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The Beatles fue una banda inglesa de rock que se formó en Liverpool en
1960. Durante su carrera se convirtieron en una de las más exitosas y
críticamente aclamadas en la historia de la música popular.[2] Desde 1962
estuvo integrada por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul
McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y
Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque en sus inicios tocaban skiffle y rock
and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con
distintos géneros musicales, interpretando desde el folk rock hasta el rock
psicodélico. La naturaleza de su enorme popularidad, que fue denominada
por primera vez como la «Beatlemanía», transformó sus composiciones, al
tiempo que las mismas crecieron en complejidad. Llegaron a ser percibidos
como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia
en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.
Con una formación inicial de cinco elementos que incluía a Lennon,
McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería),
construyeron su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo en un
período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en
1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos
como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su
mánager, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del
productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a
finales de 1962 con su primer sencillo, «Love Me Do». A partir de ahí,
fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes
años, en los cuales hicieron un extenso número de giras hasta 1966, año
en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente al estudio
de grabación hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes
se embarcaron en exitosas carreras independientes. McCartney y Starr
permanecen activos, Lennon fue asesinado a tiros en 1980, y Harrison
murió de cáncer en 2001.
Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales,
incluyendo el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), considerado
por muchos como una obra maestra. Cuatro décadas después de su
separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen
como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más
álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical.[3] De
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acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los
Estados Unidos que cualquier otro artista.[4] En 2008, la revista Billboard
publicó una lista de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot
100 con motivo del 50 aniversario de la lista de éxitos,[5] y The Beatles
fueron colocados en el número uno. Fueron galardonados con siete
premios Grammy,[6] y recibieron quince premios Ivor Novello de la
Academia Británica de Compositores y Cantautores.[7] En 2004, la revista
Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los «50 artistas
más grandes de todos los tiempos.»[8] De acuerdo con la misma
publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural
ayudaron a definir los años sesenta.[9]
Contenido
[ocultar]
* 1 Historia
o 1.1 Formación y primeros años
o 1.2 Beatlemanía y años de gira (1963–66)
+ 1.2.1 Popularidad en el Reino Unido, Please Please Me y With
The Beatles
+ 1.2.2 Conquista de los Estados Unidos
+ 1.2.3 A Hard Day's Night, Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul
o 1.3 Controversia, años finales y separación (1966-1970)
+ 1.3.1 Incidentes que condujeron a la última gira
+ 1.3.2 Revolver y el Sgt. Pepper's
+ 1.3.3 Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow
Submarine
+ 1.3.4 El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación
o 1.4 Después de la separación
* 2 Estilo musical y evolución
o 2.1 Influencias
o 2.2 Géneros
o 2.3 Contribución de George Martin
o 2.4 Trabajo en el estudio
* 3 Legado
* 4 Premios y reconocimientos
* 5 Discografía oficial
o 5.1 Álbumes de estudio británicos
o 5.2 Lanzamientos en CD
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o 5.3 Música digital
* 6 Catálogo de canciones
* 7 Véase también
* 8 Referencias
* 9 Enlaces externos
Historia
Formación y primeros años
A los dieciséis años de edad, el cantante y guitarrista John Lennon creó el
grupo de estilo skiffle The Quarrymen junto con algunos compañeros del
colegio, en marzo de 1957.[1] Poco tiempo después, en julio del mismo
año, Paul McCartney, que por entonces tenía quince años, conoció a
Lennon y se unió como guitarrista.[10] Este último invitó a su amigo George
Harrison en febrero del año siguiente, el cual, con catorce años, se unió
como el guitarrista líder de la formación.[11] [12] En 1960, los compañeros
de colegio de Lennon abandonaron la agrupación para ingresar en la
Escuela de Artes de Liverpool, haciendo que Lennon y McCartney se
encargaran de tocar la guitarra rítmica, aunque les hacía falta alguien que
tocase la batería.[13] En enero de 1960, un amigo de Lennon, Stuart
Sutcliffe, se unió como bajista y sugirió cambiar el nombre de la banda a
«The Beetles» (escarabajos) como homenaje a Buddy Holly y The Crickets
(«Los grillos»). En los primeros meses del año cambiaron el nombre a «The
Beetles».[14] [15] Después de probar otros nombres como «Johnny and the
Moondogs», «Long John and The Beetles» y «The Silver Beatles», en
agosto, se decantaron por «The Beatles».[16] La falta de un baterista oficial
se tornó un problema cuando el mánager, Allan Williams, les reservó una
actuación en Hamburgo, Alemania.[17] A finales de agosto contrataron al
batería Pete Best.[18] El quinteto viajó a Hamburgo cuatro días después de
ser contratados por Bruno Koschmider, dueño de varios clubes en aquella
ciudad, la cual por esos días no contaba con clubes de rock and roll, al
contrario de los de striptease, que sí existían, según cuenta el biógrafo
Philip Norman.
«Bruno tenía la idea de llevar grupos de rock para que tocasen en varios
clubs. Tenían esa fórmula, un enorme espectáculo sin pausas (nonstop),
hora tras hora, en el que un montón de gente se apresuraba a entrar y otro
a salir, mientras las bandas tocaban continuamente para atraer al tránsito
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de peatones. En una zona de prostíbulos estadounidense lo habrían
llamado striptease nonstop.
Muchas de las agrupaciones musicales que tocaban en Hamburgo
provenían de Liverpool [...] fue uno de estos accidentes casuales, Bruno
marchó hacia Londres en busca de bandas, pero conoció a un empresario
de Liverpool en Soho que estaba ahí por pura casualidad y se las arregló
para enviar algunos grupos.»[19]
El Indra Club en 2007. Fue el primer club donde actuaron The Beatles a su
llegada a Hamburgo, Alemania, en 1960.
En agosto de 1960 y con tan sólo diecisiete años, Harrison obtuvo el
permiso de residencia en Hamburgo, aunque para ello mintió sobre su
verdadera edad.[20] En un principio les asignaron el Indra Club para actuar,
pero Koschmider los trasladó al Kaiserkeller en octubre del mismo año
debido a que el Indra fue clausurado por las constantes quejas del ruido
que ocasionaba.[21] Poco tiempo después aceptaron la oferta de actuar en
el Top Ten Club, rompiendo así el contrato que tenían con Koschmider, el
cual por despecho informó a las autoridades de la verdadera edad de
Harrison, lo que condujo a su deportación en noviembre.[22] [23] Una
semana más tarde, McCartney y Best fueron deportados también por
ocasionar un incendio cuando le prendieron fuego a un preservativo
colgado de un clavo en su habitación.[24] Lennon regresó a Liverpool a
mediados de diciembre, mientras que Sutcliffe permaneció en Hamburgo
con su novia alemana, Astrid Kirchherr, durante otro mes. Kirchherr les hizo
sus primeras fotos profesionales y diseñó el corte de pelo de Sutcliffe, que
tiempo más tarde fue adoptado por el resto de ellos.[25] [26]
Durante los próximos dos años residieron por períodos sucesivos en
Hamburgo, usando Preludin para ser más creativos y mantenerse con más
energía en sus actuaciones nocturnas.[27] Sutcliffe decidió dejar la
formación a principios de 1961 y reanudó sus estudios de arte en
Alemania, de modo que McCartney se vio obligado a tocar el bajo.[26] [28]
[29] El productor alemán Bert Kaempfert contrató al cuarteto como extras
de soporte al cantante Tony Sheridan en una serie de grabaciones.[30]
Acreditado a «Tony Sheridan and The Beat Brothers», el sencillo «My
Bonnie», grabado en junio y lanzado cuatro meses después, alcanzó el
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número 32 en la lista Musikmarkt.[31] [32] En Liverpool, al regresar de
Hamburgo, fueron cada vez más conocidos. Durante una de sus frecuentes
apariciones en el Cavern Club conocieron a Brian Epstein, dueño de una
tienda de discos local y columnista de música.[33] Cuando nombraron a
Epstein su mánager en enero de 1962, Kaempfert acordó liberarlos del
contrato discográfico alemán. Después de que Decca Records los
rechazase comentando que «Los grupos de guitarra están en pleno
declive, señor Epstein», el productor George Martin les firmó un contrato
con el sello Parlophone de EMI.[34] [35] [36] Cuando regresaron a
Hamburgo en abril recibieron un trágica noticia. Allí mismo, reunidos en el
aeropuerto: Kirchherr, mostrándose muy afectada, les informó de que
Sutcliffe había muerto a causa de una hemorragia cerebral.[37] [38]
Entrada principal de los Estudios EMI, actualmente conocidos como
Estudios Abbey Road.
Tuvieron su primera sesión de grabación en Londres, bajo la dirección de
Martin en los Estudios EMI (actualmente Estudios Abbey Road) en junio de
1962. A Martin no le convenció la habilidad con la que tocaba la batería
Pete Best, sugiriéndole privadamente a Epstein que lo cambiasen por un
batería de sesión en el estudio.[39] Finalmente, Best fue remplazado por
Ringo Starr. Starr, que dejó a Rory Storm and the Hurricanes para unirse a
The Beatles, ya había actuado con ellos en algunas ocasiones, sobre todo
cuando Best estaba enfermo.[40] Sin embargo, Martin ya había contratado
al batería de sesión Andy White para la siguiente sesión de grabación,[41]
y White tocó la batería en «Love Me Do» y «P.S. I Love You». Lanzado en
octubre, «Love Me Do» alcanzó el número diecisiete en la listas del Reino
Unido.[42] Posteriormente, en el mes de noviembre comenzaron a grabar
lo que sería su segundo sencillo, «Please Please Me». Hicieron su debut
en la televisión con una actuación en directo del programa regional People
and Places.[43]
Concluyeron su última temporada de Hamburgo en diciembre de 1962.[19]
En ese momento acordaron que los cuatro contribuirían como vocalistas,
aunque el rango restringido de Starr hizo que rara vez fuese el líder
vocal.[44] Al comprobar que aumentaban el éxito del grupo, Lennon y
McCartney establecieron una asociación para componer canciones,
dándole muy pocas oportunidades a Harrison de ser el vocalista.[45]
Epstein, sintiendo el potencial comercial que tenían, los alentó a que
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adoptasen una actitud más profesional. Lennon repitió lo que el mánager
les dijo: «Miren, si ustedes realmente desean conseguir uno de esos
lugares grandes, van a tener que cambiar, dejar de comer en el escenario,
dejar de maldecir, dejar de fumar.»[46] Lennon dijo: «Solíamos vestir como
nos gustaba, dentro y fuera del escenario. Se nos decía que los vaqueros
no eran especialmente elegantes y que deberíamos considerar la
posibilidad de usar pantalones más adecuados. Él nos dejó tener nuestro
propio sentido de individualidad [...] tuvimos que elegir entre obedecerle o
dejar de comer pollo en el escenario.»[46]
Beatlemanía y años de gira (1963–66)
Popularidad en el Reino Unido, Please Please Me y With The Beatles
Artículo principal: Beatlemania en el Reino Unido
McCartney, Harrison, la cantante sueca Lill-Babs y Lennon en el programa
de televisión sueco Drop-In, el 30 de octubre de 1963.[47]
A raíz del moderado éxito de «Love Me Do», «Please Please Me» recibió
una acogida más enfática, alcanzando el número dos en el UK Singles
Chart en enero de 1963 después de su lanzamiento. Martin originalmente
tenía previsto que el disco debut de The Beatles fuese un LP «tipo en vivo
en el Cavern Club.» Finalmente esta idea fue cambiada,[48] y se eligió
crear un álbum tipo de una sola sesión en los Estudios EMI (posteriormente
renombrados Abbey Road). Diez canciones fueron grabadas para Please
Please Me, acompañadas en el álbum por los cuatro temas que ya habían
sido publicados en los dos sencillos.[48] Recordando la «urgencia que
tenían por publicar su álbum debut, y como Please Please Me se hizo en
un solo día», una revisión de Allmusic comentaba: «Décadas después de
su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente a causa de
su origen tan peculiar.»[49] Lennon dijo que creía que a la vez las
canciones fueron muy poco maduras, él y McCartney estaban
«simplemente escribiendo canciones a la Everly Brothers, al estilo de
Buddy Holly, canciones pop, sin tener en mente crear un sonido especial. Y
las palabras eran casi irrelevantes.»[50]
Lanzado en marzo de 1963, el álbum alcanzó el número uno en las listas
británicas. El tercer sencillo que publicaron, «From Me to You», fue lanzado
en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese
momento inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos
lanzados por The Beatles, que alcanzaron el número uno en las listas
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británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis
años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, «She
Loves You», alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el
Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en
menos de cuatro semanas.[51] Se convirtió en su primer sencillo en vender
un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta
1978, cuando fue superada por «Mull of Kintyre», interpretada por
McCartney y su grupo posterior a la separación de The Beatles Wings.[52]
La popularidad de su música les proporcionó una creciente atención de la
prensa, a la que ellos respondieron con una descarada e irreverente
actitud, que acabó por apartarse de los rasgos característicos de las figuras
más importantes de la música pop y que, inclusive, inspiró mayores
intereses.[53] [54]
Logotipo de The Beatles con la T alargada hacia abajo, enfatizando la
palabra «beat».
El icónico logotipo de The Beatles conocido como el «drop-T» también hizo
su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez en el frente bajo de
la batería de Starr, que Epstein y Starr compraron en una tienda de
Londres.[55] [56] Durante la primera mitad del año llevaron a cabo tres
giras en el Reino Unido: una de cuatro semanas que comenzó en febrero y
otras dos de tres semanas durante marzo y mayo-junio. A medida que su
popularidad se extendió, apareció una adulación desenfrenada hacia ellos,
también llamada «Beatlemanía». Aunque no se anunciaron como los
cabecillas de gira, los otros artistas que participaron fueron Tommy Roe,
Chris Montez y Roy Orbison, artistas estadounidenses que habían
establecido una gran popularidad en el Reino Unido.[57] Las actuaciones
en todas partes, tanto en la gira como en los espectáculos fuera del Reino
Unido, fueron recibidas con un entusiasmo desenfrenado por los fanáticos
que no paraban de gritar.[58] La policía se vio obligada a usar agua a alta
presión con mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo
debates en el Parlamento sobre los miles de policías que ponían en riesgo
sus vidas para protegerlos.[59] A finales de octubre, una gira de cinco días
en Suecia, se convirtió en la primera visita que hicieron al extranjero desde
sus días en Hamburgo.[60] De regreso al Reino Unido fueron recibidos en
el aeropuerto de Heathrow bajo una intensa lluvia por miles de fanáticos.
Además asistieron cincuenta periodistas y fotógrafos y un equipo de
cámaras de la BBC Television.[61] Al día siguiente, The Beatles
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comenzaron otra gira por el Reino Unido, prevista para seis semanas. Pero
en esta ocasión, fueron, indiscutiblemente, el grupo principal.[57]
Please Please Me estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo
en esa posición durante treinta semanas, sólo para ser desplazado por
With The Beatles, que se colocó en el primer lugar durante veintiún
semanas. Haciendo mayor uso de las técnicas de producción que usaron
en el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. With The
Beatles es descrito por Allmusic como «una secuela del más alto nivel que
mejora en lo original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición
de situaciones más intensas.»[62] En un cambio de lo que hasta entonces
había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre
antes del inminente sencillo «I Want To Hold Your Hand», excluyendo a
esta última con el fin de maximizar las ventas del sencillo homónimo.[63]
With The Beatles llamó la atención del crítico musical de The Times William
Mann, que fue tan lejos como para sugerir que Lennon y McCartney eran
«los compositores ingleses más destacados de 1963.»[63] El periódico
publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció un análisis detallado
de la música de The Beatles, lo cual les otorgó una mayor
respetabilidad.[64] With The Beatles se convirtió en el segundo álbum en la
historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra
previamente alcanzada sólo por la banda sonora de 1958 South Pacific.[65]
Conquista de los Estados Unidos
Artículo principal: The Beatles en los Estados Unidos
Véase también: Invasión británica
The Beatles al arribar en el aeropuerto JFK (Nueva York), el 7 de febrero
de 1964.
Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se
retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de
EMI, se negó a lanzar los sencillos «Please Please Me» y «From Me to
You».[66] Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos
llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de
regalías y las burlas hacia el peinado «moptop» de los integrantes
plantearon nuevos obstáculos.[67] [68] Una vez que Capitol comenzó a
emitir el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su
configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes
álbumes, y emitieron canciones en sencillos de su preferencia.[69] El éxito
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definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la
Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público
norteamericano, lo que llevó a Capitol a lanzar «I Want to Hold Your Hand»
en diciembre de 1963.[70] El primer viaje que realizaron a Estados Unidos
estaba preparado para unas semanas después.
Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro
mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar
cuando la aeronave despegó.[71] «I Want to Hold Your Hand» había
vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos
semanas anteriores, pero aun sentían cierta incertidumbre sobre el
recibimiento que tendrían a su llegada.[72] Al llegar al recién rebautizado
Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra
multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.[73] Su
primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The
Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por
aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la
población del país de ese entonces—.[74] [75] A la mañana siguiente un
periódico escribió que The Beatles «no podían llevar la misma musiquilla
cruzando el Atlántico»,[76] pero un día después de su presentación debut
en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el
Washington Coliseum.[77] De vuelta a Nueva York el día siguiente, se
presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una
semana aparecieron en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de
regresar al Reino Unido el 22 de febrero.[78] Durante la semana del 4 de
abril habían logrado situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100,
incluyendo los cinco primeros lugares.[79] Esa misma semana, un tercer
LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación.
Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de
álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la
denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas
formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados
Unidos después de la llegada de The Beatles.[80] [81] El peinado del
cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de
escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema
cultural de la juventud floreciente.[82]
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McCartney, Harrison, Jimmy Nicol y Lennon actuando en Holanda el 5 de
junio de 1964. Nicol remplazó a Starr durante la mitad de la gíra, debido a
que este último enfermó.
A mediados de 1964 realizaron una gira internacional en la que
programaron treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares
de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda,
y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo.[83] [84] Starr se
encontró enfermo durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el
encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a
visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés
ciudades.[85] Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira
atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin
embargo, su música apenas era audible.[85] El sistema de amplificación de
ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos de la
actualidad, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían
dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los
gritos de los fans. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran
conocer los detalles de sus actuaciones, comenzaron a aburrirse de los
conciertos y las giras.[86]
Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob
Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su
suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis.[87] El
historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural
de esta reunión, ya que los respectivos fans de los músicos eran
«percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados»: El
público general de Dylan eran c«hicos de la universidad con inclinaciones
artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo
ligeramente bohemio» en contraste con la audiencia de The Beatles que
eran unos «verdaderos 'adolescentes'—chicos de secundaria o primaria,
que cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura
popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda
adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas.» Seis
meses después de la reunión «Lennon estaría haciendo grabaciones en
donde imitaba el tono nasal de Dylan, de rasgueo frágil, y su personalidad
vocal era introspectiva.» Dentro de un año, Dylan «procedería, con la
ayuda de otras cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster,
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a sacudir las bases del folk que se hizo auténtico y permanente en él»; «las
diferencias entre el folk y el rock estaban casi condensadas»; y la audiencia
de The Beatles «mostraba signos de crecimiento.»[88]
A Hard Day's Night, Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul
La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante
1963 no pasó desapercibida por la competencia, de manera que United
Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un
contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo
discográfico con ellos.[89] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night
los envolvió durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de
1964 para el rodaje de la película.[90] El estrenó tuvo lugar en Londres y
Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito
internacional.[91] Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien
recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las
películas más célebres de la historia en su género.[92] Según Allmusic, la
banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese
como u«na verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares
de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante,
alegre y original, llena de sonidos de guitarras.»[93] Este «sonido de
guitarra» fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de
12 cuerdas Rickenbacker.[94]
Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio
conflicto entre el comercialismo y la creatividad.[95] Grabado entre agosto y
octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato
establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP,
éste incluía únicamente composiciones originales de ellos.[95]
Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por
todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en
vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de
estudio.[95] Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones
originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material
producido por la asociación Lennon-McCartney.[95]
En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en
casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en
sus cafés.[96] Posteriormente, ambos músicos experimentaron
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deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una
ocasión.[97] McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero
finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar
públicamente sobre ello.[98] La controversia surgió en junio de 1965,
cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del
Imperio Británico (MBE). Los propuso el Primer Ministro Harold Wilson, el
que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de
Liverpool.[99] El nombramiento —en ese tiempo concedido
fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que
algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.[100]
Fotograma del tráiler estadounidense de Help!, película estrenada
oficialmente en julio de 1965. En él aparecen (desde el primer plano hacia
atrás) John Lennon, Paul McCartney y George Harrison.
La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester,
fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como «una parodia
de las películas de James Bond»,[101] el filme fue recibido tibiamente por
la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: «Help! era estupenda,
pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas
invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película,
estuvo un poco errada.»[101] Su banda sonora, el quinto álbum de estudio
de la agrupación, contenía otra vez una mezcla de material original y
versiones, pero con más énfasis en Lennon como cantante y compositor,
incluyendo los dos sencillos lanzados extraídos del álbum: «Help!» y
«Ticket to Ride».[102] En Help! se les vio con una mayor utilización de
doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus
arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada
«Yesterday».[103] Compuesta por McCartney, «Yesterday» posee el
récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.[104]
La pista de cierre del LP, «Dizzy Miss Lizzy», se convirtió en el último tema
que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción de Let It Be,
que contenía la canción popular tradicional de Liverpool «Maggie Mae»,
todos sus discos posteriores incluyeron sólo material original.[105]
El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el
concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55.600
personas.[106] Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de
Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de
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agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.[107] En
la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e
intercambiaron anécdotas personales.[108] En septiembre de 1965 se
estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles,
transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como
protagonistas. La serie hacía eco del humor de la película A Hard Day's
Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron
apareciendo durante dos años más, hasta 1969.[109]
Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica
como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.[110] El
biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul,
The Beatles «recuperaron la dirección que habían comenzado a perder
durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale.»[111]
Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica
con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de un sitar en
«Norwegian Wood (This Bird Has Flown)» marcó un avance más allá de los
límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que
Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus
composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían
compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena
expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo
de preocupaciones en sus canciones.[110] Como sus letras se hicieron
más ingeniosas, los fans comenzaron a estudiarlas para encontrar su
verdadero significado. Se especuló que «Norwegian Wood» podría referirse
al cannabis.[112] En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul
en el puesto número 5 de «los 500 mejores álbumes de todos los
tiempos,»[113] y el álbum es descrito por Allmusic como «uno de los discos
clásicos en el género musical de folk rock.»[1] De acuerdo con Lennon y
McCartney, sin embargo, este fue «sólo un álbum más».[114] El ingeniero
Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían
durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que «el
enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente» y «en lo
que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien.»[115]
Controversia, años finales y separación (1966-1970)
Incidentes que condujeron a la última gira
The Beatles arrivando en Tokio, en junio de 1966. Su concierto en el
Budokan fue uno de los últimos del grupo.
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En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and Today, una compilación
creada por Capitol Records para el mercado estadounidense. El álbum
causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros
rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una
popular, aunque apócrifa historia, fue que la portada se entiende como
respuesta al modo que empleó Capitol en masacrar sus álbumes.[116]
Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó,
decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original
sin censura fue subastada en 10.500 dólares en diciembre de 2005.[117]
Durante un viaje a Filipinas, un mes después de que saliera a la venta
Yesterday and Today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio
Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos.[118]
Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en
nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar las
invitaciones oficiales.[119] The Beatles se dieron cuenta pronto de que el
régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un «no» por
respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa
de los disturbios que se habían ocasionado.[120]
Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se
encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y
conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había
hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica
Maureen Cleave,[121] opinó que la religión cristiana estaba por entonces
en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares
que Jesucristo.[122] [123] El comentario pasó prácticamente desapercibido
en Inglaterra, pero cuando en Estados Unidos la revista Datebook publicó
lo sucedido, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del
sur de Estados Unidos.[124] Al mismo tiempo, ocasionó también que en
Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The
Beatles, acta que se extendió hasta 1971.[125] Epstein criticó públicamente
a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera
de contexto.[126] Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente
por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de
agosto de 1966.[126]
Revolver y el Sgt. Pepper's
✎ ESCRIBE.
Rubber Soul suponía un gran paso hacia adelante en la música de The
Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su
última gira, significó otro paso más hacia adelante para el grupo.[127]
Pitchfork lo identifica como «el sonido de una banda creciendo con
suprema confianza» y «la redefinición de lo que cabía esperar de la música
popular.»[53] En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un
repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores
arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.[127] Abandonando la
típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —
diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en
Hamburgo— consistió ahora en un «collage artístico en blanco y negro que
tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo
de Aubrey Beardsley.»[127] El álbum fue precedido por el sencillo
«Paperback Writer», con «Rain» en la cara B del disco. The Beatles
rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están
considerados «entre los primeros videos musicales filmados en aquella
época»,[128] y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y
The Ed Sullivan Show.[129] [130]
Uno de los temas más experimentales de Revolver fue «Tomorrow Never
Knows», cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A
Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la
creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por
el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o
un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del
bucle de una cinta.[131] «Eleanor Rigby», de McCartney, contiene un uso
prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito
como «un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo
o género concreto en la canción.»[132] Harrison se estaba desarrollando
como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el
álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como «el tercer mejor
álbum de todos los tiempos.»[113] En la gira que siguió en Estados Unidos,
The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.[133] The
Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el
Candlestick Park de San Francisco.[134] Marcó el final de un período de
cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1.400 apariciones
en conciertos a nivel internacional.[135]
✎ ESCRIBE.
Inscripción a la entrada del parque Strawberry Fields, lugar que inspiraría
una de sus más afamadas canciones; 2002.
En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los
estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a
grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick
recordó: «The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que
ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de
los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos
unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para
variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos
cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al
revés.»[136] Algunas partes de «A Day in the Life» requirieron una
orquesta de cuarenta personas.[136] Cerca de 700 horas de tiempo de
estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo de doble
lado A «Strawberry Fields Forever»/«Penny Lane» en febrero de 1967, el
Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones
musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas,
asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The
Beatles.[137] Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de
una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile,
el oír «Strawberry Fields» fue un duro golpe y pronto abandonó todos los
intentos de competir con The Beatles.[138] [139] El Sgt. Peppers recibió la
aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el
mejor álbum de todos los tiempos,[113] y es ampliamente considerado
como una obra maestra.[140] Jonathan Gould lo describe como
«un rico, prolongado, y desbordante trabajo de una colaboración genial
cuya ambición audaz y sorprendente originalidad ensancha notablemente
las posibilidades y aumenta las expectativas de la experiencia de escuchar
la música popular en lo que podría ser historia. Sobre la base de esta
percepción, el Sgt. Pepper se convirtió en el catalizador de una explosión
de gran entusiasmo por el formato utilizado en un álbum de rock, que iba a
revolucionar tanto la estética y la economía de la industria discográfica de
manera que sobrepasa las anteriores explosiones pop provocadas por el
fenómeno de Elvis de 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía de
1963.»[140]
✎ ESCRIBE.
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más
famoso por su portada en la historia de la música popular.[141] Fue uno de
los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su
funda.[142] Esas letras fueron objeto de intenso análisis, los fans
especularon, por ejemplo, que el «célebre Señor K.» en «Being for the
Benefit of Mr. Kite!» de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista
Franz Kafka.[143] El crítico literario norteamericano y profesor de inglés
Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que
señalaba que sus estudiantes estaban «escuchando la música del cuarteto
con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, sólo
podía envidiarles.»[143] McCartney dijo en una vez: «Nosotros escribimos
canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana
alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] tú pones tu
propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones.»[143] La
sorprendentemente buena elaboración de la portada del Sgt. Pepper's
ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella.[144] Los bigotes
que en esta época llevaban se convirtieron rápidamente en un sello
distintivo del estilo hippie.[145] El historiador cultural Jonathan Harris
describió «el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares»
usados por The Beatles en el disco como una visualización de su
manifestación anti autoritaria y anti sistema.[146]
El 25 de junio transmitieron su más reciente sencillo, «All You Need Is
Love», a los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer
programa transmitido vía satélite para todo el mundo.[147] Su aparición en
medio del verano del amor hizo que la adoptasen como himno del flower
power.[148] [149] Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su
carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi,
viajaron a Bangor, Gales para retirarse de la meditación trascendental.
Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para
informarles de que Epstein había muerto.[150] El médico forense dictaminó
que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental, pero en
general se rumorea que se descubrió una nota de suicidio entre sus
bienes.[151] Epstein había estado en un estado emocional frágil, tanto por
cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con
The Beatles.[152] Le preocupaba que no hubiesen renovado su contrato de
gestión, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con
su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas
✎ ESCRIBE.
sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización
de The Beatles en los Estados Unidos.[151] La muerte de Epstein los dejó
desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: «No
tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa
que tocar música y tenía miedo.»[153] Recapitulando, comprendió que la
muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: «Sabía que
estábamos en apuros [...] entonces pensé, estamos jodidos a partir de este
momento.»[154]
Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine
Magical Mystery Tour, la banda sonora de una inesperada película para
televisión preparada por The Beatles, apareció como un doble EP de seis
temas a principios de diciembre de 1967.[155] En los Estados Unidos las
seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el
que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic
opina sobre el Magical Mystery Tour americano: «El sonido psicodélico de
este disco está muy a la par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más
acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de
sonido de 'I Am The Walrus')», y califica a sus cinco canciones extraídas de
los sencillos que publicaron en 1967 como «enormes, gloriosas, e
innovadoras.»[156] El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras
tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de
cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después
fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The
Beatles.[157] Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical
Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera
crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos
despreciativos hacia su filme. Fue llamada «una indudable basura» por el
Daily Express, que la describió como «una sucesión de imágenes sin editar
mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y
viajando todo el tiempo en él.»[158] Sin embargo, el Daily Mail la calificó
como «un proyecto vanidoso», mientras que The Guardian la calificó como
«una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la
estupidez de la audiencia.»[158] Le fue tan rotundamente mal que pudo
haber sido cancelada en los Estados Unidos en ese momento.[159] En
enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una
versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación
que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias
✎ ESCRIBE.
grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue
bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su
música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó
la banda sonora de la película.
The Beatles fue lanzado en 1968, popularmente conocido como el Álbum
Blanco por su portada blanca con solo el nombre del grupo.
Entre tanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP
popularmente conocido como el White Album —Álbum Blanco— debido a
su funda totalmente blanca. La inspiración creativa para este trabajo llegó
de un lugar inesperado, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein,
regresaron con Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú.[160] En su
ashram en Rishikesh, India, la impartición de un «curso-guía» de tres
meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí
un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta
grabadas para el álbum.[161] Starr se marchó después de diez días de
estancia, haciendo comparación del lugar con un campamento familiar de
verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus
compañeros en aquel lugar y se fue un mes después.[162] Para Lennon y
Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis
Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el
Maharishi estaba tratando de manipularles.[160] Después de que Mardas
alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias
asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a
Harrison y al resto de la comitiva consigo.[162] En su ira, Lennon escribió
una canción llamada «Maharishi», pero luego la modificó para evitar una
demanda legal, convirtiéndola en la canción «Sexy Sadie.»[160] McCartney
dijo: «Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el
Maharishi de lo que realmente había.»[160]
Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron
desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y
los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo
que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en
varios temas.[163] El romance de Lennon con la artista vanguardista Yōko
Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el
interés en escribir canciones con McCartney.[164] Desobedeciendo el
✎ ESCRIBE.
acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio,
Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación
que no le agradaba a Harrison.[165] También era cada vez más despectivo
con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como
«autor de música para abuelitas», calificando la canción «Ob-La-Di, Ob-LaDa» como «música-basura para abuelitas.»[166] Recordando las sesiones
del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la
historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento,
diciendo: «Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo
mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por
un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando
nos disolvimos.»[167] McCartney también recordó que las sesiones
marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: «Hasta ese momento, el
mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos», lo cual siempre
había sido «la mejor cosa de The Beatles.»[168] Publicado en noviembre,
el White Album fue el primer disco que Apple Records les editó. La etiqueta
consistía en una empresa de Apple Corps, formada por el grupo a su
regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una
estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a
pagar.[169] El álbum atrajo más de dos millones de pedidos anticipados,
vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco
más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio
estadounidenses.[170] A pesar de su popularidad, no recibió comentarios
halagadores en su época. Según Jonathan Gould,
«La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En
intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo
un género de crítica erudita de rock, el White Album no inspiró literatura
crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...]
claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones.
Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó
de exceso de ironía soterrada.»[170]
La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White
Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor
álbum de todos los tiempos.[113] Pitchfork describe el álbum como
«grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...]
sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes.»[171]
Allmusic señala: «Claramente, las dos fuerzas compositoras de The
✎ ESCRIBE.
Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban
George y Ringo»; a pesar de todo «Lennon crea una de sus dos mejores
baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes», es
visible que Harrison se ha convertido en «un compositor que merecía una
demostración más amplia» y la composición de Starr «es un placer».[172]
Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando
un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon «Revolution» se había
publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su
mensaje parecía claro: «libera tu mente» y «no cuentes conmigo» de
plática alguna sobre la destrucción como medio para un fin.[173] En un año
caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia
hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.[174]
Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, «Revolution 1»,
añadía una palabra extra: «count me out... in» (traducible por: «no cuentes
conmigo..., cuenta conmigo»), lo que implicaba un cambio de ideas desde
la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la
ambigua versión del álbum se había grabado antes, pero algunos creyeron
que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar
de todo, justificable.[175]
El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía
sólo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya
aparecida en Revolver; una canción de Magical Mystery Tour; y siete
piezas instrumentales compuestas por George Martin. Debido a la escasez
de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que
quizás el álbum «no fuese esencial», salvo por el tema «It's All Too Much»
de Harrison, «la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un
mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra
fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia
reinante.»[176]
El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación
Artículo principal: Separación de The Beatles
Edificio de Apple en el nº 3 de Savile Row (2007, aprox.), lugar donde se
realizó el famoso «concierto en la azotea» durante las sesiones de Let It
Be.
✎ ESCRIBE.
Aunque Let it Be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su
contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get
Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney:
preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto,
grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.[177] En
este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio,
muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director
Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el
proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, «no eran en absoluto
una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los
miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo.»[177] Agravado
por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los
ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que
participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue
acreditado en el sencillo «Get Back», el único músico en recibir tal
reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la
localización para realizar el concierto, quedaron estancados, rechazando,
entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y
el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a
cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3
de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[177]
El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones
posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get Back, mientras que
ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de
nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al
no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon
estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The
Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical
británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John
Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el
12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y
Ono).[178] No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos
fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se
perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.[178]
Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le
pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back
✎ ESCRIBE.
habían sido —según el productor— «una experiencia desagradable» y que
había «pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se
habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como
para las demás personas.»[179] Las sesiones de grabación de Abbey Road
iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto
por Martin de «una obra musical continua», y quería que sus propias
canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.[179]
El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la
segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por
McCartney.[179] El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el
álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en
solitario: «Give Peace a Chance» de Lennon, acreditado a la Plastic Ono
Band. La complementación de «I Want You (She's So Heavy)», de Abbey
Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron
juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el
20 de septiembre de 1969; pero se llegó a un acuerdo por el cual no se
haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos
legales pendientes que tenía profesionalmente con sus compañeros.
Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road
vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del
Reino Unido durante once semanas.[180] Su segunda pista, la balada
«Something», se publicó también como sencillo, la primera y única
composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de
The Beatles.[181] Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el
medley se llevó el aplauso general.[182] Allmusic considera que es «un
oportuno canto de cisnes por el grupo» con «algunas de los mejores
armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock.»[183]
MacDonald lo llamó «errático y, a menudo hueco»: «Si no hubiera sido por
la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road
carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca
mejor de lo que es.»[184] Martin lo colocó como su favorito entre todos los
álbumes que ellos habían producido; Lennon dijo que era «competente»,
pero «no tenía vida en él», llamando a «Maxwell's Silver Hammer» «más
de la música de abuela de Paul.»[185] [186] El ingeniero de grabación
Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de
audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con
✎ ESCRIBE.
menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la
falta de efecto.[187]
El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, «I
Me Mine», de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había
participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.[188] Para
completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas
de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector.
Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido
recientemente el sencillo en solitario de Lennon «Instant Karma!». Además
de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y
sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido
como grabaciones «en vivo». McCartney estaba insatisfecho con el
tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la
orquestación en «The Long and Winding Road», que involucró a un
conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas
instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum
en la versión de Phil Spector.[189] Finalmente, McCartney anunció
públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana
antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las
primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa
con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y su esperanza
cara al futuro.[190]
El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, producido por Spector. El sencillo
que lo acompañaba, «The Long and Winding Road», fue su última
publicación en los Estados Unidos, pero no en Gran Bretaña. El
documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de
los Óscares del siguiente año ganó el Óscar a la mejor banda sonora
(mejor adaptación musical) de 1970 por la canción «Let It Be».[191] The
Sunday Telegraph la calificó como «una película muy mala, pero al mismo
tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila,
geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de
compañeros.»[192] Más de una reseña crítica había comentado que
algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio
álbum.[192] Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles
que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo
describió como «en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en
✎ ESCRIBE.
particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo gospel 'Let It Be', que
contiene alguna de sus mejores letras; 'Get Back', uno de sus temas más
roqueros; y la melódica 'The Long and Winding Road', arruinada por la
sobreproducción de Spector.»[193] McCartney presentó una demanda para
la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.[194] Las disputas
legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de
la asociación no surtiría efecto hasta 1975.[195] [196]
Después de la separación
1971-1980
Poco antes y después de su separación oficial, cada uno de ellos publicó
álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían
contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el
único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos,
aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su
conciencia sociopolítica al arreglar el concierto para Bangladesh en la
ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro del sitar Ravi
Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país,
devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la
población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma
de ciclón. Aparte de un inédito jam session de 1974 (aparecida después en
el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más
volvieron a grabar juntos.[197]
Paul McCartney en 1976 durante un concierto con su banda post-Beatles
Wings.
En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de
The Beatles compilados por Allen Klein, 1962-1966 y 1967-1970.[198]
Comúnmente conocidos como el Álbum Rojo y Álbum Azul,
respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un disco multiplatino en los Estados Unidos y una certificación de platino en el Reino
Unido.[199] [200] Entre 1976 y 1982, EMI y Capitol lanzaron una oleada de
álbumes recopilatorios de The Beatles sin la participación de ellos. El único
de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood
Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles
durante sus giras de 1964 y 1965 en los Estados Unidos. Todos estos
discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial Capitol-EMI —
✎ ESCRIBE.
incluyendo The Beatles at Hollywood Bowl— al reeditarse la discografía
original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.[201]
La fama y música de The Beatles fueron explotadas comercialmente de
diferentes maneras, fuera del control creativo de sus cuatro miembros. En
1977 se inauguró un musical en Broadway llamado Beatlemania. Era una
revista nostálgica interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles y
que gozó de una gran popularidad, de manera que se sonsacó de ella
cinco producciones por separado para sus correspondientes giras
mundiales.[202] [203] En 1977 The Beatles trataron infructuosamente de
evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg,
Germany; 1962. Esta edición independiente contenía grabaciones que
realizaron durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico
de grabación y un solo micrófono.[204] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club
Band (1978), una película musical protagonizada, entre otros, por los Bee
Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y artístico.[205] En 1979,
los cuatro músicos demandaron a los productores del musical Beatlemania,
llegando a pedir varios millones de dólares de indemnización. «La gente
creía que la música de The Beatles era del dominio público», dijo Harrison.
«No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles.»[203]
1981-1990
Véase también: Muerte de John Lennon
John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las
22:49 h. de la noche, de cinco disparos hechos por Mark David Chapman a
la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la
ciudad de Nueva York.[206] Como tributo personal, George Harrison
reescribió la letra de su canción «All Those Years Ago», un tema que
versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había
empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney
y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción
fue publicada como sencillo en mayo de 1981.[207] En 1982, Paul
McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo personal a
Lennon en la canción «Here Today».
✎ ESCRIBE.
En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and
Roll durante su primer año de elegibilidad,[208] a la que asistieron Harrison
y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yōko Ono, y sus dos hijos, Julian y
Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa
diciendo: «Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas
diferencias de negocios que yo hubiera deseado que ya hubieran sido
resueltas para este momento. Desafortunadamente, no lo han sido, por lo
que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con
ellos en una falsa reunión.»[209] [210] El año siguiente, EMI/Capitol puso
fin a una demanda de diez años de duración que tenía con The Beatles
referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar
comercialmente material inédito.[211] [212]
1991-2000
Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas
de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año,
McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la
culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 60 por Neil
Aspinall.[213] Primero road manager y después asistente personal de The
Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después
de haber llegado a director de Apple Corps en 1968.[213] The Long and
Winding Road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento
sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que,
como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 90, estuvo en
condiciones de completar su trabajo.[213] Documentando la historia de The
Beatles relatada por los propios miembros, el proyecto vio surgir algunas
de sus grabaciones inéditas; McCartney, Harrison y Starr añadieron
también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas
por Lennon a finales de la década de 1970.[214] Durante 1995 y 1996, el
proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes
destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho
volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes doble
contenedores de material musical mayormente inédito o remezclado.
Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y
tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por
sus ex miembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon,
«Free as a Bird» y «Real Love», fueron lanzadas cada una como
✎ ESCRIBE.
sencillo.[213] El diseño artístico de la portada tríptica de los álbumes
musicales fue obra de Klaus Voorman, creador de la portada del álbum
Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de
televisión fue vista por una estimada audiencia de 400 millones de
personas en todo el mundo.[213]
2001-Presente
El 13 de noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que
contenía todos los números uno británicos y estadounidenses de The
Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los
tiempos, con 3.6 millones de unidades vendidas en su primera semana y
más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número uno en
las listas de al menos 28 países, incluyendo el Reino Unido y los Estados
Unidos.[215] Hasta abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a
nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en los Estados
Unidos.[216] [217]
Harrison murió de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001.[218]
[219] McCartney y Starr dos de los músicos que aparecieron en el Concert
for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El
homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la
muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The
Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una
celebración de la música tradicional hindú, en la cual Harrison tuvo interés,
y con la que estuvo ampliamente influido.[220] En 2003 se lanzó Let It Be...
Naked, una versión remodelada del álbum original Let It Be con la
producción supervisada de McCartney, y que recibió reseñas diversas por
parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en el Reino Unido como en los
Estados Unidos.
Logo del proyecto Love del Cirque du Soleil, un espectáculo basado en la
música e imágen de The Beatles iniciado en 2006.
Como banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil en Las
Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130
grabaciones de la banda para crear «una manera de revivir toda la vida
musical de The Beatles en un periodo muy condensado de tiempo.»[221] El
espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum Love en
✎ ESCRIBE.
noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del
espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el
programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yōko Ono y
Olivia Harrison.[222] Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que
McCartney esperaba completar «Now and Then», una tercera maqueta de
Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería
acreditada como «una composición de Lennon/McCartney» con la adición
de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de
Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la
guitarra.[223]
En marzo de 2008 los abogados de The Beatles hicieron una demanda
para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas
durante la primera aparición de Starr con el grupo en el Star-Club de
Hamburgo en 1962.[224] En noviembre, McCartney habló de su esperanza
de que «Carnival of Light», una grabación experimental de 14 minutos de
The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967,
recibiera una versión oficial.[225] El 4 de abril de 2009, McCartney
encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la
Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás
invitados.[226]
El 9 de septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock Band, un
videojuego basado en las canciones de The Beatles,[227] al igual que las
versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del
grupo, más Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters,
presentada en sus versiones monoaural (por tiempo limitado) y
estereofónica.[228]
Estilo musical y evolución
Véase también: Lennon/McCartney
En Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music
Forever, Scott Schinder y Andy Schwartz hablaron sobre la evolución
musical de The Beatles:
«En su encarnación inicial, los Fab Four revolucionaron el sonido, estilo y
actitud de la música popular y abrieron las puertas del rock and roll a toda
una ola de sucesos de rock británico. Su impacto inicial hubiera sido
suficiente para establecer a The Beatles como una de las fuerzas culturales
✎ ESCRIBE.
con mayor influencia de su época, pero no se detuvieron allí. Aunque su
estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como
el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960
expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos
territorios musicales en cada versión. Su más sofisticada experimentación
fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk-rock,
country, psicodelia, pop y barroco, sin sacrificar el atractivo esfuerzo de sus
primeros trabajos.»[229]
En The Beatles as Musicians, Walter Everett señaló el contraste que había
entre Lennon y McCartney respecto a sus motivaciones y enfoques al
componer: «McCartney se puede decir que estaba en desarrollo
constante—como un medio de entretenimiento—un centrado talento
musical con un oído de contrapunto y otros aspectos de la artesanía,
demostrando un lenguaje común del que hizo mucho para enriquecer y
ajustarlo universalmente. Por el contrario la música madura de Lennon es
apreciada como el producto de una gran audacia inconsciente, buscando,
pero de forma indisciplinada, la sensibilidad artística.»[230]
Ian MacDonald hizo una comparación de los dos compositores en
Revolution in the Head, describe a McCartney como «un compositor por
naturaleza—un creador de melodías capaces de existir separadamente de
su armonía.» Sus líneas melódicas se caracterizan principalmente como
«verticales», empleando todo, intervalos disonantes que reflejan su
«extrovertida energía y optimismo.» A la inversa, «el sedentarismo y la
personalidad irónica» de Lennon se refleja en un enfoque «horizontal»,
intervalos disonantes y repetitivas melodías que se fían de su armonía para
sacar un mayor provecho: «Básicamente un realista, él por instinto
mantiene sus melodías cerradas para los ritmos y el progreso de su
lenguaje, colorando sus letras con un tono de blues y una armonía que
crea melodías sorprendentes hechas por su propia cuenta.»[231]
MacDonald alabó al papel de guitarra solista de Harrison por su trabajo en
«líneas de calidad y texturas colorantes» tocando como soporte en las
partes de Lennon y McCartney, y describe a Starr como «el padre de la
batería en el pop/rock moderno [...] Su estilo, que parece estar ligeramente
detrás del ritmo, es sutilmente impulsado por The Beatles, su afinación trajo
los últimos fundamentos dentro del sonido de la batería, y su distintiva
✎ ESCRIBE.
excentricidad seguirá permaneciendo entre lo más memorable de la música
popular.»[232]
Influencias
Las primeras influencias las obtuvieron de músicos como Elvis Presley,
Little Richard y Chuck Berry, entre otros, cuyas canciones solían interpretar
en numerosas ocasiones en sus actuaciones en vivo.[233] Durante su coresidencia con Little Richard en el Star Club de Hamburgo en abril de 1962,
Richard les enseñó técnicas para mejorar sus canciones.[234] Sobre
Presley, Lennon dijo: «Nada me había influenciado tanto hasta que
escuche la música de Elvis. Si no hubiera existido Elvis, The Beatles
tampoco hubieran existido.»[235] Otras influencias de The Beatles en sus
principios incluyen también a Buddy Holly, Eddie Cochran, Carl Perkins,
Roy Orbison,[236] y The Everly Brothers.[237] [238] The Beatles
continuaron recibiendo influencias a lo largo de su carrera musical, sobre
todo de artistas contemporáneos, incluyendo a Bob Dylan, Frank Zappa,
The Byrds y The Beach Boys, cuyo álbum de 1966, Pet Sounds, dejó
sorprendido e inspirado a McCartney.[239] [240] Martin declaró: S«in Pet
Sounds, el Sgt. Pepper no habría ocurrido [...] Sgt. Pepper fue un intento de
igualar el nivel de Pet Sounds.»[241]
Géneros
The Beatles utilizaron pequeños amplificadores Vox en sus conciertos. Esta
fotografía de 2005 muestra un bajo Höfner en forma de violín y una guitarra
Gretsch, modelos utilizados por McCartney y Harrison respectivamente.
Originalmente comenzaron como grupo de estilo skiffle,[242] pero pronto se
embarcaron en el rock and roll genuino de los años 50.[243] Conforme
pasó el tiempo, su repertorio se fue ampliando hasta incluir una extensa
variedad de música pop. Como reflejo de la variedad de estilos que
exploraron, Lennon dijo sobre Beatles for Sale: «Tú podrías llamar a
nuestra nueva creación LP regional y occidental»,[244] mientras que
Allmusic los acreditó, y en particular a Rubber Soul, como una de las
principales influencias en la evolución del folk rock.[1] Comenzando con el
uso de un cuarteto de cuerdas en «Yesterday» del álbum Help!,
incorporaron también elementos de música clásica. Sin embargo, tal y
como Jonathan Gould señala, este «no fue ni remotamente el primer disco
pop en hacer uso prominente de cuerdas—aunque sí fue la primera
grabación de The Beatles en hacerlo [...] más bien, ocurrió que el sonido
✎ ESCRIBE.
tradicional de las cuerdas permitió una nueva apreciación de su talento
como compositores por aquellos oyentes que en cierto modo, sentían
alergia al estruendo de las baterías y las guitarras eléctricas.»[245] Hicieron
uso de las cuerdas para crear distintos efectos. En «She's Leaving Home»,
por ejemplo, grabada para el Sgt. Pepper, Gould escribe que «está
construida en el molde de una balada sentimental victoriana, sus palabras y
la música se rellenan con los clichés del melodrama musical.»[246]
El rango estilístico que promulgaban se expandió en otra dirección en
1966, con el lado B del sencillo «Paperback Writer»: «Rain», descrita por
Martin Strong en The Great Rock Discography como «la primera grabación
abiertamente psicodélica de The Beatles».[247] Le siguieron otras obras
psicodélicas, tales como «Tomorrow Never Knows» (grabada antes de
«Rain»), «Strawberry Fields Forever», «Lucy in the Sky with Diamonds», y
«I Am the Walrus». La influencia de la música clásica india fue evidente en
canciones de Harrison como «Love You To» y «Within You Without You»,
cuya intención, escribe Gould, era «reproducir los esquemas del raga en
miniatura.»[248] En resumen de su evolución musical, el historiador
musical y pianista Michael Campbell identifica a la innovación como su
característica más llamativa, escribiendo que: «'A Day in the Life' resume el
arte y el éxito de The Beatles de forma única. Se destacan las principales
características de su música: el sonido de la imaginación, la persistencia de
la melodía armoniosa, y la estrecha coordinación entre las palabras y la
música. Representa una nueva categoría de canción—más sofisticada que
el pop, más accesible y práctica que el pop, y única e innovadora. Hay en
ella, literalmente, lo que nunca antes había sido una canción—clásica o
vernácula—que había mezclado tantos elementos dispares de una manera
tan imaginativa.»[249] El teórico musical Bruce Ellis Benson está de
acuerdo con la opinión de Campbell: «Los compositores pueden ser
capaces de crear nuevos ritmos y progresiones de acordes, pero
generalmente son improvisaciones de ritmos y progresiones de acordes
comunes. The Beatles [...] nos dan un ejemplo maravilloso de cómo
influencias tan remotas como la música celta, rhythm and blues, y el
country y western, podrían ser combinadas de un nuevo modo.»[250]
En The Songwriting Secrets of The Beatles, (Los secretos de los Beatles
escribiendo canciones) Dominic Pedler destacó también la importancia del
modo en que combinaron los géneros: «Uno de los más grandes logros de
✎ ESCRIBE.
The Beatles fue el malabarismo compositivo que desempeñaron durante la
mayor parte de su carrera. Lejos de mudarse de un género a otro de
manera secuencial (como a veces se sugiere a conveniencia), mantuvieron
en paralelo su maestría con los éxitos tradicionales, pegadizos, a la vez
que forjaban rock y se deleitaban con un amplio espectro de influencias
periféricas, que abarcaba desde el country hasta el vodevil. Uno de estos
hilos fue su adaptación de la música folk, que constituiría un trabajo tan
esencial como base para sus posteriores colisiones con la música y
filosofía india.»[251] Como las relaciones personales entre los miembros
eran cada vez más tensas, sus influencias individuales se hicieron más
evidentes. La portada minimalista para el White Album contrasta con la
complejidad y diversidad de su música, que abarca «Revolution 9» de John
Lennon, cuya perspectiva de música concreta fue influenciada por Yoko
Ono, la canción country de Starr «Don't Pass Me By»; la balada rock de
Harrison «While My Guitar Gently Weeps» y el «rugido proto-metal» de
«Helter Skelter» de McCartney.[172