57)
5) Ten Second News
(3:57)
6) Drown
(3:20)
7) LooseString
(3:48)
8) Out of The Picture
(3:50)
9) CatchingOn
(4:02)
10) TooEarly
(4:29)
11) Mystiefies Me
(4:12)
Esta banda nació en St. Louis, Missouri, Estados unidos. Son Volt es el resultado
de un conjunto que resuelve disolverse llamado Uncle Tupelo. El primer grupo ve
nacer al principal cantante y compositor de Son Volt llamado Jay Farrar. A
principios del año 1995 la agrupación firma un contrato para editar su primer
trabajo con el sello discográfico Warner Music. Con esta corporación graban sus
primeras tres producciones.
Son Volt según la página web allmusic considera a Son Volt como una banda rock
con ingredientes tradicionales “A lo largo de debut de Son Volt y en el álbum
Trace, el grupo vuelve a trabajar el honky tonk clásico con Rock and Roll” (Huey,
2014)El conjunto
surge a raíz de un movimiento de jóvenes músicos que se
inspiran en el circuito musical y cultural que nace en la década del noventa en el
noroeste de Estados Unidos clasificado
como post Grunge. La agrupación es
influida en sus creaciones por el sonido de esta tendencia Pero a la vez tienen
una búsqueda con sus raíces musicales que proceden del Country Music y el folk.
74
IMPRESIONES PERSONALES
El Country music, es un estilo que llamo mi atención profundamente en el principio
de mi búsqueda por ser un género que se relaciona muy bien con las corrientes
musicales del Pop Rock que han sido mencionadas en esta investigación. Entre
estos dos géneros hay ciertas similitudes como la forma musical, la armonía y la
instrumentación.
Gran variedad de artistas del circuito Pop de la década del noventa hasta la
actualidad provienen del Country music. En este círculo de músicos destacan
artistas como: Amy Macdonal, KT Tunstall, Sheryl Crow, Jewell y Shania Twain.
Gracias a estos exponentes que han tenido una gran radio difusión en mercados
como el latino americano logre llegar a músicos Country que no tienen las mismas
posibilidades de difusión fuera de su país. A pesar de no cruzar las fronteras de la
radiodifusión en Estados Unidos son muy populares especialmente en algunos
Estados como: Tennessee, Virginia y Alabama. En este movimiento destacan
músicos como: Brad Paisley, Alan Jackson, Toby Keith, Blake Shelton, Dolly
Parton, Hank Williams y Willie Nelson.
Son volt es un grupo significativo para mi investigación porque es un vínculo entre
la música country y el movimiento Grunge que es muy popular entre mis
contemporáneos que crecieron con conjuntos de rock como: Nirvana, PearJam y
Sound Garden.
Esta placa discográfica está construida sobre elementos tradicionales de la música
americana
que fueron importantes para mí porque antes que otras piezas
75
fonográficas tradicionales de la música Estadounidense llegaran a mi investigación
descubrí este álbum que tiene un carácter muy semejante a la música Country.
En este trabajo aparecen arreglos musicales creados desde instrumentos como el
banjo, el violín y el acordeón. Estos instrumentos son fundamentales para el
carácter la música Country moderna y que son de tradición europea. En su gran
mayoría estos instrumentos
viajaron con los colonos europeos que poblaron
Estados Unidos.
La personalidad sonora de este proyecto varía entre el rock alternativo americano
y el Country Music tradicional. Es una placa que refleja un trabajo de grabación
que busca intervenir lo menos posible el sonido entregado por los instrumentos y
capturado por los micrófonos.
La temática lirica del álbum es un tema recurrente en el movimiento musical y
cultural alternativo americano de los años 90. Los autores Abordan asuntos como:
el descontento social, la angustia, la soledad y la pereza. La canción que refleja de
manera concisa estas descripciones es la balada número siete y se titula ¨Loose
Strings¨.
76
e) SCOTT MATTHEWS – WHAT THE NIGHT DELIVERS (2011)
Sello Discográfico: San Remo
Productor Musical: Jon Cotton
Nacionalidad
Duración
: Inglaterra
: 51:00
Lista de Canciones
1) Myself Again
(5:15)
2) Obsession Never Sleeps
(4:42)
3) Ballerina Lake
(4:36)
4) Bad Apple
(4:59)
5) So Long My Moonlight
(4:29)
6) Head First Into Paradise
(5:23)
7) Walking Home In The Rain
(5:38)
8) Echoes Of The Lonely
(4:06)
9) The Man Who had Everything
(5.45)
10) Piano Song
(6:03)
Scott Matthews nació en 1976 en Wolver hampton Inglaterra. Es un músico de la
nueva escena Folk independiente inglesa. Ha grabado tres discos y este es el
número tres de su carrera. Sus trabajos han tenido una buena aceptación de la
crítica especializada.
77
Las influencias musicales de este cantautor se encuentran en el folk ingles de los
años sesenta y setentas donde se distingues compositores como: Nick Drake, Bob
Dylan y Joni Mitchelle. El cantante también reconoce estar influenciado por el
Rock Pop psicodélico de los años sesenta con grupos y artistas como: The
Beatles, Pink Floyd y Syd Barret. Otra beta de inspiración es el circuito Hard Rock
de los años setentas como Led Zeppellin y Black Sabbath. Sin embargo el músico
que ha iluminado su vida fue el Norteamericano Jeff Buckley que perteneció a la
escena alternativa de New York en la década de los noventas y que muere el 29
de mayo de 1997 en un terrible accidente. Este gran interprete nos dejó un legado
de bellas canciones como Grace y so real. El álbum Grace se publicó en 1994 por
el sello discográfico Columbia Records y está calificado como uno de los trabajos
discográficos más importantes de la década de los noventa.
En el año 2008 firmo contrato con la multinacional Island Record donde edita su
primera placa titulada ¨Passing Stranger¨ Con este trabajo recibió muy buenas
críticas y tuvo una gran radiodifusión en emisoras alternativas de la escena
Inglesa. La canción Slusive gano un premio Ivor Novello. La gran banda
norteamericana Foo Fighters lo invito a compartir escenario en algunas de sus
giras.
IMPRESIONES PERSONALES
Scott Matthews es una figura poco reconocida en la nueva escena folk Europea
por lo tanto este es un producto fonográfico con una difusión moderada, es una
pieza difícil de encontrar.
78
Descubrí al cantante después de oír un homenaje a Nick Drake En un concierto
que fue emitido por la BBC de Londres. Scott interpreto la canción ¨Day is Done¨
al momento de oír esta canción aprecie de inmediato su delicada interpretación y
su timbre de voz particular.
What The Night Delivers fue el trabajo del compositor que más llamó mi atención a
pesar de que fue una placa que no me cautivo inmediatamente
porque sus
melodías no eran directamente atractivas para mí. Después de prestar atención
detenidamente a las composiciones del autor logre percibir que las canciones
tenían un carácter melancólico y taciturno que conectaron de manera especial
conmigo.
Por esta razón decidí dedicarle tiempo a esta obra y logre asimilar que era un
producto musical importante que merecía el trabajo personal de dedicarle el
tiempo necesario para recibir lo que el compositor expresaba a través de sus
melodías y poesías.
No puedo responder exactamente porque este producto musical al igual que otros
tiene la cualidad de cautivar y conectar mediante procesos extraños y espirituales
al músico con su audiencia. No he podido encontrar explicaciones lógicas que
logren determinar cuál es el efecto psicológico y emocional que consigue crear un
vínculo entre el compositor y el oyente. No puedo recordar el momento en que
este álbum pasó de ser un disco sin importancia a convertirse en una placa
trascendente para mi vida. No pude abandonar esta pieza discográfica por
aproximadamente un año.
Esta placa es considerada un producto que pertenece al estilo: Folk, Neo folk,
Alternative Folk Por tener un carácter sonoro preferencialmente acústico. Esta
definición de los críticos me llevo a preguntarme si un producto musical que era de
79
carácter acústico era necesariamente un trabajo que puede ser catalogado como
una obra fonográfica perteneciente al género Folk.
f) NICK DRAKE – FIVE LEAVES LEFT (1969)
Sello Discográfico: Island Record
Productor Musical: Joe Boyd
Nacionalidad
: Inglaterra
Duración
: 41:43
Lista de Canciones:
1) Time has told me
(4:27)
2) River Man
(4:21)
3) Three Hours
(6:16)
4) Way to Blue
(3:11)
5) Day is Done
(4:49)
6) Cello Song
(2:19)
7) The thoughts of Mary Jane
(3:22)
8) Man in a Shed
(3:55)
9) Fruit Tree
(4:50)
10) Saturday Sun
(4:03)
80
Nicholas Rodney Drake más conocido como Nick Drake nació el 19 de junio de
1948 en Birmania pero sus padres se mudaron prontamente a Inglaterra. La
familia de Nick se había trasladado a Birmania por asuntos laborales del padre de
Nick.
El pequeño creció en un pueblo de Inglaterra llamado Tanworth in Arden cerca de
Birminham. Fue a la escuela pública de Malborough y luego a la universidad de
Cambridge donde estudio Literatura Inglesa.
Nick Drake de pequeño mostro actitudes musicales tocaba la guitara y el piano en
la escuela aprendió a tocar clarinete. La madre del adolescente tocaba piano y
escribía canciones. El primer periodo del muchacho está muy influenciado por la
música y letras de su madre.
Cuando Nick ingresa a la universidad se muda a vivir con su hermana mayor. En
la universidad retoma el estudio de la guitarra con gran seriedad. En este periodo
comienza a escuchar Jazz, Blues y Folk.
El joven en su primer periodo de universidad dedica mucho tiempo al deporte pero
pronto pierde interés por estas actividades. Después de dejar el deporte muestra
una actitud taciturna y prefiere quedarse en su habitación escuchando música y
estudiando guitarra. La profunda dedicación hacia la música llevo al veinteañero a
alejarse del resto de sus compañeros. El joven universitario prefiere conocer
personas relacionadas con la música que alumnos de literatura. En Septiembre de
1967 conoce a Robert Kirby un estudiante de música que después se encargaría
de ser el responsable de los arreglos de orquesta de los primeros trabajos
musicales del novicio cantante.
En este periodo Nick conoce la escena Folk inglesa y estadounidense. El novato
compositor es influenciado por músicos como: Bob Dylan, Josh Withe y Phill Ochs.
81
Paralelamente a su descubrimiento musical el joven estudiante de literatura se
presenta en algunos clubes londinenses.
En 1968 conoce a Ashley Hutchings bajista de la banda inglesa Fairport
Convention quien queda sorprendido por la forma en que Nick toca la guitarra y
por su imagen de joven introspectivo que proyecta desde el escenario. Después
de este descubrimiento Nick fue presentado con el productor estadounidense Joe
Boyd Quien era dueño de la compañía Witchseason Production la cual tenía un
contrato con Island Record y que había logrado ubicar en la escena folk inglesa a
bandas y cantautores como: John Martyn y The Incredible String band. Por lo
cual lo convertían en un productor con experiencia e importancia en la escena folk
de la década de los sesenta.
Joe Boyd decide encargarse de la prominente carrera del compositor y en el año
1968 comienza la grabación de Five Leaves Left.
La locación elegida para grabar la placa fue el estudio Sound Techniques de
Londres. El proyecto musical fue inspirado en el primer álbum de Leonard Cohen.
El productor quería que la voz de Nick sonara lo más natural posible por lo que
decide ocupar una reverberación pequeña y no muy brillante. La forma de
utilización de esta técnica de grabación funciona mediante la incorporación de un
efecto externo a la pista de la voz que es capturada por el micrófono escogido por
el técnico. Este efecto incorporado tiene como propósito la ampliación de la sala
escogida para la grabación de la voz, el carácter que entrega al instrumento
elegido en este caso la voz de Nick es una mayor amplitud en el espacio además
entrega un nuevo color sonoro al resultado final de la grabación.
En este proceso de definir la pauta de grabación del álbum contemplan incorporar
arreglos de orquesta en algunas canciones del compositor por lo cual el productor
82
decide contratar a Richard Hewson para que fuera el encargado de los arreglos
orquestales pero a Nick no le agrado los primeros bocetos presentados por
Richard Hewson y decide llamar a su compañero de universidad Robert Kirby,
esta decisión provoco un conflicto entre Nick y el productor ya que Joe Boyd
consideraba que Robert Kirby no tenía la experiencia necesaria para este trabajo.
El artista fue severo en su decisión y mantuvo su postura hasta que convenció a
Joe de escuchar los arreglos que Robert Kirby propuso para algunas canciones.
La musicalidad y sutileza de los arreglos de cuerdas convencieron al encargado
de la producción y Robert Kirby es contratado para componer los arreglos del
álbum. Superado el problema de las cuerdas, el productor suma al equipo de
trabajo al ingeniero John Wood.
También llama a Richard Thompson de Fairport Convention, Danny Thompson
contrabajista de la gran banda de folk ingles Pentangle.
En el documental A SkinToo Few: TheDays of Nick Drake, relatan los integrantes
del equipo de trabajo, que las grabaciones de las canciones se construían desde
las capturas sonoras de la guitarra de Nick y Los arreglos de cuerda se crearon en
función de la melodía vocal y los arpegios de Nick en la guitarra.
El compositor Robert Kirby realizo los arreglos de cuerda con una técnica que él
llama melodía contra opuesta. La melodía de los instrumentos de cuerdas nace
después que la melodía de la voz termina como una especie de contrapunto.
Robert Kirby argumenta en el documental que prefirió trabajar con melodías de
larga de duración que con bloques de acordes. La razón era no opacar la voz y la
guitarra de Nick.
Después de la grabación de la cinta se organiza una gira en universidades y
clubes privados para que el cantante pueda promocionar el álbum pero este viaje
83
es un fracaso comercialmente debido a que el intérprete renuncia prontamente a
la gira por que considera que el público no lo escucha.
El factor más importante es que Nick tardaba demasiado tiempo en afinar su
guitarra debido a que cada canción tenía una afinación distinta, tampoco tenía el
carácter para imponerse en el escenario y llamar la atención de la gente por estas
razones y porque sentía que las personas no se interesaban en su música desistió
de la gira. Nick no volvió a girar nunca más en su vida.
El tenor grabo posteriormente dos álbumes de larga duración: Bryter Layter y Pink
Moon. Las tres producciones musicales del artista no lograron alcanzar grandes
Ventas pero si han sido consideradas piezas musicales valiosas dentro de la
escena musical Folk más alternativa.
Nick Drake muere al poco tiempo después de haber editado la placa discográfica
Pink Moon. Fallece el otoño de 1974 tras una sobredosis de anti depresivos
recetados para curar y controlar una profunda depresión endógena que lo llevaría
a la muerte.
IMPRESIONES PERSONALES
Esta cinta fue de la discografía de Nick el álbum con el cual fue más difícil
conectar emotivamente ya que de los tres trabajos discográficos del autor estimo
que este es el más sombrío y complicado. En el segundo proyecto del compositor
intenta tener una mejor recepción comercial por lo cual el artículo fonográfico tiene
un carácter más amigable y suave. El tercero tiene una estética sonora plana
84
debido a que en la mayoría de las canciones Nick solo se acompaña de su
guitarra.
Esta pieza se construye desde canciones melancólicas como Day is Done, que
habla del sentido de la existencia y de los actos que cada ser humano realiza en
su diario vivir y critica el real sentido de la vida. El compositor en esta canción se
cuestiona si las decisiones que toma y que ha tomado son realmente importantes.
Saturday Sun es una canción hermosa y nostálgica donde Nick trabaja con
lagunas progresiones armónicas que usualmente son utilizadas en estilos como
el: Jazz y el Blues.
Esta obra musical es una fotografía de los sentimientos, vivencias e historia de
Nick, que a la vez sentí que se conectaban de alguna manera conmigo y mis
experiencias. Un álbum puede ser un dialogo entre el autor y el receptor. En esta
cinta en particular sentí que el autor escuchaba la historia de mi vida y la
transformaba en canciones. Por estas razones creo que
este producto
discográfico y artístico es tan especial. Considero que esta obra abre un vínculo
hacia las personas que conectan con la visión del artista y las cosas cotidianas
que se plasman en las canciones de este autor.
85
g) JAMES TAYLOR – SWEET BABY JAMES (1970)
Sello Discográfico: WarnerBros
Productor Musical: Peter Asher
Nacionalidad
: Estados Unidos
Duración
: 31:51
Lista de Canciones
1) Sweet Baby James
( 2:54)
2) Lo and Behold
(2:37)
3) Sunny Skies
(2:21)
4) Steamroller
(2:57)
5) Country Road
(3:22)
6) Oh! Susanna
(1:58)
11) Fire and Rain
(3:23)
12) Blossom
(2:14)
13) Anywhere Like Heaven
(3:23)
14) Oh Baby, Don’t You Loose Your Lip on Me
(1:46)
15) Suite For 20 G
(4:41)
James Taylor nació en 1948 en Boston, Massachusetts, Estados Unidos, es hijo
de una familia de profesores y tiene tres hermanos. De pequeño estudio cello en
la primaria. Luego en la segundaria james deja la escuela y forma un conjunto
86
musical con uno de sus hermanos, tocando repertorio Folk, Country, Gospel y
blues.
James se muda a New York pero no se adapta a esta gran ciudad y sufre una
gran depresión que lo lleva a internarse en el hospital psiquiátrico Mclean en
Massachusetts. En este periodo James logra terminar la secundaria y se inspira
para componer sus primeras canciones. Tras recuperarse vuelve a new york en
1966 formando una nueva banda con la que consigue tocar en lugares como el
Greenwich y firma con el sello discográfico independiente Rainy Day Records
donde edita un single llamado Night Owl pero el trabajo no tiene éxito comercial.
En 1968 James tiene problema con su adicción a las drogas y viaja a Londres
para poder superar su problema con la Heroína. En esta instancia conoce a Peter
Asher ex miembro del grupo Peter & Gordon. EL joven cantante le presenta una
maqueta con algunas de sus canciones en ese momento Peter Asher trabajaba
para el sello discográfico Apple Records. James firma con el sello y se edita su
primer trabajo que tiene por título James Taylor en 1968 en Inglaterra y en 1969
en Estados unidos. La placa no tuvo buena recepción de la crítica especializada y
tuvo bajas ventas. El intérprete en el proceso de la grabación y lanzamiento de la
cinta lucho con su adicción a las drogas pero no consigue dejarlas, después de
este episodio decide volver a Nueva York en 1969
James tras el regreso a Estados Unidos se interna el hospital Austin Riggs
Massachusetts en julio de 1969. Después de pasar una temporada internado
decide hacer su debut en solitario en el club Trovador en los Ángeles California. El
joven artista termina su contrato con Apple Records y firma con Warner Bross
Records, se traslada a los Ángeles y mantiene como manager y productor musical
87
a Peter Asher. En 1970 graban esta producción musical titulada Sweet Baby
James.
Este es el segundo álbum como solista, el cometido se lanza en febrero de 1970 y
se transforma en un gran éxito comercial en el transcurso del año. La canción Fire
and Rain se convierte en el gran single de james y le abre la oportunidad para
poder hacer una gira promocional por todo el país.
IMPRESIONES PERSONALES
Una de las cualidades más destacables de la cinta para mi es su cualidad sonora,
fue una característica primordial para que esta placa me entusiasmara. En este
producto musical james cambia de sello discográfico y trabaja con una de las
corporaciones discográficas más importantes del mundo por lo cual significaba un
gran costo de producción y la posibilidad de la mejor tecnología de la época.
Es un disco Folk que está muy cerca de la estética sonora del Mainstream de los
años setenta. Lo importante es su pulcritud sonora y delicadeza al momento de la
mezcla. Es un disco estéticamente equilibrado donde el objetivo es alcanzar un
sonido al nivel de las grandes producciones musicales de la industria americana.
Esta publicación fonográfica es muy importante ya que marca un precedente
estético musical y sonoro para la corriente musical que se calificaría como song
write. James utiliza muy bien los elementos musicales del Country Music y los
fusiona con componentes armónicos muy empleados en estilos como el: jazz y el
blues.
88
En mi búsqueda por el estilo folk y sus familiares más cercanos como el country y
el blues me encuentro con esta obra que me impresiona inmediatamente. Cada
canción del álbum se registra de manera impecable. Los arreglos musicales son
sutiles y el trabajo de mezcla y de post producción son muy equilibrados. Todos
los instrumentos se pueden distinguir y apreciar con claridad.
El trabajo de niveles de mezcla se basa en el respeto espacial aplicado a cada
uno de los instrumentos musicales con el objetivo que cada uno se pueda
distinguir de los otros sin afectar el conjunto que componen esta obra musical. El
minucioso trabajo técnico de elección de efectos como la Reverberación utilizada
para instrumentos como la voz y las guitarras acústicas
están elegidos para
potenciar el instrumento pero sin estorbar y afectar el trabajo de mezcla de
manera negativa.
Reiteradas veces a través de esta investigación he mencionado la importancia que
ha tenido la guitarra acústica como instrumento musical para el desarrollo y
evolución de este estilo musical clasificado como Folk. También he mencionado lo
revelador que ha sido par mi crecimiento como músico la oportunidad de conocer
otros caracteres estéticos utilizados por guitarristas que gracias a este profundo
estudio he logrado descubrir.
James Taylor fue el músico que logro cubrir todas mis expectativas como
guitarrista, hasta el momento es el guitarrista que en esta investigación ha podido
influir de manera más profunda en mi forma de tocar y componer. Este músico
construye esta pieza discográfica a partir de las líneas melódicas de su guitarra y
todos los demás instrumentos están dispuesto en función de la guitarra como en el
caso de la canción “Fire and Rain” donde el elemento basal es el arpegio de la
89
guitarra y los acordes que el compositor dispone a través del transcurso de la
balada.
Haciendo una mirada más crítica hacia el álbum, considero que es una producción
que está estrictamente confeccionada hacia la industria musical pero que no la
reduce expresivamente pero la condiciona ya que como objetivo de producción se
basaba en tener un buen recibimiento comercial. Lo positivo es que el autor logra
plasmar elementos personales donde permite trasmitir una atmosfera nostálgica y
acogedora. También su voz logra plasmar estos sentimientos aunque se restringe
por la forma musical y por la duración de las canciones requeridas por la industria
musica
h) VAN MORRISON - ASTRAL WEEKS (1968)
Sello Discográfico: WarnerBros
Productor Musical: Lewis Merestein
Nacionalidad
: Reino Unido
Duración
: 46:50
Lista de Canciones:
1) Astral Weeks
(7:00)
2) Beside You
(5:10)
3) Sweet Thing
(4:10)
4) Cyprus Avenue
(6:50)
5) The Way Young Lovers Do (3:10)
90
6) Madame George
(9:25)
7) Ballerina
(7:00)
8) Slime Slow Slider
(3:20)
George Iván Morrison nació en Belfast, Irlanda del Norte el 31 de agosto de 1945.
Van Morrison es hijo único de una familia tradicional de Irlanda del Norte. El padre
del pequeño era coleccionista de música y en los viajes que había realizado hacia
Norteamérica había logrado acumular una gran cantidad de discos sobretodo
piezas relacionadas con el Jazz, el Blues y el Country. Gracias a la fascinación de
su padre el muchacho estuvo de muy temprana edad relacionado con la música.
Creció escuchando y admirando artistas como: Jelly Roll Morton, Ray Charles y
Solomon Burke.
Van Morrison abandona su hogar a los 17 años y sale de gira por Europa con un
grupo de amigos que forman un conjunto musical llamados¨ The Monarch¨ tras
pasar una temporada recorriendo algunos países de Europa el adolescente
regresa a Belfast y se separa de sus camaradas pero el prominente cantante
busca otros músicos para formar otra banda. El joven tenor se perfila como un
gran cantante de Blues y de Folk. Después de algunos inconvenientes logra reunir
a un conjunto de jóvenes artistas y conforman el conjunto llamado¨ The Them¨
con estos nuevos integrantes firma un contrato con el sello discográfico Bang
Record. En esta compañía editan el single Gloria, este single obtiene un gran
éxito comercial.
Luego que el joven intérprete tuviera un gran éxito radial tiene problema con su
representante y decide abandonar la cofradía de músicos. Después de este
Disgusto resuelve trasladarse a Estados Unidos y residir en New York.
Posteriormente a su llegada al país americano edita una placa discográfica en
91
solitario con el cual tiene buenos resultados pero tiene profundos problemas
legales con su compañía discográfica. Van Morrison se traslada a Boston y sufre
grandes problemas económicos pero logra presentarse en algunos bares de la
escena musical de Boston.
El compositor Firma contrato con Warner records en 1968 y graban la cinta ¨Astral
Weeks¨ el productor musical contrata para las secciones de grabación algunos
músicos de la escena jazz como el contrabajista Richard Davis convirtiéndose en
el director musical del álbum, también contrata al guitarrista: Jay Berliner, al
percusionista Warrent Smith y el baterista Connie Kay. Todos experimentados
exponentes de la escena jazz estadounidense. Algunos de estos intérpretes
habían tocado con el gran contrabajista Charles Mingus.
IMPRESIONES PERSONALES
Las grabaciones del proyecto musical se construyeron desde la guitarra y las
líneas melódicas de Van Morison, el cantautor solo mencionaba pequeñas
instrucciones a los avezados músicos. El concepto de composición de esta obra
estuvo basado sobre la idea de una Jam Sesión en las que el cantautor explicaba
la forma musical de la canción y los músicos construían sus partes musicales
sobre este esqueleto diseñado por el autor.
Este concepto de composición entrega una sensación de libertad musical ya que
las construcciones de cada pieza musical se elabora desde las sensaciones de los
ejecutantes y el compositor.
92
Cada melodía evoluciona como una progresión de intensidades, cada realización
armónica tiene un comienzo íntimo en que la voz de Van Morrison se adapta
perfectamente. Luego crece de manera progresiva y terminan en una gran catarsis
musical que culmina con un gran desarrollo expresivo de las cualidades vocales
del cantante.
Estimo que esta obra musical es de extraordinaria importancia para esta
investigación ya que determina conceptos de producción musical importantes.
Esta pieza fonográfica logra incluir corrientes musicales como: el Folk, el Jazz y el
Blues de manera orgánica y sutil. Los estilos musicales se transforman en una
sola unidad sonora. Cada expresión artística se manifiesta con pequeños arreglos
melódicos que combinan perfectamente con la unidad musical construida en pos
de la importancia y aporte vocal de Van Morrison.
En la canción
número tres de álbum que tiene por título ¨Sweet Thing¨ el
compositor nos entrega un momento de honestidad importante y profunda ya que
revela un gran sentimiento de soledad y nostalgia que solo desaparecerán si logra
encontrar a aquella persona que dejo en el pasado por intentar conquistar nuevas
posibilidades de vida que aún no ha podido conseguir. Para el autor el tiempo ha
pasado y en su alma él se siente como un hombre viejo pero con una necesidad
de amar y vivir profundamente. Es imposible para mi escuchar esta canción y no
conmoverme intensamente ya que la voz del cantante logra trasmitir con gran
fervor esa necesidad de compañía y cariño
Cuando obras discográficas como Astral Weeks nos regala canciones como
¨Sweet Thing¨ en las que el autor abre su alma y sus íntimos sentimientos con los
que conecta de forma profunda y trascendente con su audiencia puedo concluir
que estamos en frente de una obra de arte.
93
i) JONI MITCHELL – BLUE (1971)
Sello Discografico: Reprise
Productor Musical: Henry Lewy
Nacionalidad
: Canadá
Duración
: 35:41
Lista de Canciones:
1) All I Want
(3:32)
2) My Old Man
(3:33)
3) Little Green
(3:25)
4) Carey
(3:00)
5) Blue
(3:00)
6) California
(3:48)
7) This Flight Tonight
(2:50)
8) River
(4:00)
9) A Case of You
(4:20)
10) The Last Time I Saw Richard
(4:13)
Roberta Joan Anderson nació el 7 de noviembre de 1943 en Alberta Canadá.
Toma el nombre artístico de Joni Mitchell después de casarse con el músico
Chuck Mitchell. Joni Mitchell de pequeña que mostro actitudes artística ya sea en
la música como en la pintura, ella siempre ha diseñado las portadas de sus discos.
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En el año 1965 comenzó su carrera como cantautora en algunos bares de
Canadá. Después de casarse viajo con su esposo a la ciudad de Ditroit luego de
instalarse en Estados Unidos la joven se divorcia de su conyugue Chuck Mitchell,
tras la separación la novicia cantante decide trasladarse a New York. En 1968 se
presenta en una cantidad importantes de recintos dedicados al circuito Folk
emergente. Con estas actuaciones obtiene un contrato con el sello discográfico
Reprise.
El importante músico David Crosby integrante de la legendaria agrupación
Crosby,Stills, Nash and Young. Este gran compositor Descubrió a la veinteañera
artista en un bar de Nueva York. El músico confiesa que la primera vez que la
observo actuar sobre el escenario quedo sorprendido con su calidad vocal, sus
letras y su habilidad musical y artística.
David Crosby le sugirió que él era la persona indicada para producir su primer
álbum que tomaría por nombre Songto a Seagull editado en 1968. Luego de
finalizar por completo la cinta discográfica Joni Mitchell obtiene un gran respeto
en la escena musical de New York pero decide viajar e instalarse en California
donde graba sus siguientes trabajos entre ellos figuran: Clouds en 1969, Ladies of
The Canyon en 1970 y Blue en 1971, todos estos discos son editados por el sello
discográfico Reprise
IMPRESIONES PERSONALES
Joni Mitchell ha sido trascendental para muchos artistas posteriores en los que
destacan: Beth Orton, Patti Smith y Colbie Cailliat. La característica principal de la
95
cantante es su timbre vocal muy dulce pero con expresión. Otra particularidad es
su amplio registro vocal que permite alcanzar con gran exactitud notas muy
agudas. Estas propiedades la convierten en una de los referentes vocales
femeninos más importantes para la música Norteamérica relacionada con el Folk.
También se reconoce a la joven estrella como una gran compositora, sus letras
Han sido muy bien criticada por los circuito especialista en música como la página
web Allmusic y la revista musical The Rolling Stone. Con relación a la composición
Joni Mitchelle ha realizado un sin número de canciones en que no aplica el
sistema convencional de afinación para la guitarra. Este método de trabajo ha
inspirado a compositores como el propio David Crosby a indagar en nuevas
posibilidades de afinación.
La voz de la cantautora es muy dulce y cálida. Las líneas melódicas escritas son
muy bellas y emotivas. La composición e interpretación de algunas frases
musicales en momentos se tornan medianamente complejas, por ejemplo en la
canción¨ All I Want¨ las terminaciones de frases musicales y las líneas melódicas
ejecutan giros complicados de cantar donde la intérprete logra resolverlos de
manera muy concisa. El trabajo de producción es muy preciso y riguroso pero al
mismo tiempo da la libertad necesaria para que las canciones fluyan de manera
libre y natural.
Era muy necesario incluir esta gran obra en este análisis discográfico ya que es de
una relevancia importante en mi proceso de estudiante de música. Este ejemplar
fue descubierto en un proceso de exploración e indagación sobre la música Folk
elaborada en la década de los sesenta y permitió que otras grandes placas
fonográficas como el album
Goodbye and Hello
del mítico compositor Tim
Buckley se adjuntaran a mi lista de productos musicales creados en esta década
tan prolífica e irrepetible.
96
Joni Mitchell fue una de las primeras artistas relacionada con el folk que escuche
pero que no afectaron inmediatamente mi atención hasta que por motivos de mi
Investigación fue necesario escuchar este gran trabajo artístico del cual puede
disfrutar y encantarme con hermosas y profundas canciones. Esta pieza musical
que ha logrado trascender en la historia de la música se encontraba escondida en
algún sitio de mi memoria pero logro cobrar vida y transformarse en una de las
producciones de cantautores femeninos más importantes que he logrado apreciar.
j) SIMON&GARFUNKEL – BOOKENDS (1968)
Sello Discográfico: Columbia Records
Productor Musical: Roy Halle
Nacionalidad
: Estados Unidos
Duración
: 29:13
Lista de Canciones:
1) BookendsTheme
(0:32)
2) Save The Life of My Child (2:48)
3) America
(3:35)
4) Overs
(2:18)
5) Voice of The Old People
(2:07)
6) Old Friends
(4:05)
97
7) Bookends Theme
(2:32)
8) Fakin ´ It
(1:23)
9) Punky’s Dilemma
(3:19)
10) Mrs. Robinson
(2:17)
11) A hazy Shade of Winter
(2:17)
12) A the Zoo
(2:22)
Paul Frederic Simon y Arthur Ira Garfunkel crecieron en el barrio de Kew Gardens
Hills, Queens Nueva York. Eran amigos de pequeños y fueron compañeros de
clases en el Instituto de Forest Hills, New York. La primera vez que decidieron
formar un dúo fue a los dieciséis años ya que Paul Simon compuso una canción
llamada “Hey School girls” El primer nombre para el conjunto musical fue Tom Y
Jerry inspirados en los dibujos animados llamados de esta manera.
En 1955 comenzaron a componer canciones y las solían tocar en los bailes de la
escuela donde la canción “Hey School girls” logro tener gran aceptación entre los
compañeros de instituto del grupo. Este mismo año deciden grabar un demo y
editan esta canción bajo el nombre de Tom & Jerry. Sid Prosen un productor
Encargado de buscar nuevos talentos artísticos escucha su demo y les propone
promoverlos en algún sello discográfico. Al tiempo después firman con el sello Big
Records, el sencillo vende gran cantidad de copias y tiene una gran aceptación
popular.
Después de terminar sus estudios secundarios el grupo se separa ya que deciden
tomar rumbos distintos y cada uno ingresa a universidades distintas. Paul Simon
se matricula en la Universidad Queens College para graduarse en lengua inglesa y
Art Garfunkel
es aceptado en la Universidad de Columbia para estudiar
Matemáticas. En 1959 Paul Simon conoce a Carol Kleim una compañera de
98
instituto con la cual formo un dúo llamado The Co-Sines. Carol Kleim después se
convertiría en una gran cantautora adoptando el seudónimo de Carol King. Esta
relación para Paul Simon fue muy importante ya que con Carol tuvo un gran
entrenamiento en los Estudios de Grabación y consigue tener un gran
conocimiento de la industria musical. Paul Simon como Art Garfunkel intentan
formar una carrera en solitario cada uno por separado pero no tienen grandes
resultados comerciales y la crítica especializada no le presta mucha atención a
sus trabajos.
A principios de 1964 Paul Simon abandona la escuela de derecho de Brooklyn
para viajar a Londres donde conoce a Kathy quien se convierte en su novia, esta
relación es muy importante para Paul Simon ya que Kathy se transforma en un
gran símbolo de inspiración para Paul. La nueva musa ilumina al joven a
componer muchas canciones que almacenara y que serán canciones importantes
en posteriores trabajos discográficos.
En su viaje a Inglaterra Paul Simon recorre varios bares y toca en ellos, también
participa en el Festival Folk celebrado en la ciudad Escocesa de Edimburgo. El
joven compositor graba un sencillo en Inglaterra con el sello discográfico Oriole
Records, el demo se componía de dos canciones: Carlos Dmoniguez y He Was
Brother. El material Se publica en Estados Unidos bajo el nombre de Paul Kane.
En 1963 Paul Simon vuelve a Estados Unidos y se reúne con Art Garfunkel y
deciden retomar el conjunto nuevamente pero esta vez bajo el nombre de Simon
& Garfunkel, ocupando sus nombres reales. Comienzan a tocar en varios clubes
de Nueva York y tocan en el festival de música Folk de Nueva york con artistas
como Bob Dylan. Se presentan con el conjunto The Everly Brothers. En 1964
graban su primera cinta fonográfica bajo el nombre de Simon & Garfunkel el
99
trabajo tiene por título ¨ Wednesday Morning 3 A.M. la producción se edita en los
estudios CBS Records de Neva York. La placa musical salió a la venta el 19 de
octubre de 1964.
Tras grabar el mencionado álbum que no tuvo gran aceptación ni grandes ventas
el dúo se vuelve a separar y Paul Simon viaja nuevamente a Inglaterra en 1965.
Art Garfunkel retoma sus estudios de matemática en la universidad de Columbia
Mientras Paul Simon reside en Londres las radios de Florida en Estados Unidos
reciben peticiones de los oyentes para pedir la canción The Sound of Silence del
álbum Wednesday Morning 3 A.M. la canción tuvo una gran popularidad y los
productores Tom Wilson y Bob Johnston versionaron la canción original añadiendo
un arreglo instrumental distinto acercando la canción hacia una estética rock de
los años sesenta. El single tuvo gran éxito comercial y Paul Simon decide volver a
Estados Unidos y reunirse nuevamente con Art Garfunkel para grabar su segundo
Trabajo titulado como “Sound of Silence” que da el paso para editar tres discos
importantes de la escena folk pop estadounidense.
IMPRESIONES PERSONALES
La pieza discográfica Bookedns fue publicado el 3 de abril de 1968, producido por
Paul Simon, Art Garfunkel y Roy Halee, la compañía discografía fue Columbia
Records. Este ejemplar vendió más de un millón de copias y se posiciono en los
primeros lugares del ranking de la revista especializada en música Billboard. Otros
de los premios importantes de este trabajo es haber ganado un Grammy al mejor
álbum del año.
100
Es una pieza perfectamente producida, la delicadeza de los arreglos musicales es
tal vez la característica más importante de esta placa. Esta obra apreciada dentro
de las máximas producciones realizadas por del dúo de New York. Se ha
considerado como un artículo discográfico dirigido hacia la música folk consumida
por el círculo universitario de la década de los sesenta, esta afirmación fue emitida
por el libro que tiene por nombre 1001 discos que hay que escuchar antes de
morir. Este comentario se refiere a que en este trabajo se refleja de alguna forma
la realidad social y cultural de muchos jóvenes universitarios que pertenecen a la
formación cultural y educacional de donde provienen Simon & Garfunkel.
El producto se construye desde las bellas canciones creadas mayormente por
Paul Simon que posteriormente se transformara en un compositor prolífico. Desde
la sonoridad folk este disco viaja hacia estilos como el jazz y el pop de la década
de los sesenta donde algunas canciones se adornan con hermosos arreglo de
orquesta que aportan al ejemplar una sonoridad distinta a todos los proyectos
anteriores que se hayan grabado con tendencia folk. El volumen también tiene
ciertos arreglos electrónicos e interrupciones sonoras que se utilizan en ciertas
ocasiones especiales. Las intervenciones sonoras se representas con ruidos de
automóviles, sonidos de personas bajando la escalera e intromisiones de diálogos
entre individuos. Estas características aportan al producto fonográfico ciertos
rasgos conceptúales.
101
k) TIM BUCKLEY – GOOGBYE AND HELLO (1967)
Sello Discografico: Elektra
Productor Musical: Jerry Yester
Nacionalidad
: Estados Unidos
Duración
: 42:41
Lista de Canciones
1) No Man Can Find the War
(2:58)
2) Carnival Song
(3:10)
3) Pleasant Street
(5:15)
4) Hallucinations
(4:55)
5) I Never Asked to Be Your Mountain
(6:02)
6) Once I Was(3:22)
7) Phantasmagoria in Two
(3:29)
8) Knight Errant
(2:00)
9) Goodbye and Hello
(8:38)
10) Morning Glory
(2:52)
Timothy Charles Buckley nació el 14 de febrero de 1947 en Washington D.C Tim
proviene de una familia de inmigrantes Irlandeses de la región de Cork, durante su
niñez sufrió muchos cambios de hogar por lo que tuvo una infancia errante y
solitaria.
102
El pequeño comenzó a tocar banjo con tan solo once años. El hogar de Tim le
permitió conocer música de distintos estilos y artistas como: Billie Holiday, Frank
Sinatra y el Country Music. En el instituto en california conoció a Larry Beckett y
formo una gran amistad que sería fundamental para la vida musical del prominente
cantante ya que en conjunto escribieron varias canciones.
El trabajo del compositor siempre tuvo conflicto con la industria musical y el
mercado ya que el artista siempre prefirió otorgar una importancia relevante a la
expresividad de su obra por sobre el éxito comercial. Por estas razones cada disco
que editaba era muy distinto al otro siempre buscando horizontes nuevos y lugares
distintos donde explorar. La página web especialista en música allmusic considera
a Tim Buckley un músico al nivel de artistas como Miles Davis y David Bowie “Tim
ha recordado artistas como Miles Davis y David Bowie, que estaban tan ansiosos
de mirar hacia adelante y cambiar que incluso confundían a los oyentes más
encolerizados que querían más consistencia estilística” (Unterberger, 2014)
Tim Buckley fue dado por muerto el 29 de junio de 1975 a las 9:42 y las razones
del deceso fueron el exceso de alcohol y combinación con heroína. El 28 de junio
de 1975 el músico se presentó en el último show de un tour en Dallas Texas
tocando ante 1.800 personas. Después del concierto el cantante celebro la
culminación del evento y decide festejar con sus amigos pero el exceso del alcohol
y drogas lo llevan a la muerte al día siguiente. El compositor deja un hijo llamado
Jeff Buckley quien se transformaría en un icono del rock pop de la década de los
noventa, también sufriendo una muerte lamentable y que entristeció al mundo de
la música y a sus seguidores.
103
IMPRESIONES PERSONALES
Una de los principales elemento que destaco de esta obra musical es la calidad
que el tenor demuestra como interprete. En esta placa el solista demuestra una
gran capacidad vocal y manejo técnico al momento de utilizar con una gran
tranquilidad su amplio registro de aproximadamente cuatro octavas de rango.
Este es un artículo discográfico que se ha definido como un álbum Folk,
Psicodélico, por la atmosfera y las intervenciones sonoras que nos entrega esta
obra. Es una cinta con canciones de larga duración comparada con el trascurso
habitual que nos ofrece las canciones producida por la industria musical. Este
trabajo está muy inspirado en la sonoridad que recrea la gran obra del mítico
conjunto ingles The Beatles en su cinta Sgt Pepper’s Lonely Hearts Club Band.
La forma musical de esta pieza discográfica está determinada por las necesidades
expresivas del autor, las canciones están construidas y grabadas para trasmitir un
carácter libre y extenso. El disco contiene hermosas y melancólicas melodías
como “Once I Was” que es profundamente nostálgica, triste y bella. Esta balada
refleja de algún modo la vida de Tim y su modo errante de ir por la vida desde
pequeño.
104
l) BOB DYLAN – HIGHWAY 61 REVISTED (1965)
Sello Discografico: Columbia
Productor Musical: Bob Johnston
Nacionalidad
: Estados Unidos
Duración
: 51:04
Lista de Canciones:
1) Likea Rolling Stone
(6:03)
2) Tombstone Blues
(5:58)
3) It Takes a Lot to Laugh, It Takes a Train To Cry
(4:09)
4) From Buick 6
(3:19)
5) Ballad of Thim Man
(5:58)
6) Queen Jane Approximately
(5:31)
7) Highway 61 Revisited
(3:30)
8) Just Like Tom Thumb’s Blues
(5:31)
9) Desolation Row
(11:21)
Robert Allen Zimmerman, más conocido como Bob Dylan nació en Duluth
Minnesota, Estados Unidos el 24 de Mayo de 1941. Los padres de Bob Dylan
pertenecían a una pequeña comunidad Judía por estas razones Bob recibió una
crianza rígida y con mucha disciplina de parte de su padre.
El muchacho creció con la música de artistas relacionados con el Blues y el
Country que se trasmitían desde Shreveport, Lusiana. Posteriormente el
105
adolescente fue seducido por el Rock and Roll de la década de los cincuenta. Él
se encontraba fascinado con personajes icónicos de la juventud de aquel entonces
como James Dean y Peter Fonda. En septiembre de 1959 Bob se traslada a
Minneapolis Minnesota para matricularse en la universidad estatal. En este
proceso el estudiante comienza a interesarse profundamente por la música folk y
encuentra en ella un camino lleno de sitios mágicos. También encuentra en la
música folk el reflejo de la gente y de la cultura americana.
El veinteañero descubre en artistas como Pete Segger y especialmente con
Woody Guthrie una afinidad especial ya que en las temáticas abordadas por los
compositores el joven encuentra una relación de identidad que no había
experimentado con otros exponentes anteriormente. En enero de 1961 Bob Dylan
abandona la universidad y se traslada a New York principalmente con la
esperanza de conocer a Woody Guthrie al que admiraba y seguía con mucha
devoción.
En 1961 el joven cantante intenta buscar un espacio en la escena musical folk de
New York, averiguando la posibilidad de tocar en bares del Greenwich Village.
Algunos clubes le dan posibilidad de tocar pero siempre es el último artista en salir
al escenario aunque a pesar de las vicisitudes el novicio autor consigue encantar
a un pequeño público que lo sigue de manera fiel. El veinteañero cantante
conquista un espacio en la prolífera escena folk de New York y adquiere las
miradas de algunas personas entre ellos algunos periodistas que publican
pequeños artículos sobre la fresca revelación del village en el periódico The New
York Times. El talentoso Bob obtiene la posibilidad de grabar algunos arreglos de
armónica para artistas como Carolyn Hester. Gracias a esta labor el incipiente
músico conoce al productor musical John Hammond. Quien lo contrata y consigue
un acuerdo con el sello discográfico Columbia Records.
106
En el año 1962 publica su primer álbum con el nombre de Bob Dylan. La cinta no
tiene muchos dividendos comerciales pero el cantante se encuentra respaldado
por un gran sello discográfico. Dylan firma un contrato de representación artística
con Albert Grossman que se transforma en su representante hasta 1970. Entre
Albert Grossman y John Hammond surgen ciertos conflictos sobre la dirección de
la carrera del prometedor artista por lo que integran a un nuevo Productor Tom
Wilson. El segundo trabajo de Bob Dylan¨ The Free wheelin¨ es coproducido por
Tom Wilson y John Hammond Hasta el álbum Briging It All Back Home serán
producidos por Tom Wilson.
Bob Dylan se convierte en la voz de una generación y se vincula al exitoso autor
con el compromiso social y reaccionario de la década de los sesenta pero Bob no
Se siente como un mesías y un líder político y quiere apartarse de la etiqueta
política con la que se le vincula. Para este propósito de desvinculación del
movimiento el cantautor graba la gran obra ¨Highway 61 Revisted¨ demostrando
una faceta personal con letras soñadoras y oníricas.
IMPRESIONES PERSONALES
El nombre de la placa discográfica es en honor a una carretera de estados unidos
que se llama autopista 61 en inglés “Highway 61” esta carretera se extiende desde
el estado de New Orleans hasta Memphis, Tennesse. Según Dylan es una calzada
que simboliza la liberta, la creación y el movimiento. Es una autovía que ha
inspirado muchos mitos en la cultura de la música Norteamericana desde Robert
Johnson y su encuentro con el diablo hasta Elvis Presley que creció en un barrio
situado al alrededor de esta autovía.
107
Un acontecimiento importante que marca el proceso artístico y creativo del
inspirado músico y la grabación de este proyecto es el festival de música folk de
Newport. Dylan reparte su actuación en dos secciones, la primera sección se
acompaña solo de una canción acústica y luego el cantante presenta al público
canciones acompañadas por una banda de rock y blues. Algunas personas del
público que concurrieron al espectáculo no estaban de acuerdo con la nueva
propuesta del soñador compositor y no les gusto que Electrificara su sonido y se
acompañara de guitarras eléctricas e instrumentos que eran estandarte del
Movimiento Rock de la década de los sesenta. Esta actuación será determinante
para el concepto musical que Bob Dylan propone en esta nueva pieza fonográfica.
Las grabaciones del disco se dividen en dos secciones, la primera sección que
ocurre antes del festival de Newport donde el autor y su productor Tom Wilson
invitan al guitarrista Mike Bloomfield de la banda de blues de Paul Butterfield, al
pianista Frank Owens, el bajista Russ Savakus y el baterista Bobby Gregg.
También reclutan a un joven muchacho llamado Al Kooper pero Tom Wilson
determina que tiene muy poca experiencia para participar en las grabaciones del
gran proyecto música. El desconocido Al Kooper seria clave para este iluminado
trabajo ya que es el compositor de la línea melódica del Órgano en la canción
¨Like a Rolling Stone¨ La grabación de la cinta se posterga por el festival de
Newport. Luego Bob reanuda el comienzo de las secciones
cambiando al
productor Tom Wilson que solo sería el encargado de la realización de la canción
Like a Rolling Stone. Bob lo sustituye por Bob Johnston ya que estima que la
visión musical de Bob Johnston era la indicada para esta fabulosa placa.
Es una pieza discográfica importante para la historia del folk y el rock ya que
significa la ruptura de paradigmas estéticos. Este producto artístico da muestra
que la estética del mercado no puede predeterminar a un artista ya que nada está
108
escrito y que todo se puede interpretar según las necesidades del compositor. Bob
Dylan en este álbum demuestra que es un creador visionario e iluminado.
Gracias a la elaboración de esta cinta de larga duración aprendí que las barreras
se tienen que dejar fuera del proceso creativo, que las herramientas que un estilo
musical provee a un compositor pueden ser gigantes y que el autor no se puede
Auto determinar por reglas culturales y estéticas predeterminadas. El creador
tiene que ser libre y emancipado. Otra cualidad primordial del artificie es que tiene
que aferrarse a su instinto por sobre toda las cosas. Bob Dylan planteo el
precedente del como un artista tiene que confiar en su capacidad creativa para
expresarse y describir lo que proviene de las profundidad más recóndita del
corazón.
m) DAVID CROSBY – IF I COULD ONLY REMEMBER MY NAME
(1971)
Sello Discográfico: Atlantic
Productor Musical: David Crosby
Nacionalidad
: Estados Unidos
Duración
: 37:04
Lista de Canciones
1) MusicisLove
(3:20)
2) Cowboy Movie
(8:11)
3) Talmalpais High (At About 3)
(3:32)
109
4) Laughing
(5.25)
5) Waht Are TheirNames
(4:14)
6) Traction in the Rain
(3:46)
7) Song With No Words ( Tree With no Leaves)
(6:00)
8) Orleans
(2:01)
9) I’d Swear There Was Somebody Here
(1:19)
David Van Cortlandt Crosby nació el 14 de agosto de 1941 en los Ángeles
California Estados Unidos. David creció en un hogar relacionado al arte ya que el
padre del muchacho era fotógrafo y siempre estuvo vinculado al mundo del cine.
El pequeño Crosby creció con una gran afinidad hacia todas las expresiones
artísticas, estudio teatro un tiempo pero luego se dio cuenta que su gran pasión
era la música y decidió dedicarse a esta por completo.
En su juventud David Crosby formo algunas bandas de estudiantes y toco en
algunos bares de los Ángeles. Pronto formaría una agrupación muy importante
para la escena musical emergente en la costa oeste de Estados Unidos que se
llamaría The Byrds. El novicio cantante conoció al músico Roger Mc Guinn y Gene
Clarke, en un comienzo se llamaban Jet Set pero luego que reclutaron a los
Músicos Chris Hillman y a Michael Clarke, cambiaron su nombre a The Byrds. El
conjunto tuvo un gran éxito con la versión Mr Tamburine Man de Bob Dylan.
Crosby era el músico encargado de configurar y crear las armonías vocales de la
banda, Crosby tenía un talento especial para armonizar líneas melódicas
compuestas para voces. Fue un trabajo que fue desarrollando y perfeccionando
con el tiempo hasta ser experto en el ámbito vocal.
En 1967 el audaz artista decide dejar la banda para buscar nuevos horizontes
musicales y artísticos, Crosby a esta altura de su carrera se encontraba muy
110
sumergido en el ambiente musical de california y era considerado como un gran
personaje en el medio musical. El joven fue también un visionario ya que
descubrió a algunos artistas y les propuso producirlos musicalmente. La artista tal
vez más importante que Crosby descubrió fue Joni Mitchelle. En el documental
BBC Four- Hotel California: L.A from The Byrds to The Eagles. Crosby confidencia
en una entrevista que cuando vio la primera vez a la brillante compositora
cantando en un club su corazón se detuvo y quedo impresionado con la figura de
Joni Mitchelle.
La segunda gran agrupación en la que Crosby participará seria la exitosa banda
Crosby, Still, Nash and Yung (CSNY) fue una agrupación de Rock Folk de los
Ángeles que tendría una gran popularidad a fines de la década de los sesenta y la
primera parte de la década de los setenta. Es un conjunto que se crea a partir de
músicos provenientes de grandes bandas de la escena Folk Rock de los años
sesenta como: Stephen Stills y Neil Young que provenían de la famosa agrupación
Buffalo Springtield y Graham Nash del prestigioso conjunto de Rock inglés The
Hollies y David Crosby de la banda The Byrds.
Estos músicos decidieron ser una agrupación después de encontrarse en una
reunión de amigos que realizaban habitualmente en california. Los músicos ya se
conocían porque todos pertenecían a la escena musical. En el transcurso de la
noche Stephen Still, Graham Nash y David Crosby interpretan una canción de
forma coral y se dan cuenta que existía un gran potencial ya que sus voces se
acoplaban perfectamente y el resultado sonoro al momento de cantar producía
una atmosfera especial, era como una experiencia mística. Por estas razones
deciden conformar un grupo. Al momento de crear este conjunto hacen un trato
entre ellos donde en común acuerdo determinan que cualquier integrante del
conjunto podía participar en otro proyecto musical con plena libertad. Esta decisión
111
es fundamental ya que cada músico por separado era un gran compositor y podía
iniciar una carrera solista perfectamente.
Uno de los trabajos más importantes de la banda es el álbum ¨DéjàVu¨ el cual fue
grabado en San Francisco California Estados Unidos. Esta cinta es editada por el
sello discográfico Atlantic y fue grabado en julio de 1969 y producido por los
mismos músicos. La característica más importante en esta producción musical es
la inclusión del músico Neil Young ex miembro de la banda Buffalo Springfield.
Neil Young había sido compañero de banda con el músico Sthepen Stills. El
intrépido Young es invitado a participar del proyecto ya que luego de grabar el
primer álbum como grupo quisieron agregar a la agrupación un músico que
pudiera tocar guitarra y piano y que simpatizara con el estilo musical de la banda.
David Crosby luego de grabar el álbum DéjàVu, sufre una gran desgracia que
marcaría su vida y posteriormente lo conduciría a una gran depresión. El abatido
músico en septiembre de 1969 reunido con novia Cristine Hinton sufre un
Accidente automovilístico que termina con la vida de Chritine. Este episodio
trágico
provoca
un
profundo
abatimiento
en
el
artista
provocándole
consecutivamente una gran adicción a las drogas y el alcohol. Este momento
obscuro en la vida de David Crosby lo inspira para escribir y grabar esta fabulosa
obra que la dedicaría a la memoria de su novia a la cual le compondría la canción
Waht Are Their Names.
112
IMPRESIONES PERSONALES:
Del análisis discográfico expuesto en este documento estimo que este es la placa
discográfica que más influencias aporto a mi proceso creativo sobre todo en el
último trabajo musical que será expuesto y analizado en este documento.
Este álbum ha sido el trabajo más importante de la carrera de David Crosby, es
considerado uno de los cien mejores discos de la historia de rock según la revista
especializada en música The Rolling Stone. Es una cinta fonográfica íntima y
personal Donde se puede percibir al músico abriendo su corazón en un acto de
valentía al compartir con sus canciones sus problemas y conflictos personales. Es
una pieza que se transforma en un acto terapéutico para el compositor donde se
desahoga completamente de manera muy abierta y sincera.
Las canciones
toman vida propia y son capases de transmitir la esencia del
músico. David Crosby en este proyecto nos entrega lo mejor de su voz, ya que
interpreta sus canciones de una forma muy expresiva donde logra transmitir un
profundo sentimiento de soledad y nostalgia.
Esta placa en algún momento me hizo pensar que la única forma de poder
modificar una producción musical en una obra de arte, era abriendo el corazón y
tomando la decisión de transformar las canciones en un espejo del alma, donde
las composiciones lograran retratar los fantasmas y conflictos del compositor en
poesía y canciones desgarradas, como lo consigue David Crosby en esta hermosa
e impresionante obra de arte.
113
n) NEIL YOUNG – AFTER THE GOLD RUSH (1970)
Sello Discográfico: Reprise Records
Productor Musical: Neil Young/ David Briggs
Nacionalidad
: Estados Unidos
Duración
: 34:41
Lista de Canciones:
1) Tell Me Why
(2:59)
2) Afterthe Gold Rush
(3:46)
3) Only Love Can Break Your Heart
(3:09)
4) Souther Man
(5:31)
5) Till the Morning Comes
(1:27)
6) Oh, Lonesome Me
(3:50)
7) Don´t Let It Bring You Down
(2:57)
8) Birds
(2:33)
9) When You Dance You Can Really Love
(3:45)
10) I Believe in You
(3:27)
11) Cripple Creek Ferry
(1:33)
Neil Percival Young nació el 12 de noviembre de 1945 en Toronto, Ontario,
Canadá. Neil vivió una infancia marcada por grabes enfermedades como la
diabetes y la poliomielitis.
La infancia del delicado niño estuvo marcadas por sus problemas de salud y los
cambios de hogar que vivió producto de la separación de sus padres. Neil vivió en
114
diversos lugares de Canadá y un corto tiempo de su niñez en Estados Unidos. El
quinceañero comenzó a tener afinidades con la música en su adolescencia
tocando instrumentos como el ukelele, la guitarra y el banjo.
El novicio artista es influenciado por músicos como; Elvis Presley, Chuck Berry,
Little Richard, Fast Domino, Jerry Lee Lewis y Joni Cash. También por estilos
musicales diversos como el Rock and Roll, el Country Music, el Rockabilly, el R&B
y Doo-Wop. Después de sentirse identificado con estos estilos musicales juveniles
de aquel entonces Neil Young crea dos bandas en Canadá The Squires y The
Mynah Birds. El novato intérprete se aleja del formato y comienza una carrera
solista como cantautor de música folk, Neil logra comenzar un recorrido en la
incipiente escena folk de Winnipeg. En este proceso Neil conoce a los músicos
Joni Mitchelle y Stephen Stills.
Después de conocer a Stephen Stills, Neil Young decide viajar y establecerse en
Estados Unidos, donde forma el grupo Buffalo Springfield, este conjunto será una
agrupación importante para la música Folk Rock de la década de los sesenta.
Luego de permanecer un tiempo considerable en la cofradía musical el cantante
renuncia y firma con el sello discográfico Reprise Record donde consolida una
gran carrera solista como cantautor de música Folk Rock.
Mientras trabaja en su carrera solista Neil es invitado a participar de la gran
agrupación de Folk-Rock Crosby, Stills, Nash. Tras grabar su primer álbum (CSN)
los integrantes de este conjunto invitan a Neil por que necesitaban otro músico
como apoyo, el joven cantautor acepta la invitación pero quiere ser parte
importante del conjunto y no solo un apoyo por lo cual los miembros más antiguos
disponen a cambiar el nombre para grabar su segundo álbum, ahora se llamarían
Crosby, Stills, Nash and Young o (CSNY) luego de tener algunos desacuerdos
115
musicales con el músico Stephen Stills Neil Young decide apartarse un tiempo del
conjunto y dedicarle más tiempo a sus proyectos en solitario.
IMPRESIONES PERSONALES
Neil Young ha sido etiquetado como un cantautor vinculado a ciertos discursos
políticos, en este álbum Neil escribe canciones con referencias políticas,
discriminación Racial, conflictos militares como la guerra de Vietnam y
preocupación medio ambiental.
Esta es la tercera cinta como solista editada con el sello Reprise Records y fue la
placa posterior al gran éxito que tuvo con el segundo álbum de la banda (CSNY)
este trabajo tiene un carácter íntimo en el cual se pueden encontrar muchas
canciones de carácter nostálgico. En estas baladas el pulso rítmico es lento y
tranquilo. El compositor expresa abiertamente sus ideas y las deja fluir a través de
melodías hermosas y arreglos musicales diáfanos y sutiles.
After The Gold Rush incluye alguna de las canciones más melancólicas y triste de
la carrera del compositor. Las baladas creadas para esta cinta exponen el enfoque
introspectivo en el que se encontraba el autor.
Para escribir frases como (es difícil llegar a acuerdos contigo mismo, cuando eres
ya demasiado viejo para compensar pero aún demasiado joven para valer) de la
canción ¨Tell Me Why¨ el escritor tiene que encontrarse en un estado profundo de
conexión con su ser interno para poder dialogar sobre los conflictos más secretos
del alma de manera transparente y valiente. Cuando se logra este tipo de enlaces
con tu yo interior nacen obras invaluables como After The Gold Rush.
116
o) SILVIO RODRÍGUEZ - MUJERES (1978)
Sello Discográfico: EGREM
Productor Musical: Frank Fernández/ Silvio Rodríguez
Nacionalidad
: Cuba
Duración
: 37:27
Lista de Canciones
1) Mujeres
(4:21)
2) En Estos Días
(2:46)
3) Ya No Te Espero
(4:07)
4) ¿Qué Hago Ahora?
(2:04)
5) Río
(2:16)
6) Te Doy Una Canción
(3:06)
7) Cierta Historia de Amor
(3:08)
8) ¿A dónde Van?
(4:37)
9) Hoy No Quiero Estar Lejos de La Casa Y El Árbol
(2:35)
10) Esto No Es Una Elegía
(3:03)
11) Aceituna
(2:51)
12) Y Nada Mas
(3:04)
Silvio Rodríguez Domínguez nació el 29 de noviembre de 1945 en San Antonio de
los Baños Cuba. El cantante proviene de una familia humilde que vivía en el
campo de cuba.
117
El pequeño se crio en una familia campesina y pasa la primera parte de su
infancia en el campo. La madre de Silvio es aficionada a la música y solía cantar
canciones de tradición popular cubana, el tío del niño era músico de profesión por
lo cual el cantautor de pequeño tiene una relación muy estrecha con la música.
Cuando Silvio cumple siete años sus padres se muda a la Habana capital de cuba.
El padre del muchacho lo inscribe en el conservatorio de la capital, con esto Silvio
inicia estudios de música formales pero no permanecería mucho tiempo ya que
después de la separación de sus padres volvería a su pueblo natal.
El adolescente vuelve a la habana para iniciar sus estudios secundarios. En este
proceso Silvio comienza a tener gran inquietud por la poesía, la literatura y la
música docta. El primigenio artista
con dieciséis años presencia un proceso
político social que afectaría mucho su vida. El 1 de enero de 1959 el ejército
rebelde liderado por su comandante Fidel Castro termina con el gobierno de
Fulgencio Batista. Al poco tiempo del establecimiento del nuevo régimen político
Silvio se inscribe en la lista de jóvenes socialista y comienza su militancia política
que duraría hasta la actualidad.
Silvio Rodríguez es vinculado a una corriente musical juvenil cubana que
comienza en la década de los sesenta y que tendría una gran popularidad en el
decenio de los setenta, este movimiento musical tiene por nombre nueva trova
cubana, esta tendencia se caracteriza por tomar algunos elementos de tradición
folclórica popular cubana y los fusiona con componentes modérenos pero tal vez
el ingrediente más importante es la cercanía ideológica con el nuevo régimen
político que se establece en cuba.
Este movimiento musical y cultural que se vive en cuba también se desarrolla a
través de Latinoamérica. Esta corriente cultural recibe el nombre de nueva canción
118
latinoamericana y se caracteriza por recurrir al folclore popular que se florece en el
territorio latinoamericano. Ha sido una tendencia vinculada a la canción de
protesta y de activismo político. Principalmente se atribuye una inclinación política
e ideológica relacionada con la izquierda revolucionaria. Esencialmente esta
afición cultural emerge por una gran convulsión política y popular que se vive en
Latinoamérica donde suceden incidentes importantes como golpes militares a
través de varios países del continente hispanoparlante.
IMPRESIONES PERSONALES
Este es el tercer trabajo editado oficialmente por el cantautor bajo el sello
discográfico EGREM. Silvio graba esta obra discográfica después del disco ¨Al
Final de Este Viaje¨ Silvio había grabado algunas canciones pero solo en la cinta
¨Cuando Digo Futuro¨ las reúne y transforma el trabajo en un álbum recopilatorio,
después de la experiencia de sus dos primeros proyectos el artista comienza el
proceso de composición y grabación de esta pieza musical. Las características
principales de este proyecto es el arduo trabajo compositivo armónico y melódico
realizado en función de la guitarra. En esta placa el autor destaca por su gran
habilidad musical y por el gran dominio técnico del antes
mencionado
instrumento.
A pesar de ser un disco musicalmente de una complejidad considerable este
álbum es una obra en el que se desprenden baladas muy personales e íntimas en
las cuales Silvio expresa cuestionamiento existenciales, preguntas por el ser y la
temporalidad humana como en la canción ¿ A dónde Van?
119
Esta obra tal vez es la cinta fonográfica más íntima y personal de la discografía de
Silvio Rodríguez.
p) VÍCTOR JARA - VÍCTOR JARA (1966)
Sello Discográfico: Demon
Productor Musical: Víctor Jara
Nacionalidad
: Chile
Duración
: 34:35
Lista de Canciones:
1) El Arado
(3:41)
2) El Cigarrito
(2:41)
3) La Flor Que Anda de Mano en Mano
(2:01)
4) Deja La Vida Volar
(3:26)
5) La Luna Siempre Es Muy Linda
(3:27)
6) Ojitos Verde
(3:51)
7) La Cocinerita
(2:28)
8) Paloma Quiero Contarte
(3:03)
9) Que Saco Rogar Al Cielo
(3:07)
10) No Puedes Volver Atrás
(2:56)
11) El Carretero
(3:54)
12) Ja Jai
(2:26)
120
Víctor Jara Nació el 28 de septiembre de 1932 en San Ignacio Chile y murió en
Septiembre de 1973. Víctor Jara es Hijo de una familia de campesinos chilenos la
madre del autor de nombre Amanda trabajaba en las labores del hogar y en
algunas actividades específicas de la agricultura del campo de chile. La madre del
pequeño Tocaba Guitarra y cantaba ella era aficionada al canto de tradición
folclórica popular de las localidades rurales del país.
El muchacho y su familia viajan a la capital del país donde se establecen en la
población popular ¨Los Nogales¨ el adolescente tuvo que dejar temporalmente el
colegio para trabajar en una fábrica de muebles y así poder ayudar a su madre
con los gastos caseros y familiares ya que Víctor tenia hermanos pequeños. Con
tan solo dieciséis años el joven Pierde a su madre. Por esta razón la familia de
Víctor sufre grandes problemas de unión y sobretodo problemas económicos. El
novicio provinciano ingresa al seminario de la Congregación Del Santísimo
Redentor de San Bernardo incorporándose tras el consejo de un sacerdote.
Víctor Jara con 21 años ingresa al coro de la Universidad de Chile, participando
activamente en las funciones del coro facultativo. El veinteañero después de haber
Pasado un tiempo activo en el coro de la universidad tiene la inquietud por buscar
e investigar sobre el folclore chileno. En este periodo y con 24 años Víctor se
integra a la escuela de teatro de la universidad de chile donde tiene una
importante participación en la facultad donde logra convertirse en director de
teatro.
El incipiente artista comienza su carrera musical con el grupo folclórico Cuncumén
donde adquiere mucha experiencia y comienza a sentirse profundamente
entusiasmado por la música de tradición popular chilena y por la gran e importante
compositora Violeta parra. El joven cantautor también se transforma por un
121
momento en director artístico del grupo folclórico Quilapayú. El cantante es parte
de un fuerte movimiento musical llamado Nueva Canción Chilena.
El prominente cantante y compositor muere trágicamente en septiembre de 1973
tras el golpe militar que derroca al gobierno de la unidad popular y a su presidente
Salvador Allende. Con el cual Víctor se sentía totalmente identificado e inspirado.
El intérprete es arrestado en la Universidad de Santiago de chile donde se
desarrollaba como profesor.
IMPRESIONES PERSONALES
Este es el único disco que Víctor edita con el sello discográfico Demon, luego el
autor trabajaría con el sello DICAP. Este es el primer trabajo de Víctor como
solista luego de pasar por el grupo Cuncumén. Esta obra es fundamental para mí
Investigación porque inspira mi primera pieza musical la cual será expuesta y
analizada en esta investigación. Es una cinta discográfica significativa ya que en
ella puedo ver el reflejo de las emociones más profundas del cantautor expresadas
en un acto de hermosa belleza y valentía.
122
CAPÍTULO 4: ANÁLISIS SOBRE LAS
COMPOSICIONES MUSICALES EXPUESTAS
123
1- Introducción al análisis de las obras musicales
La principal razón de la exposición y análisis de las obras musicales expuestas en
esta investigación de pregrado es demostrar la influencia que ha tenido este
trabajo en mi proceso creativo como compositor y estudiante de producción
musical.
En este trabajo se realizara una comparación expositiva de ambas obras
musicales donde se exhibirán los cambios estéticos, musicales y sonoros. Estos
acontecimientos vividos durante la experiencia de profundo estudio en este estilo
musical fueron vitales para mi vida. En este ejercicio de comparación se explicara
las experiencias emocionales, intelectuales, musicales vividas durante estas dos
experiencias de aprendizaje.
El principal motivo de este análisis es presentar y describir el método de trabajo
que fue realizado durante las dos producciones musicales expuestas, también
este trabajo tiene por objetivo revelar los cambios que fui percibiendo como
productor musical, compositor y estudiante de música durante el proceso de
investigación sobre el estilo Folk.
124
2- Análisis sobre las inspiraciones detrás de la
primera muestra musical
El contexto de la creación de esta pieza musical se remonta a mi taller de
composición musical cursado en el año 2013. El objetivo final del ramo era
presentar una composición
donde se aplicaran algunos conceptos de
composición vistos en clase pero con total libertad.
En el año dos mil doce me encontraba muy atraído por el estilo Folk, a esta altura
ya había descubierto artistas como Tracy Chapman, Ray Lamontagne, Demian
Rice, Nick Drake y James Taylor. En este periodo principalmente el Folk que
reclamaba mi atención era el que se originaba en Estados Unidos y en Europa
primordialmente el producido en Inglaterra.
El estilo musical que me acompaño desde el ingreso a la universidad fue el Rock
Pop producido desde la mitad de la década de los ochenta hasta la actualidad. Las
bandas y artistas que llamaban mi atención sobre este género musical fluctuaban
desde: U2, Tears For Fears, Depech Mode, R.E.M, Radio Head, Coldplay, The
Verve y Keane. Este estilo musical influencio principalmente mi manera de tocar y
ejecutar la guitarra eléctrica, toda mi forma de componer frases y melodías están
basadas en este estilo. También otro aspecto importante fueron los recursos
sonoros que predominan en este género como por ejemplo sus textura y efectos
entregados por sintetizadores y maquinas construidas para el uso musical.
El año dos mil nueve el profesor de producción musical Italo Pedrotti junto a su
grupo musical Charanku ofreció un concierto en la universidad. El día de la función
quede impresionado por este nuevo estilo musical que presenciaba, recuerdo que
125
lo que más me impresiono fue la sección rítmica del grupo ya que otorgaba a mis
oídos nuevos estructuras rítmicas totalmente desconocidas para mí en aquel
entonces.
Después de esta experiencia musical vivida como auditor del concierto en la
universidad comenzó mi investigación de manera paulatina por los sonidos y
ritmos que entregaba la música latino americana ubicada principalmente en el sur
del continente. Esta búsqueda musical se quedaría estancada hasta el año dos mil
doce cuando curse el ramo de composición musical, esta experiencia de realizar
una obra musical aterrizo mi búsqueda musical por el Folk extranjero hacia el
Folclore latino americano.
Desde el revelador episodio con la banda Charanku hasta el momento que grabe
la primera toma de la guitarra para la canción requerida por el ramo de
composición las agrupaciones musicales que inspiraron mi búsqueda hacia la
música folclórica de Sudamérica estaban vinculadas al estilo de fusión
latinoamericana como por ejemplo: Entrama, Charanku, Aca Seca Trio, Jorge
Drexler, Kevin Johansen, Pedro Aznar y Juan Quintero.
Estos artistas
mencionados fueron un puente para vincularme con el trabajo de grandes
próceres de la música Latinoamérica de la década de los sesenta y setentas como
por ejemplo: Victor Jara, Violeta Parra, Mercedes Sosa, Atahualpa Yupanqui y
Silvio Rodriguez. Después de conocer a estos grandes intérpretes y autores sentí
Curiosidad por estilos y ritmos desconocidos para mí como la Chacarera, La
Baguala, El Bailecito y Tonadas.
126
3- Análisis sobre el proceso creativo
La principal inspiración detrás de esta obra es la mixtura, ya que quería plasmar
mí fijación por estos dos universos musicales que me inspiraba de una manera
muy profunda.
Una de las ideas primordiales era rescatar las esencias sonoras que más me
cautivaban de ambos estilos musicales. Del Rock Pop quería apoderarme de la
forma que ciertos artistas y bandas utilizan las texturas musicales y las atmosferas
producidas por sintetizadores y dispositivos de señales y secuencias electrónicas,
los álbumes de las agrupaciones que empleaban este recurso eran U2 y su disco
Pop del año 1997, Radio Head y su placa Kid A del año 2000, Keane y su álbum
Hopes and Fears del año 2004. De la música de raíz folclórica quería rescatar la
frescura y carácter sonoro que nos entregan los instrumentos acústicos. Me sentí
muy cautivado por la placas homónimas de las agrupaciones; Charanku del año
2008, Entrama del año 1998, Aca Seca Trio del año 2003.
En el año 2009 descubro una producción musical de una relevancia clave para la
realización de esta primera obra musical, el producto se trataba del álbum “12
Segundos de Soledad” grabado en el año 2006 por el cantautor uruguayo Jorge
Drexler. En esta placa se encontraba una canción titulada como “Soledad” es un
dueto del cantautor con Maria Rita Camargo una gran cantante de origen
brasileño, Maria Rita es hija de la gran cantante y artista Elis Regina Carvalho.
Esta canción toma elementos rítmicos y armónicos de la Chacarera que es un
género musical que se origina en la Provincia Argentina de Santiago del Estero y
que se extiende por todo el país. El autor menciona que otro género musical
inspira esta composición, este estilo se denomina como Baguala y que tiene
127
origen en el noroeste de Argentina, que desciende de las comunidades diaguitas
que poblaban los Valles Calchaquíes.
Esta canción fue fundamental para mi búsqueda porque la estructura rítmica y
armónica está inspirada en la música del nordeste de argentina como la Baguala y
la Chacarera, pero el arreglo musical introduce elementos modernos como;
efectos, procesos de post producción y texturas realizadas con dispositivos
electrónicos.
Después de oír reiteradas veces la canción de Jorge Drexler sentí que ese era el
camino que debía seguir porque considere que la unión de esos dos universos se
relacionaba de una manera muy amable. Encontré que este ritmo nuevo para mí
reflejaba de una formar muy clara mis pretensiones compositivas, la obra de este
cantautor era nostálgica y honesta.
Cuando me propuse a grabar esta primera obra musical trate de imaginar la
manera que quería que sonara, trate de ilustrar en mi imaginación estos dos
géneros musicales convergiendo como dos ríos que llegan al mar.
4- Análisis sobre la realización musical
El principal análisis de esta pieza musical se encuentra en la formula rítmica y el
lugar musical que inspiro el germen de esta canción.
Después de escuchar y quedar sorprendido por la música de la banda Charanku
comencé a indagar que patrones rítmicos eran los utilizados por esta agrupación y
de forma paralela conocía la música de Jorge Drexler en la cual logre percibir una
conexión rítmica con la banda chilena.
128
Mi profesor de producción musical de aquel entonces Ítalo Pedrotti líder y principal
compositor de Charanku menciono que algunos patrones rítmicos utilizados por
Jorge Drexler provenían de una corriente Folclórica llamada Chacarera. Este
nuevo descubrimiento durmió en mi memoria hasta el año 2013 cuando el docente
Ernesto León profesor del ramo de composición nos encomendó como trabajo
final una composición de estilo libre.
Esta composición nación después en el contexto de un ramo pero no tomaría
forma hasta el momento en que escuche la canción de Víctor Jara Deja La Vida
Volar. La principal característica musical de esta canción que despertó mi
curiosidad fue el patrón rítmico utilizado en esta composición. Después de oír esta
pieza sentí que muchas ideas pasadas y nuevas se conectaban y surgió esta idea
musical que tiene como directrices principales la melodía ejecutada por la guitarra
pero que nace a raíz del patrón rítmico consecutivo. La idea de ocupar esta
fórmula rítmica nace gracias a la canción de Víctor Jara y que se explica
musicalmente en las siguientes figuras.
Figura 1.
129
Esta es la fórmula rítmica utilizada en la canción de Víctor Jara y que se
representa en esta partitura de cuatro compases transcrita en la cifra de compas
de tres cuartos como se indica en la figura 1. Este patrón rítmico es empleado en
mi composición para dar origen al ostinato rítmico en el que se desarrolla la
canción. En la siguiente figura se representa esta idea.
Figura 2.
Básicamente es el mismo patrón rítmico utilizado en la canción de Víctor Jara. La
única diferencia es que se invierte el sonido más grabe o en el caso de esta
canción el bombo. En esta canción y a diferencia de la canción deja la vida volar el
primer golpe o la primera figura de negra que indica la partitura pertenece al
bombo o al sonido más grabe.
Para explicar el desarrollo musical de la obra se presentaran las siguientes figuras
en donde se representa en imágenes la partitura de la obra musical.
130
Figura 3.
131
La estructura de la canción cuenta con una sección A especificada en los dos
primeros compases de la partitura contando la barra de repetición. Luego
interviene la sección B demostrada en los compases siguientes hasta la barra de
repetición y luego un pequeño puente de cuatro compases para conectar las dos
secciones.
132
Esta canción se estructura de la siguiente forma: A,B,A,B,C,D,A. La sección C se
puede interpretar como un puente de larga duración pero debido a su larga
durabilidad es mejor determinarlo como sección completa. La parte D es
realmente un sector musical con un carácter propio y personal que contrasta con
el resto de la canción, la inclusión de la batería genera un cambio de dinámica
sustancial y que agrega un color distinto a la composición. Después del cambio de
dinámica entregado por la parte D se presenta otro pequeño puente pero esta vez
solo es un ostinato rítmico al que se le invierte la fase y otorgando la sensación
que la cinta se reproduce al revés. Para finalizar l pieza musical regresa la sección
A para terminar con una pequeña coda que se extiende por unos segundos.
5- Análisis sobre la exploración sonora
La mixtura que deseaba para esta composición se encontraba basada en tres
origines sonoros distintos de los cuales deseaba tomar ciertos ámbitos musicales
y sonoros, el material del que dispuse a investigar se hallaba en tres agrupaciones
musicales, uno de los conjuntos era el grupo de Pop Rock “Keane” esta banda es
de origen británico y tuvo una gran radiodifusión desde al año 2004 hasta el año
2010. La obra de la cual me dispuse a investigar era su primera placa discográfica
editada en el año 2004 y que fue bautizada como “Hopes and Fears” la canción
que me inspiro a trabajar en mi composición era el track número cinco titulado
Everybody’s Changing.
El motivo que me llevo a inspirarme en esta canción era la forma que los autores
utilizaban los recursos y dispositivos electrónicos para apoyar las líneas melódicas
realizadas por el piano y la voz principal, también los artefactos electrónicos
133
reforzaban las secciones armónicas de la composición, este método me pareció
indicado para consolidar mis líneas melódicas e impulsar los sectores armónicos
más débiles.
La segunda agrupación importante en este proceso fue el conjunto de Folclore
Progresivo Charanku con su obra homónima editada el año 2008. Con ese
conjunto existe una relación especial debido a que el compositor principal de las
canciones es el músico Ítalo Pedrotti quien fue profesor de mis talleres de
producción musical. En el año 2009 Ítalo Pedrotti tiene la gentileza de regalarme
este álbum sin pensar en las consecuencias positivas que tendría esta obra en mi
vida como estudiante de artes musicales y producción musical, esta producción
musical fue un puente para descubrir otro universo musical y sonoro desconocido
para mí por aquel entonces. La principal característica que destaco y que capturo
de esta producción es el modo en que utilizan la formar y los Sonidos del folclore
y especialmente las posibilidades sonoras del charango y la transportan hacía el
rock.
El último y tercer conjunto es la agrupación Bordemar formada en Puerto Montt en
el año 1983 con el objetivo de interpretar y tomar canciones de origen popular del
sur de chile y trasladarla hacia la música de cámara e ingredientes musicales y
sonoros que proceden del Pop y el Jazz. La principal característica musical que
capture de este conjunto fueron sus arreglos para cuerdas y orquesta. Me llamo la
atención sus melodías de carácter nostálgico y pacifico vinculadas a paisajes del
Sur de chile, de manera que inunde me imaginación con melodías nostálgicas y
apacibles y las plasme en mi obra musical.
134
6- Análisis sobre la mezcla y los procesos sonoros
La mezcla de esta realización musical se puede explicar y abordar de una manera
muy simple ya que está basada principalmente en destacar la melodía principal,
que en este caso varía según avanza la música, porque en la sección A de la
canción la melodía principal la ejecuta la guitarra acústica y luego en la sección B
se complementa con el violín.
El análisis de los planos de mezcla consiste en realzar la melodía por sobre los
demás instrumentos y sonidos, después de la melodía se destaca la sección
rítmica de la obra, que en este caso sería la secuencia rítmica realizada por un
dispositivo Midi y que asimila de forma electrónica y digital las cualidades rítmicas
y sonoras de un Bombo Leguero. Después de la secuencia electrónica en la
sección C de la composición se realiza un remplazo de la secuencia por una
batería. Esta batería también es un programa digital que trabajo bajo comandos
Midi pero que busca producir un sonido muy similar al timbre de una batería
acústica. El motivo de la realización de intercambio de timbres rítmicos se debe a
la búsqueda de cambios intensidad y dinámica que entrega en una grabación el
Ingreso y retiro de instrumentos musicales a medida que la realización musical
avanza. Otro elemento que acompaña de forma importante a la sección del bajo
eléctrico ya que este instrumento entrega una riqueza rítmica, melódica y
armónica a la obra.
Después de la sección rítmica a modo de importancia de planos de nivel se
encuentran las texturas y efectos sonoros entregados por dispositivos digitales. La
utilización de texturas sonoras es necesaria para fortalecer la sección armónica y
enriquecer el resultado final de la producción musical. Este recurso se emplea en
135
esta obra musical de forma discreta y siempre en un plano de importancia menor
a la melodía y las secciones rítmicas y armónicas. El objetivo del recurso es
aportar en espacio y en profundidad pero por ningún motivo distraer la atención de
la melodía.
La intervención de procesos digitales a los instrumentos de carácter acústico o no
digital como; las guitarras eléctricas, guitarras acústicas y bajo eléctrico. Son casi
inexistentes debido a que la búsqueda principal de esta mezcla es contraponer lo
acústico y lo digita o electrónico, por lo tanto la intención es resaltar las
características sonoras naturales de los instrumentos acústicos y potenciar el
carácter de las texturas digitales. El único proceso de manipulación sonora es la
intervención a la secuencia rítmica, el objetivo fue invertir la señal entregada por la
secuencia y provocar una sensación de tensión rítmica para luego volver al estado
sonoro habitual que entrega la secuencia durante el tema musical.
7- Análisis sobre las inspiraciones detrás de la
segunda muestra musical
La segunda obra musical nación en el contexto de esta investigación de pregrado
y se inspira estéticamente en una obra maestra del Folk Rock americano de la
década de los setenta que tiene por nombre “If I Could Only Remember My Name”
del excelso cantautor David Crosby.
Esta obra de artes cambio mi manera de percibir la música, esta experiencia
profunda marco un antes y un después en el modo de comprender el sentido
insondable que tiene abrir el alma para escribir versos heridos y personales sobre
136
un papel, para luego musicalizarlos con melodías que transmiten una honestidad
que solo se consigue cuando se compone sin pretensiones más que expresar lo
que nace desde el espíritu hacia la voz.
Antes de este discos mis pretensiones se dirigían hacia conseguir un producto
musical que tuviera fundamentos sobre el equilibrio, la belleza, la armonía, la
simetría pero esta obra me hizo reflexionar sobre la honestidad, la expresión y la
manifestación del alma en una producción musical. Fue un álbum difícil de
asimilar, fue una especie de combate conmigo mismo porque de manera sincera
nunca antes me había enfrentado a oír una placa completa entendiendo esa
producción como una sola obra uniforme y orgánica, antes de esta experiencia mi
comportamiento como oyente se manifestaba de forma inconstante e interrumpida,
mi modo de oír se traducía en encontrar un par de canciones que agradasen mis
gustos y pretensiones para que luego me convencieran de vivir la experiencia
completa del álbum pero este disco me demandaba ir un paso más lejos y
exigirme como oyente. La única forma que halle para conectarme con el autor y su
obra fue romper con mis prejuicios y disfrutar con la música de manera prístina y
sincera.
En el terreno de la composición David Crosby fue un músico y escritor revelador
para mi proceso de aspirante a cantautor ya que marco en mi conciencia la
honestidad como escritor.
El precedente principal que dejo Crosby sobre mí fue la forma en que el
compositor debe enfrentarse al papel vacío. El me enseño a que un autor tiene
que concebir las canciones como un espejo, un espejo donde él se refleja a sí
mismo y donde hay que enfrentarse al papel con la verdad para que los versos
137
sean un medio para encarar los temores y los miedos de manera desnuda y
verdadera.
Si pudiera escribir una reflexión en pocas palabras sobre esta obra de arte
significativa en el Folk Rock del siglo veinte seria que este autor me ilustro que las
batallas más profundas, más dolorosas, más duraderas pero a la vez más
genuinas son con nuestros propios fantasmas, es decir la batalla real es con uno
mismo.
8- Análisis del proceso creativo de la segunda obra
musical
Básicamente el proceso musical de esta creación está inspirado en la placa “If I
Could Only Remember My Name” mi intención para mi composición era crear la
atmosfera vocal que David Crosby consigue en el track número nueve de este
álbum que tiene por nombre ¨I’d Swear There Was Somebody Here¨
De manera general esta placa se caracteriza por conseguir con la instrumentación
una atmosfera melancólica y en momentos un carácter de aflicción profunda. En
base a esta experiencia vivida con este álbum decidí trabajar mi composición
utilizando principalmente la herramienta de Texturas musicales, estas texturas las
realizo utilizando principalmente dispositivos electrónicos que generan son sonidos
electrónicos digitales o instrumentos vst. La segunda herramienta fue emplear las
melodías vocales tratando de acércame a la forma que David Crosby las dispone
en sus arreglos vocales.
138
La raíz de las dos composiciones exhibidas en esta investigación es la mistura, de
la misma forma que utilice los ritmos de procedencia sur americana en la primera
composición los reutilice en esta segunda obra musical. Trabaje en esta
composición el mismo elemento rítmico que aprendí con el primer álbum de Victor
Jara y el Homónimo de la agrupación Charanku.
Después de escuchar a David Crosby quede profundamente impactado y
confundido ya que esta maravillosa producción musical me insto a reflexionar
sobre mis pretensiones como compositor y principalmente como un estudiante que
Se relaciona con las artes musicales. Esta placa me insto a meditar sobre el
sentido de escribir canciones y posteriormente grabarlas. Como mencione en otra
sección de esta investigación, mis objetivos eran conseguir con la música un
trabajo relacionado con la belleza, el equilibrio y la armonía pero esta placa
discográfica me revelo un sentido más profundo y personal sobre el fin de hacer
canciones. Después de esta clase de Epifanía vivida que la forma que David
Crosby me enseño sobre la composición fue la honestidad y la transparencia.
Después de oír reiteradas veces esta obra maestra quise seguir en la misma
dirección que este autor, trate de utilizar esta canción como un espejo del corazón
y como una ventana hacia los confines recónditos de mis temores y fantasmas. Lo
más importante de estas reflexiones es enfrentar las vicisitudes de manera
desnuda y honesta.
El nombre de esta composición se titula Fantasmas en mi Corazón y es un
homenaje a David Crosby que me revelo una nueva senda artística llena de
paisajes nuevos para explorar y componer.
139
9- Análisis sobre la segunda realización musical
En esta realización musical la estructura varia con referencia a la pieza anterior,
en esta canción se incorpora una línea vocal principal y un coro de voces que
acompañan a esta línea melódica principal.
En el aspecto rítmico básicamente es el mismo patrón utilizado en la composición
anterior, aunque esta pieza está inspirada rítmicamente en la canción Otoñal de la
agrupación Charanku. Para corroborar los patrones rítmicos se presentaran las
siguientes imágenes.
Figura 4.
140
En esta imagen los primeros cuatro compases superiores corresponden al ostinato
rítmico realizado por la secuencia electrónica y principalmente es el mismo patrón
utilizado anteriormente pero tiene una variación o inclusión de dos corcheas por
compases alternado. Luego los compases inferiores pertenecen a la secuencia
rítmica de la batería que mantiene el mismo patrón pero agregando el golpe más
Grabe que en esta ocasión pertenecen al bombo en el primer tiempo y en la
segunda corchea del tiempo dos.
Figura 5.
El patrón de la sección rítmica de esta pieza musical es el mismo con el que se ha
trabajado anteriormente y no posee grandes variación a la célula rítmica de donde
emerge.
Para explicar la forma musical de la composición completa se presentara la
partitura de la pieza.
141
Figura 6.
La estructura de la canción consiste en una sección A que concierne a todo el
periodo musical instrumental desde la melodía ejecutada por las voces hasta la
inclusión de las líneas melódicas vocales. Luego la sección que incluye la línea
vocal principal corresponde a la parte B y para finalizar con la coda. La coda como
tiene un desarrollo y tiene una prolongación importante se considera como una
142
sección completa y corresponde a la parte C. el análisis de la forma seria el
siguiente: A-A’-B-B’A’-B-B’A-C.
La armonía principal se encuentra en un tono mayor, en este caso particular en el
tono de Re mayor. En la introducción tiene una variación modal ya que varía la
dominante de la tonalidad en este caso La mayor se modifica a La menor. Pero el
resto de la pieza fluctúa entre primero, cuarto y quinto grados de la tonalidad que
sería Re mayor como primer grado, Sol mayor como cuarto grado y La mayor con
su séptima menor como quinto grado y dominante de la tonalidad. En la coda final
hay una modificación del acorde dominante y se agrega una tención extra al
acorde de La mayor, el acorde utilizado es el acorde de Aadd11# sería un acorde
de La mayor con la inclusión de la nota Re#. Este acorde se conoce en la
nomenclatura de música popular como un acorde con oncena sostenida, cuando
se habla de oncena se considera a la nota que superpone al acorde pero que se
encuentra por sobre la octava ejemplo: en este caso nuestra primera nota es La o
tónica la octava de la tónica sería un La pero en un rango de tesitura más agudo,
la oncena seria la cuarta nota repetida por sobre a la octava, también se puede
visualizar a la oncena como una cuarta o la cuarta nota que se repite después de
la tónica. Estas dos notas la cuarta y la oncena son la misma pero tienen
diferencia de rango, en este caso la oncea sería un Re pero como se encuentra
sostenido sería un Re#.
143
10- Análisis sobre la exploración sonora de la
segunda pieza musical
En el proceso creativo sonoro quise plantearme la exploración sonora desde la
búsqueda de texturas digitales que aportasen al arreglo musical de
manera
importante y categórica.
El aporte de las texturas digitales entregadas por dispositivos Midi tiene como rol
principal fortalecer las secciones armónicas de la composición pero el modo en
que fueron utilizadas fue para generar tensión y espacio.
Las texturas digitales no aportan armónicamente a las progresiones de acordes
explicadas anteriormente, si no tiene como fin el crear espacios, por lo que utilice
sonidos de tormentas, simulaciones de ecos de cavernas, sonidos que
representan los trabajos de una industria etc. Mi idea principal con la utilización de
estas texturas era generar en el oyente una sensación de paisajes sonoros que
contribuyen al carácter nostálgico y desolado de esta composición.
La realización de las líneas melódicas vocales tiene como objetivo pertenecer al
grupo de las texturas sonoras. Estos episodios vocales están inspirados
principalmente en la obra de David Crosby ¨If I Could Only Remember My Names¨
y las dos últimas canciones del discos que tienen por título; Orleans y I’d Swear
There Was Somebody Here. Quería que las líneas melódicas representara la idea
de fantasmas y por esta razón decidí que fueran Distintas líneas melódicas con
duraciones rítmicas distintas pero que se complementara como un todo.
Los arreglos instrumentales fueron utilizados para otorgar a la composicion el
carácter de canción y para establecer la estructura de la obra. La guitarra acústica
144
es la encargada de dirigir la melodía principal de la canción, la melodía que
ejecuta la guitarra es fundamental ya es el eje armónico y melódico que le da
sentido a la estructura musical de la composición.
La sección rítmica básicamente se compone de la batería y de una secuencia
rítmica que simula el timbre de un Bombo Legüero. La intención de intercambiar
patrones rítmicos con distintos instrumentos fue para lograr cambios de dinámica y
para determinar el comienzo y el final de fragmentos en la forma musical
empleada en esta canción.
11- Análisis sobre la mezcla y los procesos
sonoros de la segunda muestra musical
Para el proceso de mezcla utilice como base principal e hilo conductor la guitarra
rítmica melódica que fue grabada una guitarra acústica de cuerdas de metal, la
decisión de utilizar este instrumento y este tipo de cuerdas fue porque la mayoría
de los álbumes citados en esta investigación están grabados con este tipo de
instrumento. Después de quedar cautivado por este sonido quise utilizarlo en mi
composición. La segunda base importante son las secuencias rítmicas que utilizan
ciertos patrones rítmicos de la chacarera pero que tienen un carácter sonoro
electrónico.
Antes de indagar en el proceso de mezcla es necesario explicar el método de
grabación de la obra musical. Los instrumentos acústicos como la guitarra fueron
grabados solo con un micrófono de condensador Rode NT1-A
que fue
direccionado hacia la boca (agujero de la tapa armónica) el micrófono se dispuso
145
con la distancia de diez centímetros de separación del instrumento. Las voces
también fueron grabadas con el mismo micrófono pero se empleó un anti-pop para
reducir el nivel de ciertas vocales como la P y la B. los instrumentos como la
Guitarra Eléctrica y el Bajo Eléctrico fueron conectado directamente a la interface
de audio Presonus AudioBox 44 VSL. Para lograr el sonido apropiado para esta
canción estos dos instrumentos fueron procesados con emuladores vst de
amplificadores como por ejemplo el emulador Amplitube que genera virtualmente
dispositivos que imitan el sonido de amplificadores Ampeg para bajos eléctricos y
Fender para guitarra eléctricas. El otro dispositivo vst utilizado fue el simulador de
baterías acústicas Superior Drummer de Toontrack. Los demás recursos sonoros
fueron obtenidos y manipulados por sintetizadores virtuales como Korg M1 y Korg
Legacy. Los programas dispuestos para la composición y grabación de esta
canción fueron Nuendo 4 y Reason 5.
La decisión de utilizar las herramientas que brinda el Home estudio fue para
probar principalmente que resultado podía lograr desde el punto de vista musical y
sonoro aplicando a mi composición un mecanismo de producción casero.
La tarea más importante de la mezcla era lograr que las voces que se encuentran
en la sección A de la canción tomaran el carácter sonoro que logra David Crosby
En conjunto con el ingeniero asistente en el track número nueve del álbum If I
Could Only Remenber My Name que recibe por nombre I’d Swear There Was
Somebody Here.
La forma que logre este efecto fue utilizando una técnica que se cataloga como
Reverb Post Fader y consiste en asignar un efecto en el sección de auxiliares en
el canal en que fue grabada anteriormente la voz, el efecto elegido en esta o
canción es una Reverb digital que emula espacios físicos donde se puede
146
manipular sus distintas posibilidades. Generalmente el efecto de reverb se utiliza
Pre-Feader esto significa que al deslizar el fader y manipular el plano del canal el
efecto se ajustara al canal asignado pero cuando se utiliza Post – Fader el efecto
asignado no obedece las órdenes del canal por lo tanto la sensación de espacio y
eco es significativamente mayor. Luego de aplicar la Reverb Post Fader el Fader
que controla el canal de la voz se debe anular pero sin enmudecer el canal, la
razón de esta forma de aplicación es para que la voz solo se escuche por el canal
de efecto, esta fórmula nos dará un efecto difuso y de una cierta distancia al
momento de escuchar la voz manipulada. Para un óptimo funcionamiento de esta
técnica hay que controlar de manera considerable el nivel del canal del efecto para
que nos sature y lograr el carácter sonoro deseado para este trabajo.
El resto de la mezcla sigue el mismo planteamiento de la primera obra, siempre la
melodía se sitúa en primer plano luego las secciones armónicas y rítmicas
conservan un nivel de notoriedad similar y al final ocupando un nivel espacial
pequeño pero profundo se suma las texturas musicales.
12- Análisis comparativo
El análisis comparativo es fundamental para esta investigación ya que da
evidencia del trabajo de indagación discográfico expuesto en esta investigación,
además es un relato vivencial sobre como un alumno de producción musical vive y
experimenta los procesos creativos y los asimila con los desarrollos personales y
artísticos.
147
En la primera obra el objetivo principal era demostrar el oficio de productor musical
y compositor, quería más que nada
probar que las herramientas musicales y
tecnológicas entregadas por la universidad habían dado resultado y que me sentía
preparado para enfrentar proyectos musicales que retaban mi dominio musical y
técnico.
Después de comenzar los cursos de seminario de grado me enfrente a distintas
problemáticas que me llevaron a decidir qué camino seria el correcto para
desarrollar este trabajo de pregrado. Luego de decidir el sendero autobiográfico y
concentrarme en las producciones musicales que cambiaron mi vida como
estudiante de producción musical, decidí contar mi experiencia y explicar cómo
ciertas obras musicales pueden cambiar los conceptos estéticos y personales de
un alumno de música.
La segunda obra musical nace en el proceso de investigación de pregrado y tiene
como inspiración principal la discografía expuesta en este trabajo. El significado de
la realización de esta composición es demostrar de forma musical una experiencia
de vida que fue afectada por ciertas obras de artes elaboradas en placas
discográficas. Obras como Five Leaves Left de Nick Dracke o If I Could Only
Remember My Name de David Crosby fueron ejemplares basales para componer
la segunda canción. El mensaje que aprendí después de oír estas grandes obras
de arte fue que se puede transformar experiencias personales a pasajes
musicales y tratar de relatar con melodías las experiencias más recónditas que
reserva nuestra alma.
148
13- Conclusiones del capítulo
Este trabajo ha significado un progreso personal desde varios puntos de vistas, el
primero es desde la perspectiva técnica ya que significo un esfuerzo desde el
oficio de compositor y de productor musical.
Esta labor me enseño a ser riguroso y metódico para ensamblar los elementos
musicales y sonoros. Uno de los aprendizajes más profundos con respecto a esta
área específica fue la constancia y la fe en las convicciones que se mantienen
como productor y como ente creativo.
La otra arista importante fue la de individuo enamorado de la música y de sus
procesos históricos y creativos, en esta área la investigación me obligo a caminar
hacia mis limites intelectuales y me exigió buscar y escudriñar toda la información
que podía sobre los discos y las historias de vida de los personajes implicados.
Todo este método fue de profunda importancia para fortalecer mi trabajo como
Productor y compositor ya que me suministro argumentos e ideas para forjar el
camino de la composición y la creatividad.
Para mí el plano más importante fue el crecimiento que adquirí como ser humano
que se sensibiliza ante el arte y las historias de vida de los contribuyentes. Este
vínculo con la obra y el creador fue importante para seguir el ejemplo de estos
grandes próceres inmortales que abrieron su corazón para dejarnos canciones
honestas y emocionales.
El camino que siguieron estos grandes artistas expuestos en esta investigación
será el que trate de repetir buscando mi propia travesía y de la misma forma que
estos compositores iré en la búsqueda de uno mismo para liberar a este ser
149
especial y creativo que todo ser humano posee y que tiene la necesidad de
expresarse.
Mis dos composiciones en especial la segunda
fuero resultado de esta
investigación y de las nuevas posibilidades creativas que encontré en álbumes
expuestos en esta tesis de pregrado. El resumen principal que puedo hacer de
esta experiencia es que ha sido una puerta hacia nuevos rumbos que se conectan
con paisajes ya vividos pero que necesitan ser redescubiertos para poder
capturarlos y convertirlos en música.
150
CAPÍTULO 5: CONCLUSIONES FINALES
151
1- Detalles sobre las conclusiones
La recopilación de estos discos había comenzado antes del proceso de tesis de
pre grado por lo tanto se fueron pavimentando de apoco las reflexiones e
inquietudes que se exponen en esta investigación. Desde el primer álbum de
Tracy Chapman que se menciona en este trabajo comencé a sentir primeramente
que la música resquebrajaba ciertos moldes de juicios personales.
Las primeras obras de esta investigación fueron las que me revelaron la
importancia que tiene el vínculo entre el cantautor y sus emociones, sus complejos
y cuestionamientos.
Cuando leí completamente la canción Fast Car de Tracy chapaman quede
conmovido y a la vez atónito ya que para mí en aquel entonces no era algo
cotidiano ver que el autor comentara sus problemas familiares y sus experiencias
personales en una canción. Luego de esta experiencia supe que ese era el camino
por el que quería seguir ya que inmediatamente las baladas de esta autora me
trasladaban a situaciones personales ocurridas en mi vida.
En este proceso también aprendí que un álbum puede ser una terapia para de
cierta forma convivir mejor con nuestros fantasmas, como es el caso de la placa If
I Could Remenber My Name del excelso compositor David Crosby. Este disco me
enseño que las canciones que tienen una relación personal con el autor además
de expresar los sentimientos más profundos pueden ser un puente para ser las
paces con tus propios demonios y fantasmas.
152
Durante el proceso de trabajo fui descubriendo nuevos horizontes del
conocimiento relacionados de alguna manera con mi tema de investigación,
alguno de estos temas tenían un vínculo con la estética, la historia y filosofía.
Estos conocimientos me ayudaron a crecer en términos de conocimiento pero lo
que realmente destaco de este proceso fue la disposición a cuestionarme a mí
mismo y a reflexionar sobre mis prejuicios personales. En este periodo comencé a
resquebrajar mi armadura de juicios, dictámenes, veredictos y sentencias que
tenía sobre mí y sobre lo que me rodeaba.
En esta pequeña crisis personal logre meditar sobre todos estos conceptos
establecidos que tenía en mi mente, comencé a dudar si eran realmente míos o
fueron ideas establecidas por terceros. Luego de esta vicisitud personal me
pregunte si estas convicciones tenían una relación directa conmigo y con lo forma
que ahora percibía mi personalidad y lo que me rodeaba.
Después de permanecer un tiempo considerable en este mar de cuestionamientos
extrapole estas interrogantes hacia la música y la composición y logre
establecerme en el mismo sitio de interrogantes pero en la perspectiva de la
música y así cuestionarme realmente el valor e importancia que tenía para mí la
necesidad de componer y expresarme.
Ahora en este nuevo plano tuve una profunda meditación personal para tratar de
encontrar el camino por el cual debería seguir, pero esta nueva senda solo aprecia
cuando me encontraba conmigo y cuando era honesto con mis intenciones y
deseos.
153
Logre entender que el único que podía construir mi propio camino era yo a la
medida que fuera honesto y sensible con las cosas que suceden afuera y dentro
de mí.
Estas reflexiones fueron apareciendo de manera paulatina y tuvieron mucha
relación con las historias de vida que fui conociendo al momento de revisar los
relatos de los artistas que cito en esta investigación. El conocer sus vidas me
otorgaron nuevas visiones sobre la música y el arte.
Una de las cosas que quiero destacar sobre la discografía y las elecciones de
obras que se presentan, es que de alguna u otra forma cada una de estas piezas
ofrecen algún rastro de honestidad en menor o mayor grado dependiendo el autor,
pero creo que cada una de ellas cumple con esa condición. Tal vez ese grado de
honestidad e intimidad que ofrecen estos discos fue lo que construyo un lazo entre
mi historia de vida y la de ellos.
Gracias a estas placas conseguí entender que se puede hacer música honesta y
personal en los medios de comunicación disponibles para este fin, ya que muchos
de estos ejemplares tienen relación con la industria musical y cultural pero sin
embargo lograron trasmitir sus sentimientos más íntimos y profundos.
Cada canción que puedo oír en cada uno de estos álbumes logra sumergirme en
un espacio de tiempo especial, estas obras tienen la cualidad de golpearte y
abstraerte de la cotidianidad y atraer tu atención hacia la música. Por estas
razones estas canciones no pueden ser escuchadas como música incidental o
ambiental, como la música que se otorgan en sitios como un centro comercial.
Estas obras tienen la particularidad de tomarte y dejarte en otra dimensión. De
Cierta forma es lógico que suceda esto ya que son seres humanos relatando sus
miedos, sus culpas sus momentos más nostálgicos y tristes, no hay forma de no
154
conmoverse ya que somos seres sensibles que se pueden comunicar a través de
medios como la música y el arte.
La discografía tuvo una profunda influencia en el desarrollo y forma de la segunda
obra musical que se presenta en esta investigación. Antes de este trabajo mi
visión sobre la música tenía relación directa entre la ejecución musicalmente bien
desarrollada y lo complejo que esta podría llegar a ser. Mi concepto de belleza en
este periodo estaba supeditado con la armonía de las partes más que con la
relación del músico con su expresividad.
Después de oír con mucha atención la discografía exhibida trate de acercarme
hacia los conceptos estéticos que planteaban estos próceres pero desde mi propia
mirada ya que una de las conclusiones más importantes de este trabajo es ser
creativo y personal. Lo importante es tomar las inspiraciones entregadas por estas
obras y conducirlas hacia una propia forma de componer y crear. Principalmente lo
más importante es ser creativo y buscar la creatividad en tu propio interior.
Uno de los conflictos mayores al que me enfrente en este proceso fue el tema de
la identidad. En el comienzo creí que mi identidad estaba directamente
relacionada con la geografía en donde nací y que tal vez todas las respuestas se
encontraban ahí.
Durante esa búsqueda en factores externos me sentí vacío y de alguna forma me
quería sumar a un viaje externo en el que no me sentía cómodo y honesto. Este
trabajo me ayudo a encontrar las respuesta dentro de mí, la mejor forma que
Encontré fue relacionarme con mi propia idiosincrasia que a la vez es parte de un
todo pero que en mi tiene una mirada desde otro cristal.
Creo que cada personaje de esta investigación estaba sumergido en un contexto
social y cultural al que pertenecían una gran cantidad de músicos y artistas
155
diversos pero ellos lograron dentro del colectivo en el que se encontraban hallar
un propio rumbo. La forma en que encontraron su propio rumbo musical fue
regalando al mundo parte de su intimidad en canciones que hasta el día de hoy
son hitos importantes para la música.
En este momento elegí tomar el camino que decidió tomar hace un tiempo atrás
David Crosby, Tracy Chapman y Nick Drake, tomar los elementos musicales y
desarrollarlos en una especie de terapia para poder convivir y relacionarme de
forma más amigable con mis fantasmas y con mi pasado.
A través de la honestidad pude ver como la nostalgia, la soledad, la melancolía se
puede conectar con la misma nostalgia, soledad y melancolía que sentían estos
compositores. Pareciera que los álbumes son cartas sin receptor fijo que son
enviadas para los que son capaces de sensibilizarse con las canciones.
Las canciones son una especie de comunicación entre el autor y el oyente que las
recibe, las obras de arte son enviadas hacia el espacio tiempo para ser recibidas
por alguien que sea capaz de abrir su corazón y recibir una composición, un
extracto de la vida de alguien. Es muy lógico pensar que somos seres humanos
dialogando con otros seres humanos que tal vez por temas de tiempo o geografía
no se puedan conocer pero que a través de los álbumes se comparte un poco de
ellos con algo de nosotros y que juntos formamos un camino propio y personal
sensibilizándonos con la musical.
156
2- Resumen de las conclusiones de la discografía
La etapa investigativa de la discografía fue un viaje donde cada estación
entregaba y aportaba a mi conciencia musical un sinfín de conocimientos y
sensaciones. También esta fase fue una escalera donde cada peldaño me
brindaba herramientas para avanzar al siguiente con la finalidad de ascender al
final de la escalera con mayor capacidad de criterio.
La fase inicial donde se encuentra el álbum de Tracy Chapman es el periodo con
mayores sorpresas ya que es el comienzo de esta investigación. En álbum
Homónimo de la autora Americana descubrí esta necesidad de avanzar en los
terrenos del estudio discográfico para tener una mayor capacidad de conocimiento
y argumentos en mi desarrollo como futuro Productor Musical.
Las obras discográficas de Ray Lamontagne, Damien Rice, Son Volt y Scott
Matthews fueron un puente para conectarme con el folk actual y el folk
desarrollado en la década de los sesenta y setenta.
La fase de puente fue muy importante porque logro brindarme las inquietudes
necesarias para explorar en las raíces del estilo musical, tal vez sin este periodo
un hubiese llegado a los cimientos del Folk Rock como Nick Drake, Neil Young y
Van Morrison.
La tercera etapa fue el tramo de apertura estética y conexión personal entre las
obras y mi vida. Aquí en este periodo destaco artistas como James Taylor, Joni
Mitchell, Simon and Garfunkel y David Crosby. Este fue el siclo de la investigación
Donde las inquietudes más profundas con relación a la música y al compromiso
que tiene el artista con su obra. La maravillosa obra de arte If I Could Only
157
Remember My Names del excelso autor David Crosby fue capaz de remover todos
mis cimientos musicales, estéticos y personales, abriéndome la puerta a un sinfín
de posibilidades como compositor y creativo musical.
3- Resumen de las reflexiones de las obras
musicales
Las reflexiones que quedaron después del proceso de composición y realización
de las piezas musicales son básicamente análisis sobre procesos de creación
relacionado con una discografía que significo una expansión de mis horizontes
estéticos.
Fue muy importante para mi proceso creativo relacionarme de forma profunda con
esta discografía escogida ya que abrió nuevos senderos artísticos en mi
conciencia musical. Este proceso me enseño que se puede lograr grandes
avances musicales, artísticos y personales cuando uno se dispone con paciencia y
dedicación a una experiencia de apertura musical y artística.
Estas reflexiones están dedicadas principalmente a David Crosby ya que fue el
compositor y músico que tuvo una relevancia musical y artística inconmensurable
para mi desarrollo como estudiante y amante de la música. Este músico me
enseño que la sinceridad es la herramienta más poderosa para conectar al
Compositor con el receptor y al mismo conectarse él con la música y sus
sentimientos.
Las intenciones de esta tesis de pre grado solo pretenden ser un testimonio
genuino y honesto. En esta investigación quise relatar un proceso como ser
158
humano y como estudiante de producción musical en el cual fui afectado
emocional y personalmente por la música y sus infinitas formas de trastocar las
vidas de los seres humanos.
4- Análisis sobre el acontecer musical actual
Considero que la escena musical actual tanto nacional como internacionalmente
se encuentra en una especie de neblina creativa donde no aparece claramente un
movimiento musical con una importancia realmente creativa llevando el estandarte
de una generación que se encuentra suspendida en los hilos de corrientes
musicales y artísticas del pasado.
El actuar de los jóvenes que se encuentran creando música se basa generalmente
en el redescubrimiento de movimientos del pasado que no fueron directamente
tomados en cuenta por el Mainstream (Corriente Cultural Principal) para
removerlos un poco y generar desde esa simiente una obra con rasgos personales
y particulares.
Aunque en este mismo crisol existen otros artistas que prefieren no remover nada
y solo deciden aplicar una grabación con tecnologías actuales a sus creaciones
musicales.
Personalmente creo que en la actualidad no existe una corriente musical que sea
la bandera de la juventud como lo fue en algún momento el Rock and Roll, La
Psicodelia, el Punk o el Rap. Considero que vivimos en una era musical donde
conviven
muchos
movimientos
paralelamente
en
el
devenir
musical.
Generalmente esta gran red de tendencia no trae muchas sorpresas creativas, se
159
comporta de una forma lineal y predecible donde el objetivo principal es tomar las
herramientas estéticas del pasado y registrarlas con las tecnologías musicales
actuales para poder editar y trabajar mejor la edición con la meta de tener un
resultado excesivamente prefecto desde el prisma técnico pero dejando de lado la
expresividad, la personalidad, la honestidad y la creatividad.
5- Reflexiones sobre la forma de oír una pieza
musical
Esta reflexión nace a partir de la experiencia vivida con el análisis de la discografía
y el viaje que significo involucrarse con los álbumes y las canciones expuestas en
este estudio. Principalmente esta investigación me supedito a considerar un
tiempo y momento especial para oír con una conciencia dispuesta lo que estas
obras musicales me ofrecían.
El oír que se manifiesta en esta investigación no obedece a una forma de oír
música de forma casual y como un agregado sonoro para acompañar prácticas
cotidianas del diario vivir. Esta tesis propone una especie de rito musical en la cual
el oyente disponga el tiempo exclusivamente para atender y sentir lo que las obras
de arte musical entregan al auditor.
Siguiendo la premisa del rito, se plantea que este es el método necesario para
empaparse de un universo de sensaciones sonoras que atraviesan los oídos y se
distribuye como un sismo a través de todo el cuerpo. La forma que sugiere esta
investigación es encontrar un momento del día y apartarlo para iniciar una sesión
musical. Se pretende con esta investigación considerar el oír música en una
160
habitación o en un lugar cómodo para emular el mismo respeto que se tiene al
asistir a un concierto o espectáculo musical en vivo. La comodidad del hogar
brinda el silencio necesario para entrar en una especie de transe sonoro, donde la
percepción de nuestros oídos se dispone naturalmente al acontecer sonoro.
La razón crucial de esta fórmula, método o rito se debe a que es la única forma en
la que se puede estar dispuesto para experimentar realmente el viaje profundo y
personal al que nos invitan obras como If Only I Could Remember My Names de
David Crosby o Five Leaves Left de Nick Drake es cuando un oyente se encuentra
preparado y dispuesto para oír música. Estas obras de artes son capases de
afectar y ampliar nuestra conciencia musical cuando se está dispuesto de manera
relajada y distendido.
Recuerdo que estas dos obras discográficas nombradas fueron vividas de esta
forma, entendiendo que es un proceso y que un álbum puede demorarse días,
semanas, meses y hasta años para ser comprendido y digerido. Con solo el fin de
querer compartir mi experiencia me gustaría invitar a los amantes de la música a
sumergirse en esta aventura tan profunda y reveladora que puede ser el oír
música.
6- Reflexiones sobre el concepto canción
Técnicamente la canción en términos de estructura y forma tiene sus orígenes en
el género Lirico que a su vez es parte del género literario donde el autor expresa
sentimientos, emociones y sensaciones relacionados con un sujeto, objeto de
inspiración. Tiene este nombre debido a que en la antigua Grecia los versos,
161
poemas o prosas se cantaban con un la Lira (instrumento musical) la forma más
habitual de este género es el verso en primera persona.
Personalmente considero que la canción como tal es la unión de varias disciplinas
artísticas que buscan expresión, tal vez los dos grandes géneros que involucran la
forma canción son la poesía y la música. De manera especulativa me atrevería a
declarar que en ciertas circunstancias la música es insuficiente para que el autor
pueda traducir las sensaciones que se albergan dentro de su alma y su cabeza. La
canción seria la unificación de las frecuencias girando en el espacio configuradas
según las necesidades del compositor más el poder que tienen las palabras sobre
el raciocinio humano, esto para generar una fusión de palabras y versos
organizadas a través de alturas musicales que viajan en forma de frecuencia y
estremecen el cuerpo y la razón humana.
La canción tiene un poder incalculable ya que en manos de un compositor
sensible por su contexto personal puede ser un arma, un lamento, una plegaria
que se trasmite a través del tiempo espacio para llegar a los oídos de un receptor
dispuesto a traducir el mensaje con su corazón y su razón.
La canción es un resultado mágico y perfecto de ciertas disciplinas musicales que
se unifican para afectar a un individuo de forma sensitiva en intelectual al mismo
momento y de manera poderosa, en ocasiones estas experiencias suelen ser una
especie epifanía con efectos reveladores sobre una conciencia que se expande y
crece para hallar nuevos horizontes de conocimiento y sensaciones.
162
TRABAJOS CITADOS
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Melos.
163