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El contenido y recomendaciones de éste reporte especial son para propósitos de
información únicamente.
Latin Music Wire S.A. de R.L. se deslinda de cualquier responsabilidad por el mal uso de la
información contenida en éste libro.
©2012, Todos Los Derechos Reservados. Es ilegal copiar, distribuir o crear obras
derivativas de éste libro.
Así que mucho cuidadito con andarme copiando, ¿Eh? ;)
… Bueno, basta de rollos y sermones aburridos… Acompáñame en éste excitante viaje por
el mundo de la Industria Musical.
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Si tomas la píldora azul, la historia termina, te levantarás en tu cama y
creerás en cualquier cosa que quieras creer. Si tomas la píldora roja, te
quedarás en el País de las Maravillas y te enseñaré qué tan profundo es
la madriguera del conejo.
Morfeo – The Matrix
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Sinceramente:
Koly Siller
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Tabla de Contenidos
Intro: La Píldora Roja de la Música........................................................... 5
Las 6 Etapas de la Industria Musical A Través de Su Historia................... 8
Etapa 1 – El Nacimiento de la Industria Musical………………………………….. 9
Etapa 2 – La Original Industria Musical………………………………………………. 11
Etapa 3 – Época Corporativa………………………………………………………….….. 15
Etapa 4 – La Era de la Música Digital……………………………………………….…. 21
Etapa 5 – La Música Digital se Monetiza………………………………………….... 25
Etapa 6 – El Amanecer de la Comunicación Artista/Fan…………………….. 29
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Intro: La Píldora Roja de la Música
La industria musical como la conocemos es relativamente nueva y no tiene más de 100
años.
Pero aún y con lo poco de su existencia, ésta particular y fascinante industria ha sufrido
cambios monumentales en tan corto espacio de tiempo, y la mayoría de esos cambios han
sido a causa de la tecnología.
Bueno… ¿y por qué debe importarme a mí la historia de la industria musical? Te escucho
preguntar.
Fácil: Si tocas en una banda, eres cantante solista, eres mánager de artistas, eres
promotor musical o trabajas en un estudio de grabación, entonces eres dueño de un
Negocio Musical.
Por lo tanto, te guste o no, los acontecimientos históricos que se han venido dando en la
industria musical desde sus inicios hasta el día de hoy, afectan de manera significativa el
grado de éxito que tendrás con tu música y con tu Negocio Musical.
Lo menos que podrías hacer para realizar un cambio en tu dirección como artista
o empresario de la música es conocer qué ha sucedido en 100 años de industria musical y
de qué manera cabes tú en ese espacio de tiempo.
Por favor, sé sincero(a) conmigo; ¿Has alcanzado últimamente tus metas y objetivos con
tu música?
Si has realizado un enorme esfuerzo con tal de sacar a flote tu carrera musical tocando
puertas aquí y allá y aun así sientes que tu música navega a la deriva, entonces éste
reportaje te responderá el por qué y ofrecerá las respuestas que buscas.
En ésta serie de textos yo sostengo 3 cosas fundamentales:
1).- La historia de la industria musical está dividida en 6 etapas fundamentales (El
Pasado):
Si queremos comprender qué está sucediendo con la música hoy en día y qué es lo que
mueve a la industria musical en primer lugar, necesitamos conocer lo que ha sucedido en
cada una de las diferentes etapas de la industria musical. Más aún, debemos entender
cómo nos afectan éstos cambios históricos en nuestras carreras musicales.
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2).- Tu Música Nunca Será Famosa... En la Industria Musical Actual (El Presente):
Lo que tenemos hoy en día es una vieja industria musical del año de los dinosaurios, que
poco a poco está muriendo y que no ofrece oportunidad alguna para músicos y artistas
como tú y yo, por esa razón, es una pérdida de tu valioso tiempo, tu dinero y tu esfuerzo
el enfocar tus energías en ganar la atención de grandes empresas de entretenimiento, con
la idea errónea de que ellas te ayudarán a impulsar tu carrera musical.
Simplemente, las casas disqueras, las televisoras, la radio y las agencias promotoras y de
representación actuales ya no pueden ayudarte con tu música y poco a poco están
quedándose en el pasado.
¿Aun crees que la carencia de éxito con tu música se debe a la falta de apoyo de éstas
empresas?
Respóndete a ti mismo, ¿Por qué querrías subirte a un barco que se encuentra
actualmente a la deriva y a punto de sumergirse?
3).- La Fórmula del Éxito... En la Nueva Industria Musical (El Futuro):
Desde hace unos 15 años, se ha venido gestando una nueva industria musical basada en la
tecnología y en los cambios de hábitos de los consumidores; dicha nueva industria ofrece
enormes oportunidades de éxito a los artistas independientes (Y para ello, existen
cientos de casos de éxito)
Pero de igual manera, para triunfar en esa nueva industria musical, requieres de un
modelo diferente de desarrollo artístico al que estás acostumbrado a llevar a cabo.
Necesitas conocer cuáles son los elementos clave de ese modelo, si tener éxito es lo que
deseas; y aplicarlos a tu carrera musical.
Porque después de todo, nadie te ha enseñado hasta ahora la mejor manera de manejar
tu grupo y carrera musical. Es más, lo que estás haciendo con tu música probablemente lo
has hecho emulando a tus artistas y cantantes favoritos. Pero temo decirte que ese viejo
modelo no te es útil a tus propósitos.
Y para ello, quiero ofrecerte un nuevo modelo de desarrollo artístico basado en la
conexión Artista/Fan; un modelo que hemos venido desarrollando, aplicando y probando
desde hace años y que hemos emulado de cantantes solistas y bandas independientes
exitosos de todo tipo de géneros; desde el Heavy Metal, pasando por el Pop, ritmos
urbanos como el Rap y el Hip Hop y los grupos versátiles, hasta los grupos de música
norteña y cumbia.
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Si viste la popular película de Matrix, quizás
recordarás la escena en la que Morfeo
ofrece a Neo dos píldoras, una azul,
representando la negativa del personaje a
conocer la verdad y continuar con la
conformidad de su vida, mientras que la
píldora roja representa la verdad incómoda.
Mi responsabilidad el día de hoy es ofrecerte precisamente esa píldora roja, para que
conozcas la verdad acerca de la industria musical actual y utilices esa información para
beneficio de tu música y el éxito de tu carrera musical.
Si tomas la píldora azul, entonces puedes dejar de lado éste texto y volver al cuarto de
ensayo con tus colegas, a quebrarte la cabeza sobre cómo seguir tocando las puertas de
las disqueras, agencias de representación y agencias promotoras
otoras musicales, sin que
ninguna de ellas se abran.
Si tomas la píldora roja:
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Conocerás qué está pasando realmente con las empresas de entretenimiento y por
qué no pueden ayudarte aunque consigas un contrato con ellas.
Conocerás cómo y por qué la Vieja IIndustria
ndustria Musical está muriendo frente a
nuestros ojos y por qué tu música nunca será famosa.
Conocerás que existe una Nueva Industria Musical que se está gestando frente a
nosotros; una que ofrece enormes oportunidades a artistas, músicos y bandas
independientes
ientes como tú y por qué nadie está aprovechando éste importante
cambio.
Conocerás una alternativa para alcanzar el éxito en tu carrera musical; un mayor y
más grande éxito que los artistas de casa disquera grande.
Créeme, es posible tener una carrer
carrera fructífera dentro de la música de manera
independiente y sin la necesidad de recurrir a tocar puertas que nunca se aabrirán
brirán de las
casas disqueras y otras empresas de la vieja industria musical
musical.
Fans que adoren tu música; giras extensas y conciertos masivos
masivos;; ingresos de dinero que te
permitan vivir de manera cómoda y continuar con tu carrera musical. Todo es posible hoy
en día en ésta Nueva Industria Musical. Sólo necesitas saber el qué y cómo.
¿Cuál de las dos píldoras has decidido tomar?, ¿La A
Azul?, ¿La Roja?
¿Estás Listo?
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Las 6 Etapas de la Industria Musical A Través de
Su Historia.
La historia de la industria musical se puede resumir en 6 etapas diferentes. Cada etapa
aparente, pero diferentes en cuanto a los procesos que se dieron en los cambios de los
hábitos de consumo de la música por parte de las audiencias.
Por favor, toma muy en cuenta eso último que acabas de leer; los hábitos de consumo de
los fans, puesto que el entender éste concepto te ayudará a comprender mucho de los
cambios que en la industria musical se han desarrollado y por qué estamos donde
estamos.
Otro punto clave que siempre deberás tomar en cuenta a lo largo de la lectura de éste
reporte especial es el concepto de distribución o diseminación musical, puesto que un
pequeño cambio tecnológico ha sido la clave de los cambios tan tumultuosos que hoy en
día afectan el grado de éxito que tu música tendrá.
Un punto interesante para recordar es que lo que nosotros conocemos como “industria
musical”, ha estado basada alrededor de la música popular, o música pop (les guste a unos
y a otros no), refiriéndonos a la música que está pensada para alcanzar a un gran número
de personas posible. Ésta popularidad está medida por actividades de ventas, para bien o
para mal, y reflejado en los charts más importantes como Billboard.
Pero no te preocupes, dentro de ésta tipificación de la industria musical van incluidos la
mayoría de los géneros que del pop y el rock se derivan, desde lo más brutal del Heavy
Metal, pasando por ritmos urbanos como el rap y el hip-hop, hasta géneros más rurales
como el country y la cumbia en cualquiera de sus variedades.
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Etapa 1 – El Nacimiento de la Industria Musical
En los días anteriores a la música grabada, la industria musical era un animal diferente.
La industria estaba centrada alrededor de la música en papel, o partituras, como nosotros
la conocemos, lo cual era la manera en cómo la música se diseminaba en aquel tiempo al
público.
Por lo tanto, la única manera en la que tú podrías escuchar música era comprando las
partituras y tocándolas en tu casa ya fuese con el piano o el arpa, los dos instrumentos
más populares de esa época, por lo que originalmente, la industria musical promovía la
canción, no al artista.
Imagínate que en aquella época, la música era una actividad familiar muy bella en la que
los hermanos, padres, tíos, primos y abuelos (Por lo general gente de clases medias a
clases altas) se reunían en las tardes para escuchar a algunos de los miembros proficientes
en la ejecución de alguno de los instrumentos citados.
No existía otra forma de tener una experiencia con la música que no fuera en vivo. ¿Cómo
iba a haberla? Si no existían aparatos electrónicos ni formatos de reproducción que
hiciesen esto posible.
Aunque la industria musical realmente comenzó en el siglo 18, para finales del siglo 19, el
centro de ésta industria se encontraba en el distrito de Tin Pan Alley, en Nueva York, en
las oficinas de las compañías editoras de esa época que agrupaban a los compositores que
producían música en papel para el consumo de sus clientes, mayoritariamente músicos.
Cuando los Player Pianos salieron al mercado, las compañías editoras crearon un sistema
que ahora llamamos “promoción” para tener sus canciones incluidas en los rollos de los
player pianos, un mecanismo que hacía que los pianos se tocaran por si solos. Hoy en día,
esos pianos siguen existiendo, aunque claro, con un mecanismo digital basado en Linux o
Windows para la auto-ejecución de las canciones.
El punto es que la Promoción como actividad pronto se convirtió en una parte esencial de
la industria musical.
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Nueva tecnología empuja el negocio
Las nuevas tecnologías para la distribución de la música cambiaron el enfoque de la
industria de la canción al artista.
El primer tocadiscos, el gramófono, se introdujo en 1890 y por primera vez en la vida de
las personas, ahora era posible consumir y disfrutar de la música a conveniencia sin la
necesidad de tener a alguien que supiera leer partituras.
En los años 20’s se introdujo la radio, y la distribución musical creció rápidamente
haciendo que canciones y artistas populares se expandieran en el consciente de las
audiencias de manera rápida. Cabe destacar que para 1920, también aparecieron las
primeras películas con sonido, lo cual fue otra forma de diseminación musical.
En 1932, se abrió la primera tienda musical, la George Song Shop en Johnstown, PA y para
1941, se abrió la que sería la primera tienda en cadena, la Tower Records.
Durante éste período, empresarios de todo el mundo comenzaron a reconocer las
oportunidades de la industria musical, mientras que 200 casas disqueras se crearon en
USA y las tiendas de discos comenzaron a abrir en cada pueblo.
Millones de personas de una sola generación vivieron los cambios tecnológicos que en tan
pocos años trajeron nuevos formatos de diseminación musical como el vinyl, la tienda de
discos y los medios y sistemas promocionales, como la radio y las películas.
Si hay un dato importante que necesitas saber sobre ésta época, es el siguiente: en los
inicios de las empresas dedicadas a la industria musical, sus principales negocios eran la
venta de aparatos reproductores, por lo que la música era tan sólo un aliciente contenido
en un formato físico (el disco) que promocionaba la venta del aparato electrónico. Años
después, estas mismas empresas cambiaron su enfoque y comenzaron a dedicarse a la
creación de ídolos y estrellas de rock.
Resulta increíble pensar en la música tan sólo como una pieza de contenido promotor de
un producto a través de varios medios de diseminación, como lo es hoy la tienda iTunes y
sus descargas de $0.99 centavos de dólar como promotores del sistema operativo de
Apple y del iPod como accesorio de moda.
Pero así funcionaba la industria musical de aquella época (y de algún modo, así sigue
funcionando, con el ejemplo de iTunes); la gente aún no tenía en su mente la consciencia
del artista como punto central de la industria musical. Eso vendría en la siguiente etapa.
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Etapa 2 – La Original Industria Musical
La industria original como la conocemos hoy en día realmente comenzó en el período que
duró de los años 50’s a los 80’s. Y me refiero a la industria fabricadora de súper estrellas,
ídolos y celebridades.
Básicamente, el concepto de Celebridad de la Música (O “Rockstar”, como lo conocemos
de manera contemporánea) no existía antes de ésta época, y fueron las mismas empresas
de la industria musical quienes se encargaron de crear ídolos y celebridades en el afán de
vender aparatos reproductores de música. Poca idea tendrían del monstruo artístico que
estarían creando y del potencial monetario de ésta nueva figura económica.
Durante esta época, el negocio de la música experimentó crecimientos inesperados. Las
ventas y ganancias dentro de la industria llamaron la atención de Wall Street, lo cual llegó
a ser uno de los momentos clave en la historia musical. Más de eso adelante, porque
primero quiero ofrecer una vista panorámica de cómo la industria musical era manejada
en aquel tiempo, para educar a los lectores más jóvenes:
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Durante casi 50 años, la manera en cómo se manejaba la industria era siempre la
misma. El artista (generalmente después de enviar su casette demo) era firmado
para un contrato discográfico por una casa disquera.
La disquera asignaba un A&R (Artist and Repertoire; Ejecutivo cazatalentos de una
casa disquera) para que fuese el enlace entre el artista y el mánager de producto
de la compañía discográfica para los lanzamientos musicales.
En el principio, el A&R asignaba también a un productor, quien era responsable de
realizar el disco, aunque esto se convirtió eventualmente en una decisión mutua
con el paso de los años.
Muchas veces el productor era parte del staff de la disquera, mientras que en otros
casos, el A&R también servía doble trabajo como productor.
La estructura se veía de la siguiente manera:
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En los primeros años de la industria del disco, el artista usualmente tenía mínimo control
sobre el producto final, lo cual era del dominio completo del productor.
Conforme la industria se desarrolló, y cada vez más artistas demandaban control, el
productor asignado para ayudar a grabar al artista por lo general era un contratista
independiente de la casa disquera, adecuándose a las necesidades del artista siempre y
cuando sirviera a los intereses de la casa disquera y su visión.
Después de que la canción o el álbum se grababan, la casa disquera manufacturaba el
vinyl (y después, el cassette y el CD) y lo distribuía a sus tiendas dedicadas al menudeo a
través de la propia red de distribución de la casa disquera o a través de otros
distribuidores independientes (mayoristas), quienes ponían el producto en cada tienda de
discos, restaurantes, tiendas departamentales y cualquier otro lugar en donde se pudiese
rentar espacio.
La estructura se veía así:
La casa disquera también era responsable por el marketing y la promoción del disco, la
cual se centraba en la radio. Si tu disco tenía rotación en radio, lo más seguro era que
vendieras muchas unidades de disco.
En palabras de Rupert Perry, alto ejecutivo de EMI Music:
“Otro punto importante es saber cómo la gente consumía contenido en esos días, lo que
era que la gente escuchaba su música en la radio, enteramente. Luego, los japoneses
vinieron con la radio de transistor, la cual era portátil. De repente, la portabilidad
significaba que el consumidor no tenía que estar sentado en su casa frente a la radio. Y ese
fue el comienzo de algo más desde el punto de vista de la distribución. Tu puedes ver todas
las cosas que han cambiado, pero de pronto, ves a la radio de transistor y te pones a
pensar; ¡Rayos! La portabilidad era tan importante.”
El tiempo de rotación en radio era crucial para el éxito de un disco y ello resultó en la
creación de grandes departamentos de promoción dentro de las casas disqueras
dedicadas a obtener rotación en radio a como diera lugar.
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La competencia por el tiempo aire en radio se volvió tan feroz que esos departamentos
comenzaron a utilizar regalos en dinero, prostitutas, viajes y cualquier cosa que
influenciara a los directores de los programas de radio a poner una canción en rotación.
Esa práctica fue conocida como Payola. Eventualmente se volvió delito dentro de los
marcos legales y subsecuentemente resultó en muchos escándalos e investigaciones
dentro de la industria de la radio y del disco y de la manera de cómo hacían negocios.
La estructura se veía así:
Para evitar cualquier cargo que los acusara de payola, las casas disqueras dejaron de
utilizar departamentos de promoción y comenzaron a utilizar promotores independientes,
con la teoría de que cualquier cosa que hiciera una tercera parte o que un promotor
independiente ofreciera a los directores de radio, esencialmente eliminaba la
responsabilidad legal de la casa disquera (Eventualmente, y con el paso de los años, ésta
teoría también se probó ilegal).
Pese a todo, la rotación en radio era la llave del éxito, y la promoción era la clave para la
rotación en radio.
La estructura de ésta etapa musical finalmente se veía de la siguiente manera:
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Con la excepción de la limitada exposición hacia el consumidor vía clubes de fans y firmas
de autógrafos en las tiendas de discos, los artistas estaban segregados de la cadena de
distribución y consumo. El artista realizaba promoción ocasional en la radio, pero
generalmente, no había mucha comunicación entre el artista y el fan.
Con suerte, la interacción y la comunicación con el fan no era tan necesaria durante ésta
época, gracias a la influencia enorme de la radio, el jugador clave de la industria musical
durante ésta época.
Además de la payola, la segunda etapa de la industria musical estuvo plagada de otras
prácticas deshonestas y corruptas a la hora de promocionar un disco.
Por ejemplo: para poder exagerar las posiciones en los charts, las casas disqueras pagaban
a las tiendas de música una cantidad de dinero para reportar intencionalmente que un
disco estaba vendiendo, aún y cuando no. Tiempo después, ésta práctica se puso a prueba
con la implementación de la tecnología SoundScan, la cual computaba los datos de ventas
de álbumes vía el escaneo del código de barra.
¿Por qué alguien llevaría a cabo una práctica como la anterior basada en la mentira? Fácil,
para elevar el “valor percibido” de un artista o un álbum y hacerlo ver bien con la finalidad
de que vendiera más.
Otra práctica corrupta en esa época era lo que llamaban el síndrome de platino. Para
exagerar las ventas, las casas disqueras enviaban enormes cantidades de discos, y luego
reportaban que el disco había llegado a platino, refiriéndose a que el disco había vendido
lo suficiente para estar certificado como un disco con altas ventas por arriba del millón,
insinuando con esto que la demanda era tan grande que las unidades enviadas estaban
pre-vendidas. Claro, generalmente no era reportado cuando los discos se regresaban a la
casa disquera en números de platino por que simplemente no estaba vendiendo.
Puntos para recordar:
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La casa disquera es todapoderosa y tiene el poder de crear ídolos, clebridades y
estrellas de rock
El artista está aislado de los fans y no mantiene comunicación con su público
La radio es la clave de los hits
Los artistas tenían la oportunidad de lanzar múltiples álbumes para poder
desarrollar su carrera en el largo plazo
Es un mundo de singles
Pero el álbum hace más dinero
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Etapa 3 – Epoca Corporativa
En la siguiente etapa del negocio de la música, se produjo un nivel impresionante de
ganancias nunca antes visto en la historia de la industria musical, que es muy dudoso que
alguna vez volvamos a ver un crecimiento con éste precedente.
Con la llegada del CD en 1982, las compañías disqueras experimentaron un crecimiento en
sus ganancias de varias maneras.
Debido a que la tecnología para crear CD’s era cara en un principio, las disqueras
aumentaron el precio de cada disco al mismo tiempo que disminuían la regalía al artista,
con el supuesto argumento de que se trataba de un “gasto de tecnología”.
Mientras que el precio al menudeo del disco nunca bajó aún y cuando la tecnología se
amortizó y se hizo barata, los artistas eventualmente se dieron cuenta de la situación y no
les pareció.
Quizás lo mejor que pudo haberles sucedido a las casas disqueras en ese tiempo fue la
habilidad de revender todo su catálogo de artistas a un público dispuesto a cambiar de
vinyl a CDs y comprar una copia del álbum que ellos ya tenían en vinyl.
Las ventas de catálogo (ventas de los discos de un artista de antes de su más reciente
producción) incrementó las ganancias, debido a que los costos de producción eran
mínimos: Nada más el costo de maquilar el CD, sin contar con los costos promocionales.
Los consumidores compraron el nuevo formato de CD que ahora contenía mejor calidad
de sonido (para algunos) para suplementar sus nuevas colecciones de CDs, y de esa
manera, proveyeron recursos financieros a las disqueras que tenían enormes volúmenes
de catálogo.
Una oportunidad única de negocio, ¿No crees? Si tomamos en cuenta que los mayores
costos de la producción de un álbum se encuentran en la promoción, pues entonces
estamos hablando de que las disqueras tenían un ahorro de alrededor del 60% al 70%,
debido a lo que mencionábamos antes; la música de catálogo ya había tenido su época de
promoción en los años anteriores; ya no había necesidad de volver a promocionar a esos
artistas con éste nuevo formato.
Ahora resultaba que las compañías disqueras tenían, con el formato de CD, un excelente
negocio que arrojaba ganancias por donde quiera, lo cual atrajo inmediatamente la
atención de Wall Street.
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Mientras que en los años anteriores, la industria del disco había sido considerada por Wall
Street como un ente sin mucho interés de entre todas las ramificaciones de la industria
del entretenimiento, ahora resultaba que eran los consentidos de los inversionistas, y fue
en ésta época en la que comenzaron las grandes fusiones:
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Columbia Records fue comprada por Sony (Y eventualmente convirtiéndose en
Sony Music).
Warner Bros. Records fue comprada por Time Inc. Convirtiéndose de esa manera
en Time Warner.
Univeral Music fue comprada por Matsushita y después ambos comprados por
Vivendi.
EMI fue comprada por Thorn Industries.
Polygram ya era operada por Philips, y la MBG era operada por Bertelsmann AG.
Las 6 grandes compañías discográficas ahora estaban bajo control de un conglomerado.
En palabras de Rupert Perry:
“La otra gran cosa que sucedió fue el compact disc. Cuando salió, hubo un crecimiento
enorme en la industria, y no muchas grandes corporaciones se dieron cuenta en su
momento. Cuando la CBS, quienes eran los reyes de la industria en su momento, vendió su
negocio de discos a Sony, ¡Eso fue enorme! Era un gran momento sucediendo debido a que
la CBS decidió que querían salir del negocio de la música, en donde habían estado por
años.”
Con la fusión de conglomerados, entraron en escena los MBAs y otros profesionistas de
cuello blanco como contadores y abogados, llevando a cabo el negocio (profesionistas que
no tenían mucho conocimiento de la música, por cierto).
Esta situación fue una ruptura con la atmósfera anterior, en donde quienes manejaban el
negocio eran personas musicalmente visionarias como Mo Ostin, Ahment Ertegan, Jac
Holtzman, Berry Gordy y Howie Stein, quienes podían sentir un hit en sus huesos con tal
sólo escucharlo. Hoy en día, existen pocos ejecutivos como éstos señores.
En la etapa anterior, en donde la disquera estaba con los artistas por tres, cuatro o hasta
cinco álbumes con tal de que éstos se nutrieran y se desarrollaran artísticamente, ahora la
nueva estructura corporativa que controlaba el negocio demandaba resultados instantes
“Éste cuarto del trimestre”.
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El desarrollo artístico, tan crucial para las estrellas y súper estrellas que conocemos hoy,
murió de manera lenta y después cada vez más rápido conforme los resultados financieros
inmediatos se convirtieron en el mantra de la industria (en vez de la música en sí misma).
La llegada de MtV
Durante ésta etapa, otro acontecimiento inesperado que ayudó al crecimiento de la
industria llegó en un nuevo formato de diseminación musical a través de la televisión
llamado MtV.
De un día a otro, la música ahora estaba en la televisión, y un nuevo nivel de exposición
incrementó las ventas de nuevo. MtV de pronto tenía el poder de “crear” un hit, al igual
que la radio en su tiempo, por el simple acto de poner un video musical en rotación
constante.
Con la llegada de MtV, de pronto la imagen llegó a ser más importante que la habilidad
musical. Si tú no te veías atractivo, simplemente no tenías rotación en MtV; y si no tenías
rotación en MtV, tus probabilidades de hacerla en grande en la industria musical
simplemente se desvanecían.
Rápidamente, la cultura corporativa comenzó a cambiar hacia el enfoque de encontrar
artistas atractivos para llenar el tiempo aire que tenían comprado en televisión. La
habilidad musical, o talento, dejó de ser el componente necesario a ser un componente
más, ahora que la imagen era lo que las disqueras más buscaban.
Para un ejecutivo de disquera que no tenga experiencia en la industria musical, el arte
simplemente no tiene sentido. La Academia demanda resultados repetibles, y el arte no es
parte de esa ecuación.
Cabe decir que la “artesanía” era parte de la fórmula de éxitos en un principio, pues todo
se basaba en ir creando piezas “artísticas” en base a un molde pre-establecido.
¿Cómo se explica lo anterior?:
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Primero, encuentra un artista similar a lo que haya sido popular o haya tenido
éxito, ya sea en el presente o el pasado.
Luego, consigue a un compositor exitoso para que escriba la perfecta canción
genérica.
Añade un productor con buen record y ponlo con el artista en un estudio en donde
se hayan grabado éxitos antes y con los mismos músicos que grabaron dichos
éxitos.
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El artista importa poco en éste escenario corporativo. Dicho artista simplemente
debe verse bien frente a la cámara, porque será un video en donde van a trabajar
coreógrafos, directores y estilistas con hits recientes en sus currículos.
Si alguna vez te preguntaste cuál era la fórmula de éxito en la música, la acabas de leer;
es la fórmula de éxito de Madison Avenue, y es la necesaria para vender producto.
¿Quién es Madison Avenue?, ¿Y por qué tiene tanta influencia en cuanto a la creación de
éxitos en la música? Eso lo iremos respondiendo más adelante conforme vayas avanzando
en la lectura de éste reporte especial.
No te confundas; la anterior es una fórmula de una industria vieja que ya está muriendo;
una fórmula cara que demanda demasiados recursos y poco talento, y que es probable
que sea igual de exitosa en ésta nueva época.
Un acontecimiento que no mucha gente conoce
Desafortunadamente, las leyes de manejo y alcohol en 1983 afectaron negativamente el
desarrollo artístico de una manera real.
¿Qué tienen qué ver el alcohol y las leyes de manejo con la industria musical?
Deja que lo explique de manera detenida, para que puedas apreciar un componente en la
industria musical que no muchos artistas y bandas conocen y que es crucial para la carrera
de todo aquel o aquella que desee incursionar en la música.
Antes de 1972, la edad legal para tomar tenía un rango de 18 a 21, dependiendo del
territorio en donde se estuviese, pero la guerra en Vietnam trajo consigo el argumento de
que “Si tengo edad legal para pelear por mi país, entonces debería tener edad legal para
tomar”.
Para 1972, muchos de los otros estados de Estados Unidos acordaron de que si una
persona tenía la edad suficiente para votar y pelear por su país, entonces también debería
tener la edad legal para tomar, por lo cual se bajó el rango a 18 años.
¿Qué significó esto?
La situación de pronto abrió la oportunidad para que abrieran en masa nuevos locales de
esparcimiento, como son los bares, restaurantes, antros, clubes, boliches (el sinónimo de
club nocturno en Argentina y otras partes de América Latina) y salas de concierto, ya que
con el pase de ésta ley, de pronto se incrementó la demanda de alcohol en tal medida que
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había qué acomodar a éste enorme mercado de consumidores, al mismo tiempo que
había qué atraerlos con entretenimiento en vivo.
De un año a otro, de pronto los clubes nocturnos abrieron por doquier, y la música en vivo
floreció en ese ambiente.
En aquella época, si tú tocabas en alguna banda decente, entonces podías acomodarte en
cualquier lugar en cualquier noche de la semana, y que te pagaran por ello.
Esto significó un acontecimiento enorme para la industria musical, ya que la situación le
ofrecía la oportunidad a cualquier músico mediocre de tocar en cualquier lugar y
desarrollar sus habilidades artísticas y musicales, de la misma manera en como lo hicieron
los Beatles en Hamburgo en 1962.
En ese tiempo, una banda podía tocar 5 sets musicales durante los 7 días de la semana y
desarrollar sus habilidades musicales. Ahora, repite el proceso por un año o dos, y con eso
estarías listo para tomar el siguiente paso en tu carrera musical, si eso es lo que deseas
hacer.
Los Beatles dedicaron no sólo uno o dos años de tocar 8 horas diarias 7 días a la semana.
Dedicaron 10 años.
¿En qué clase de artista crees que pudieras convertirte si te tomaras una preparación de
10 años tocando diariamente 8 horas? Experimentando con sonidos nuevos, con toda
clase de géneros, imagen, estilos, ejecución en el escenario, etc.
La respuesta es obvia; terminarías convirtiéndote en un artista legendario de clase
mundial.
Desafortunadamente, también era fácil caer en la trampa de tocar en clubes nocturnos
por siempre, debido a que el dinero que se pagaba en esa época era tan bueno, pero
aquellos con la suficiente ambición tomaron sus días tocando cóvers en clubes nocturnos
por lo que eran y continuaron adelante con sus vidas artísticas después de aprender lo
que necesitaban tocando constantemente frente a grandes audiencias.
Y así fue como los años 70’s experimentaron un crecimiento sin precedentes en la historia
de la industria musical, creando muchos de los artistas clásicos que han influenciado casi
toda la música que escuchamos hoy en día.
Pero resultó que en 1982, la edad legal volvió a elevarse a 21 años, y desde entonces, la
emoción y la diversidad musical han decaído. La música se ha vuelto blanda y
homogeneizada (gracias a la fórmula de éxito de Madison Avenue) y desde entonces, no
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ha existido una tendencia mayor en la industria musical desde el rap y el rock alternativo
en los años 80’s y 90’s, respectivamente.
Y esto en parte debido a la reducción en escala grande de espacios para la música en vivo,
gracias a dichas leyes de alcohol y otras más que afectaron las escenas musicales.
Ahora viene la pregunta para ti, ¿Cuántas veces a la semana tocas en vivo con tu grupo?,
¿Cuántas de esas veces es un show pagado?
La infraestructura musical ha disminuido demasiado en los últimos años. Una banda es
suertuda si toca una o dos veces a la semana. Esto significa que a un artista le va a tomar
mucho más tiempo desarrollarse artísticamente, no sólo para sentirse cómodo ante
grandes audiencias, sino también para desarrollarse musical y vocalmente.
Entre más le toma a un artista desarrollarse artísticamente, es más la probabilidad de que
vaya a renunciar a su carrera (en el caso de las bandas que se separan) o que simplemente
el artista y su grupo cambien de dirección, lo cual significa que la oportunidad en nuestra
generación para experimentar otra gran tendencia en la industria musical es incierta, lo
cual resulta terriblemente triste.
Probablemente podrías preguntarte, ¿Por qué un artista querría renunciar a su carrera? Es
sencillo; porque simplemente la música la hemos vuelto un hobbie más que una
profesión, por lo que un músico, con el paso de los años, opta mejor por dedicarse a una
carrera que le provea un sustento que cubra sus necesidades conforme va creciendo, se
va casando y comienza a crear una familia.
Los músicos necesitan la retroalimentación constante y la atención que sólo una audiencia
puede darles. Entre más tocas, mejor te vuelves en tu arte, lo cual te lleva a experimentar
más y a encontrar tu propia voz y estilo.
Pero con la escasa infraestructura para la música en vivo que hoy en día tenemos, el
panorama para el desarrollo artístico de los artistas independientes es incierto.
Puntos para recordar:
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Las casas disqueras ahora son propiedad de enormes conglomerados
Las ganancias al trimestre ahora son más importantes que el arte
Muchas canciones de los álbumes son solamente “filler” o relleno
MtV significó un empuje para las ventas de álbumes
La imagen de un artista es más importante que el arte
Las leyes de alcohol afectaron en gran medida el desarrollo artístico
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Etapa 4 – La Era de la Música Digital
El día en el que el primer archivo de mp3 fue compartido, ese fue el primer día de la nueva
etapa de la industria musical (En algún momento alrededor de 1994). Aunque nadie lo
sabía en su momento, esto significó una disrupción que algún día haría que la industria se
tambalease.
Rupert Perry:
“Si regresamos un poco a la época del internet en 1993, la gente que estaba involucrada
en el negocio de contenidos simplemente no tenía idea de cuán monumental sería éste
cambio. Tener cualquier forma de contenido disponible en tu computadora era totalmente
una nueva forma de distribución que al principio nos excitó, pero a la que al mismo tiempo
temimos. La diferencia estaba en que ahora, la disquera ya no tenía ningún control sobre
la distribución. Nadie de los que comerciaban con contenidos, como la televisión, el cine y
la música, tenían ya ese control, porque antes, ellos decidían a dónde iba el contenido,
quién podía consumirlo y de qué manera. Con el internet, todo eso se fue por la ventana de
manera instantánea.”
Justo antes de la llegada del mp3, un archivo de música con la calidad digital del CD era
demasiado pesado (alrededor de 5mb por cada minuto de canción en sonido estéreo) y
tomaba demasiado ancho de banda tocar 1,411 kbps, lo cual significaba que era imposible
reproducir música en internet dada la tecnología de su tiempo.
El mismo archivo musical en formato mp3 tomaba un décimo del espacio, con un ancho
de banda entre 128 y 256kbps, lo cual hacía al archivo relativamente fácil de descargar
aún con los dispositivos primitivos de módem disponibles en esa época.
Utilizar un archivo mp3 es como quitarle el aire a una llanta de bicicleta. La llanta se
vuelve lo suficientemente pequeña como para caber en una caja, pero sigue siendo la
misma llanta.
Precisamente eso es lo que hizo el archivo mp3, quitó el aire de los archivos musicales,
haciéndolos más pequeños.
Aunque la calidad de los mp3 no era tan buena como la del CD, los consumidores habían
mostrado previamente, con la introducción del cassette, que la calidad no era su mayor
preocupación al momento de hacer decisiones de compra y de escucha de nuevos artistas.
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Las Redes P2P Dejan Su Marca
Las redes Peer-to-peer (P2P) fueron la segunda tecnología que cambió la industria musical
durante ésta época. En una red P2P, cada computadora conectada al sistema puede
proveer y recibir archivos sin la necesidad de un servidor central, con el ancho de banda y
procesamiento distribuidos alrededor de todos los miembros de la red.
En otras palabras, los archivos viven en múltiples computadoras interconectadas, con cada
usuario con la capacidad de descargar un archivo (o piezas del mismo archivo de múltiples
computadoras).
Napster fue el primer sistema masivo de distribución de archivos mediante red P2P.
Aunque no totalmente P2P, debido a que necesitaba servidores centrales para mantener
listas de sistemas conectados a sus archivos, un factor que le valió perder el caso en la
demanda en su contra.
Aunque ya existían con anterioridad redes que facilitaban la distribución de archivos a
través de la internet (como IRC, Hotline y UseNet), Napster se especializaba directamente
en música, y como resultado de su enorme popularidad, ofrecía una enorme selección de
música para descargar.
Poco después de su creación, la compañía fue demandada legalmente por varios actores
de la industria musical. Entre ellos, artistas (Metallica, Dr. Dre, Madonna, etc.), casas
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disqueras (A&M), y la misma industria musical representada por la RIAA (Recording
Industry Association of America).
¿Cómo no iban a protestar? Si artistas como Metallica ganan alrededor de $4 dólares por
cada disco que venden (Cuando el estándar en la industria es menos de $0.50 centavos
para el resto de los artistas).
Todos ellos alegaban agravio a los derechos de propiedad intelectual y eventualmente,
Napster fue apagado en julio del 2001. En su momento álgido, Napster llegó a tener 26.4
millones de usuarios en todo el mundo.
La vieja industria musical falló en apreciar la oportunidad de tener 26 millones de
potenciales clientes con quienes hacer negocio. Y eso fue un error del cual se dieron
cuenta años después, cuando ya era demasiado tarde, y por el cual pagaron muy caro.
Mp3.com, otro servicio similar que inició en 1999, fue demandado por Universal Music
Group por violaciones al copyright, lo cual obligó a éste servicio a pagar $200 millones de
dólares y quedar fuera del negocio.
En su momento álgido, mp3.com descargaba más de 4 millones de archivos de audio por
día a más de 800mil usuarios y tenían una base de clientes de 25 millones de usuarios
registrados. La compañía fue eventualmente comprada por Roxio y renombrada Napster,
y hoy como servicio, provee descargas pagadas y un servicio de suscripción para la
reproducción en streaming (Reproducción en tiempo real).
Aunque ambos servicios, Napster y mp3.com fueron cerrados por decisión legal de las
cortes, ellos dos pavimentaron el camino para la descentralización de la distribución de
archivos P2P mediante programas como Gnutella y Limewire (hoy descontinuados), lo cual
es mucho más difícil de controlar.
Como resultado, la RIAA persiguió agresivamente a los usuarios que utilizaran éstos
servicios, a pesar de los reclamos del público y la industria musical.
Desde entonces, éste organismo ha dejado de perseguir personas cuando se dieron
cuenta que gastaban millones en servicios legales sólo para recuperar cantidades
pequeñas, sin mencionar el daño que le hicieron a la reputación de la industria
demandando por igual a abuelitas y a jovencitos adolescentes de pueblos pequeños sólo
por cometer el delito de bajar canciones desde sus computadoras.
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La Piratería Toma Otra Forma
Otra disrupción mayor en la tradicional industria musical llegó como resultado del
lanzamiento al mercado del quemador de CDs, y su impacto no puede ser subestimado.
En los días del vinyl, la maquila no autorizada de discos casi no era del conocimiento
público debido a los altos costos de operación que ésta actividad requería. Maquilar un
vinyl requería equipo grande, especializado y costoso, lo cual hacía de ella una actividad
fuera del alcance de la gente, e incluso del más entusiasta.
Cuando el CD llegó al mercado, los primeros quemadores de CDs solamente se
encontraban en estudios profesionales de masterización debido a sus enormes costos (el
equipo rondaba entre los $250mil dólares, y cada CD virgen rondaba los $200 dólares).
Claramente, la economía del proceso hacía posible mantener a los piratas fuera del
negocio.
Desde luego, el cassette, desde su lanzamiento al mercado en 1964, significó una espina
en la industria musical, porque en esa época, cualquiera podía comprar con $1 dólar un
cassette en blanco y apretar el botón de “rec” al momento de escuchar un hit en la radio.
Generalmente proveyendo calidad de audio mediocre, el cassette fue el primer ejemplo
de que el audio era una consideración menor para el fan comparado con el precio.
Cuando el quemador de discos apareció en casi cada computadora, y el precio de los
discos en blanco cayó a $1 dólar, la práctica entre los usuarios de compartir música digital
se volvió imparable, y para entonces, la industria ya nada podía hacer.
Y así fue como inició la época digital de la industria musical.
Puntos para recordar:
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Época de la Música Digital
Las redes P2P ayudan el proceso de diseminación musical digital
Intercambio de música digital es un hecho
La práctica de quemar discos afectó las ventas
Las casas disqueras son complacientes
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Etapa 5 – La Música Digital se Monetiza
Así que llegó a ser obvio que a menos de que la industria musical no se adaptara al nuevo
ambiente, pronto desaparecería. Irónicamente, fue la industria de la computación la que
de alguna manera salvó a la música.
Mientras que diferentes servicios de música digital presentaban alternativas a las casas
disqueras para hacer negocio con las descargas pagadas, finalmente fue iTunes de Apple
Computer quien hizo disponible un nuevo modelo de negocio que funcionó, aunque
básicamente un sistema cerrado, ya que inicialmente, iTunes requería de un iPod para
poder funcionar (tiempo después, las opciones de la plataforma fueron expandidas).
iTunes fue un ganador entre los consumidores por su facilidad de uso (una característica
por la que Apple es conocido) y por el iPod como nuevo accesorio de moda e identidad
personal.
Ahora, la industria finalmente podía monetizar sus ofertas digitales. Pero a un precio de
$0.99 por track, por lo que no había mucha ganancia atractiva.
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Lanzado en enero del 2001, iTunes fue un éxito instantáneo que fue seguido por
consecuentes actualizaciones.
Ya en los últimos meses del 2001, iPod support se implementó, lo cual inició la bola
de nieve en la nueva economía digital de la música.
En el 2003, la tienda iTunes Store se introdujo, y tanto el consumidor como Apple
nunca miraron atrás. Desde entonces, películas, programas de televisión, videos
musicales, podcasts, aplicaciones y videojuegos se han añadido al extenso catálogo
de la tienda de Apple.
En abril del 2009, la tienda iTunes implementó una estructura de precios después
de un intenso estira y afloja con las disqueras. Las canciones ahora están en $0.69,
$0.99 y $1.29.
En el momento en el que se escribió éste reporte que estás leyendo, más de 10
billones de canciones han sido descargadas desde que se lanzó iTunes Store un 28
de abril del 2003.
Mientras que iTunes es el monstruo indiscutible de la industria musical digital, otros
competidores han emergido. Desde Amazon MP3 hasta el nuevo Napster, existen hoy en
día numerosos lugares en dónde se puede comprar música digital.
Pero si existe un tipo de servicio de música digital que las disqueras SÍ apoyan, es el
servicio de suscripción o streaming, el cual significa que tú pagas una cuota mensual para
poder tener acceso a escuchar tanta música como tú quieras en lo que dure ese tiempo y
sin limitaciones.
La música es transmitida vía online en tiempo real, lo que se conoce como “Streaming”,
por lo que tú no eres dueño de ella, pero ya que la música se encuentra disponible de
manera inmediata a cualquier hora, realmente no hay necesidad de tenerla guardada en
tu computadora, teléfono o reproductor.
Mientras que los servicios de suscripción como Rhapsody, Spotify o Napster se están
poniendo de moda, sus números son relativamente pequeños comparados con la
descarga directa de música como iTunes. Ni qué decir con los márgenes de ganancias que
obtenían con las ventas de álbumes en los años 90’s.
Las disqueras están esperando que el modelo de suscripción o “Streaming” finalmente
gane tracción en el consumidor, debido a que es atractiva la idea de ganar un flujo de
ingreso mensual como resultado de su contrato de licencia con el servicio.
Cabe decir que a los artistas no les parece mucho, ya que el dinero recolectado por las
casas disqueras no se reparte de manera equivalente. Los editores de música (Las
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agencias dedicadas a explotar los derechos de las canciones) también dudan de éste
modelo, puesto que para ellos ya de por sí existen costos altos de administración. Pero
con todo eso, el modelo de suscripción o streaming no ha alcanzado su masa crítica aún.
Quizás en los próximos años; aún está por verse.
La música digital monetizada trajo consigo otro cambio grande: el retorno de los singles,
tal y como se manejaba la industria en los 50’s y 60’s.
En vez de estar forzados a comprar un álbum con 10 canciones para poder escuchar una o
dos que sí les agrada, los consumidores ahora pueden nuevamente comprar las canciones
que ellos quieran, tal y como se acostumbraba en años anteriores.
Debido a que la economía de la industria musical en sus años de bonanza monetaria
estuvo centrada alrededor del formato del álbum y el dinero que éste generaba, regresar
a la compra de la canción-single fue un golpe mayor al modelo financiero que había
estado en pie durante más de 40 años en la historia de la industria musical, ya que
mientras que en el pasado las disqueras gozaban de ganancias cuantiosas por la venta de
un álbum a $10 dólares, ahora se topaban con la situación de tener qué conformarse con
vender un single a $0.99 centavos de dólar. Con ello, las estructuras financieras fueron
sacudidas desde su centro.
Entra el Contrato de 360 Grados
Para compensar las ganancias perdidas por consecuencia de los nuevos cambios
tecnológicos, las disqueras mayores tenían qué tener fuentes de ingreso más allá de las
ventas del CD, y el lugar más lógico en dónde encontrar esas fuentes de ingreso era en el
artista mismo.
Ya que es bien entendido que el 90% de los ingresos de un artista vienen de dar shows en
vivo y de las giras, las disqueras vieron eso como una oportunidad para un ingreso
potencial, y rápidamente formaron un nuevo esquema para apoderarse de una pieza del
pastel, lo que conocemos hoy como contrato de 360 grados.
El contrato de 360 grados significa que tú compartes con la casa disquera un porcentaje
de tus ingresos como artista, de fuentes que van más allá de las ventas del disco, lo cual
incluye shows en vivo, mercancías y publishing (El dinero que te pagan por tener una
canción en comerciales, películas y telenovelas).
La casa disquera se convierte en tu manager (en raras ocasiones) y comparte en todo lo
que el artista haga.
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Quizás has escuchado a los chicos del popular grupo de rock Paramore, quienes son un
vivo ejemplo de un grupo actual que funciona mediante un contrato de 360 grados. Otro
ejemplo es Madonna, quien en años recientes firmó un contrato de 360 grados con Live
Nation para su gira mundial, compartiendo con ésta empresa promotora de eventos un
porcentaje de las ganancias que el tour generara.
Quizás tu pudieras cuestionarte por qué un artista querría permitirle a una casa disquera
un acuerdo de ésta naturaleza. El argumento es de que si el área de experiencia de una
disquera es en vender discos (lo cual no está haciendo nada bien), entonces ¿Qué tipo de
experiencia tiene la disquera en manejar tu carrera?
Además, un artista que está generando ingresos por otro tipo de conceptos diferentes a la
de la venta de discos, ¿Por qué tendría necesidad de firmar un contrato con una empresa
que está teniendo dificultades con su negocio medular, que es la venta de discos?
Mientras que ésta sería la única manera de hacer negocios con las disqueras hoy en día, es
otra razón por la cual un artista independiente debería ignorar éstos acuerdos en la
mayoría de los casos.
Y también es una razón poderosa por la cual el artista, músico y/o banda independiente
de hoy en día debería reconsiderar el enfoque de su carrera, desistiendo de una vez por
todas de buscar llamar la atención de éstas empresas y comenzar a enfocarse en conectar
con aquella persona que importa: El Fan.
Al mismo tiempo, el management tradicional se está convirtiendo cada vez más en algo
poderoso, debido a que el manager ahora tiene que tomar más decisiones para el artista.
Con la influencia decreciente de las casas disqueras, ahora es responsabilidad del artista y
su manager encontrar nuevas fuentes de ingreso, negociar con patrocinadores potenciales
y hacer acuerdos con distribuidores digitales, entre otras cosas.
Con muchas de las ventas y el marketing ahora en manos de los artistas, la figura del
manager ahora tiene responsabilidades más que en otras épocas anteriores, y su guía e
impacto han llegado a ser más valorados por el artista.
Puntos para recordar:
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La Música Digital se ha monetizado
Las ventas ahora las hacen los singles, no los fillers de los álbumes
Las casas disqueras imponen contratos de 360 grados a los artistas
Incremento en la importancia del management
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Etapa 6 – El Amanecer de la Comunicación
Artista/Fan
El cambio más grande que vino con ésta nueva etapa en la industria musical es en su
estructura. En esta nueva etapa que estamos viviendo, el middleman puede ser removido
de la ecuación, dejando al artista y al fan hoy en día en comunicación directa y en el nivel
en el que ellos deseen, desde la creación, la promoción, el marketing y las ventas.
Pero quedarse meramente en contacto con el fan puede ser tan elusivo a veces como
estar en contacto con amigos o familia.
Los verdaderos fans, así como los amigos y la familia, requieren comunicación regular, así
lo conozca o desconozca el artista.
Ésta nueva etapa de la industria musical, o mejor llamada, la Nueva Industria Musical,
permite que los artistas se promocionen directamente con sus fans:
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Si ellos pueden alcanzar a sus fans, entonces pueden hacerles consciente de sus
productos (música nueva, mercancía nueva, boletos de conciertos, tarifas y
cotizaciones por eventos en vivo).
Si los artistas pueden alcanzar a sus fans directamente, entonces también pueden
venderle directamente (aunque lo más correcto sería ponerlo como “invitarles a
que vean una oferta.”)
Más importante aún, en ésta nueva época en la que vivimos, los artistas tienen el
poder de dialogar con sus fans para que sean ellos mismos quienes les ayuden a su
artista favorito con las ventas y la mercadotecnia.
¿Qué quieren los fans? Tan sólo pregúntales.
Recuerda que el fan equivale a cliente potencial o cliente actual. Fan = Cliente
¿Qué desea el cliente?
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¿Qué se le notifique cuando el artista vaya a su pueblo? Anote su calendario de
actividades en su página y pregunte a qué ciudad debería ir.
¿Qué canción desea el cliente que el artista haga cover? Haga una lista de
canciones potenciales y haga una encuesta para sus fans.
¿Quiere el cliente un paquete especial en la cotización de sus servicios? Discútalo
con él directamente.
Esta es la esencia de ésta época que estamos viviendo; la conexión Fan/Artista.
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Mundo de Nichos de Mercado
Otro factor de éxito en ésta Nueva Industria Musical es que la audiencia se ha vuelto muy
enfocada a los nichos de mercado. Desde Swahili Polka, pasando por el madrigal mandarín
hasta el Death Metal noruego, si un artista le busca lo suficiente, encontrará su audiencia.
Aunque por supuesto, hay que aclararlo; si bien es cierto que la estratificación de las
audiencias le otorga más oportunidades al artista de hoy en día, también significa que
disminuye la posibilidad para vender millones de hits, debido a que la gente está menos
expuesta a uno o dos géneros musicales que antes. Se fueron para siempre aquellos días
en los que una aparición en MtV podía lanzar en grande éxito a un artista.
Es cierto, las estructuras antiguas de la vieja industria musical aún existen (casas
disqueras, tiendas de música, radio terrestre, canales de música, etc.) y de cierta manera
pueden beneficiar al artista independiente. Pero toma en cuenta que dichas estructuras
nunca volverán a ser el factor determinante para el éxito de un artista.
De hecho, si lo analizas bien, NUNCA lo fueron. En realidad, la música en sí misma y el
espectáculo siempre han sido los factores determinantes.
Siempre se ha sabido que una casa disquera no firmaba artistas nuevos en virtud de su
música, sino por el número de seguidores que éste tenía, lo cual representaba ventas
tanto para el artista como para la casa disquera.
Si tú haces un concierto y la casa disquera ve que tienes filas de gentes esperando entrar a
verte, entonces a esa disquera no le interesa tu música; le interesa la gente que está
dispuesta a comprar lo que tienes.
Hoy en día, con las herramientas y la tecnología actual, ahora puedes desarrollar tu
audiencia en una manera más eficiente y hacerte de una carrera con una base pequeña de
fans y/o clientes potenciales.
De hecho, la misión y propósito de Latin Music Wire es explorar las miles de maneras en
las que un artista puede exponerse y desarrollarse en ésta nueva industria musical y de
manera independiente, todo con la meta principal de establecer una conexión directa con
el fan.
Esperamos estar cumpliendo nuestro propósito contigo. No te olvides de dos cosas:
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Escribirme a [email protected] para cualquier comentario.
Continúa leyendo la segunda parte de éste Reporte Especial: Tu Música Nunca
Será Famosa… En la Industria Musical Actual.
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Puntos para recordar; ¿De qué se trata la Nueva Industria Musical?
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El Middleman se elimina; No hay mediadores entre tú y tus fans
El nuevo modelo es la conexión directa del Fan/Artista
Ventas directas al fan son ahora posibles
Marketing directo al fan es ahora posible
Comunicación directa con el fan es ahora posible
Se trata de dialogar y vender directamente al fan
Se trata de tener tu música más estratificada para poder encontrar una audiencia
En pocas palabras:
Se Trata de Conectar Directamente con el Fan
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Sobre Koly Siller
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Publicista y Consultor
nsultor de Latin Music Wire, agencia consultora de
marketing musical para músicos, artistas y b
bandas
independientes en México, España, EUA y América Latina.
Promotor de conciertoss de diversos géneros que van desde el
rock y el heavy metal hasta bailes gruperos, a través de sus
propias compañías dedicadas a la industria del entretenimiento y
la música en vivo.
Especialista en Negocios de Musica y Marketing Musical por la
Universidad
d de Berklee en Boston, Massachusetts.
Licenciado en Relaciones Internacionales por el Instituto
Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM, Tec de Monterrey)
Como Consultor de Marketing Musical para cientos de artistas, músicos y bandas
independientes al rededor del mundo, Koly ha ayudado a sus clientes en el desarrollo de
sus carreras musicales en aras de un sólo objetivo mayor; que el artista conecte con su
público y su audiencia.
Como músico, Koly ha participado en agrupaciones de una amplia gama de géneros que
van desde guitarrista de bandas Death Metal, pasando por cantante de balada pop hasta
bandas
das del género grupero/norteño, además de ser productor y co
compositor.
mpositor.
Autor del libro Cómo Ser la Banda Abridora de tu Artista Favorito… y otros conciertos no
tan favoritos.
Respecto a su labor y desempeño como consultor musical y con una trayectoria en la música de
más de 13 años, Koly comenta:
“Básicamente mi misión es proveer a los músicos, artistas y bandas independientes el conocimiento
y las herramientas necesarias para que puedan exponer su música de manera masiva y que
puedan hacer de su música, su negocio, y de esa manera, ofrecerles una opción alternativa para
que éstos magníficos artistas puedan cumplir sus sueños y metas en la música.”
“Yo por mi parte, lo hago todo por el simple aprecio a alguien quien más me importa; el público.
Realmente existe música magnífica y artistas increíbles en México y America Latina, pero sería una
tragedia que no pudieran conectar con esa audiencia maravillosa que está deseosa de música de
calidad; por esa razón, mi trabajo es hacer que los músicos y cantantes conecten su música con el
mundo; con el público
o y sus fans.”
En la actualidad, Koly puede ser contratado para ofrecer seminarios, talleres, conferencias y
consultorías sobre negocios y marketing de la música independiente para universidades,
organizaciones, corporaciones y público en general. Para ccontratar
ontratar a Koly, haga click en la
siguiente liga: http://www.latinmusicwire.com/contacto.html
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