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heteatrodoxias
Existe cierta controversia sobre si las competencias en materia de industrias culturales deberían pertenecer a las áreas relacionadas
con Cultura de los gobiernos central y autonómicos, o si por el contrario deberían estar vinculadas a áreas de carácter más
económico como Industria o Comercio. En opinión de Xavier Marcé, hay que propiciar que los proyectos escénicos más comerciales
se rijan por los designios del mercado y dejar así el terreno libre a ofertas más minoritarias para que puedan recibir una necesaria
protección pública. De esta manera se podría marcar el campo de operaciones de cada uno de ellos.
Me comentan críticamente mi insistencia en
defender el espacio de las industrias culturales dentro de las competencias del Ministerio
o de las diferentes Consejerías de Cultura de
nuestras autonomías. Me dicen que eso (las
industrias culturales) debería estar en
Industria, Comercio u otras áreas de poder
político más centradas en la economía, el
mercado y el mundo financiero.
A la cultura, se supone, hay que protegerla de las tentaciones comerciales y salvaguardarla de las perversiones de la economía de mercado.
Tienen cierta razón, no lo voy a negar. A la
cultura le va bien una mirada cualitativa, centrada en la excelencia de los proyectos y en la
bondad creativa de los artistas. Pero por otro
que no se compensa con un similar incremento de la demanda. No pasaría nada si el
modelo cultural español estuviera dotado de
indicadores objetivos que discriminaran entre
los postulantes a artistas, pero, por desgracia,
tales elementos de selección no existen.
Aceptado que a más cantidad la calidad se
resiente, el mercado tiene un enorme valor
discriminatorio que no debemos despreciar.
En realidad el consumo popular de cultura
actúa como un prescriptor del interés social
de cada propuesta, dejándole al Estado un
mayor margen de libertad para operar con
aquellos proyectos que son objetivamente
artísticos, probablemente minoritarios y que
tienen mayores dificultades para triunfar en el
mundo de los negocios de la cultura.
y más potente aliado, aún inconscientemente.
El problema, y lo hemos dicho hasta la saciedad, no reside en las programaciones sino en
la falta de instrumentales de gestión que permitan tratar de manera diferenciada cada propuesta cultural.
De ahí radica parte del problema de la cultura. De la resistencia de una parte de sus gestores en aceptar que para bien o para mal, el
arte tiene componentes económicos y una
vertiente mercantil perfectamente definida y
consolidada.
Las industrias culturales quizá no deban ser
la principal preocupación de un Ministerio de
Cultura pero crecen sin parar fagocitando a su
alrededor el precario espacio económico que
el Estado concede a la cultura. Por eso con-
Cultura e industria cultural:
Dos caras de la misma moneda
lado no puedo dejar de pensar que la posición
del artista ha cambiado poco mientras que el
mercado cultural se ha desarrollado vertiginosamente; que los instrumentos de la creación
se han popularizado y que el arte se ha vulgarizado hasta extremos inimaginables apenas
hace 20 años.
La cuestión es que algo debe cambiar y el
problema es saber exactamente qué es lo que
debe cambiar.
La razón principal por la que creo que la promoción de las industrias culturales o creativas, si lo preferimos, debe formar parte de las
políticas culturales es simple: o empujamos
al mercado aquello que es esencialmente
comercial, obligándole a desarrollar estrategias de marketing y de mercadotecnia o la
actividad creativa de mayor riesgo, de más
calidad y objetivamente falta de mercado acabará arrinconada sin ayudas públicas y sin
posibilidad alguna de consolidarse.
Así de simple lo veo. Nuestra sociedad genera nuevos artistas a velocidad de vértigo. Es
una consecuencia de nuestro actual modelo
de bienestar y una muestra del éxito de nuestro sistema económico. Crisis aparte, ser
artista, es viable, deseado y prestigioso. Esta
realidad genera una sobreoferta exagerada
El desarrollo de las industrias culturales es
gasolina para los proyectos de mayor riesgo y
calidad porque elimina del espacio de actuación público aquellas propuestas que tienen
posibilidades reales de ser rentables.
Pero no se trata de un diálogo parcial que solo
afecta a las empresas privadas. En realidad
compromete a todo el sector de la cultura.
Los teatros municipales, por ejemplo, siguen
reacios a entender que el mundo de la cultura es fronterizo con el mundo del entretenimiento y que ambas realidades no pueden
tratarse por igual con similares políticas de
comunicación y con precios igualmente subvencionados.
No es un tema baladí, dado que los centros
públicos trabajan con presupuestos igualmente públicos y actúan como intermediarios de
la demanda social. En ellos, espectáculos de
éxito comercial y producciones alternativas
sin opciones reales de rentabilidad comparten
escenario, recursos económicos y generalmente estrategias de comunicación sin ningún elemento diferenciador que asegure la
gestión más eficaz de sus posibilidades. A
menudo el mismo que critica el exceso de
atención que recientemente se le presta a las
industrias culturales, se convierte en su mejor
viene desarrollarlas y clarificar sus escenarios
de actuación. Cuando podamos decirle, sin
atisbo de duda, a un productor cinematográfico o a un empresario teatral o musical que
debe buscarse la vida en Industria o Comercio
bienvenido sea el cambio, mientras tanto nos
corresponde mantenerlos en el terreno de las
políticas culturales.
Se trata de desarrollar un sector estratégico,
clave para mejorar nuestra competitividad en
el terreno de los servicios y la producción de
valor añadido. También es una función política del Ministerio hacérselo entender al conjunto del Gobierno: en primer lugar para dilucidar esta contradicción operativa sin riesgo
de fractura cultural, y en segundo lugar para
que el espacio social y económico de la cultura invada como corresponde a su peso real
en nuestra sociedad el conjunto de la acción
del Gobierno.
Mientras tanto, mientras no tengamos la centralidad política que reivindicamos y los problemas de la cultura deban resolverse en casa
(es decir, en nuestros Ministerios y
Consejerías), no queda más remedio que apechugar y buscar respuestas para todos sus
escenarios.
Xavier Marcé
recintos
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el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Reabre sus puertas el teatro
bilbaíno Campos Elíseos
Tras casi dos décadas de inactividad, el 11 de marzo se izó de nuevo el telón
del teatro Campos Elíseos de Bilbao. Este espacio, que se incorpora a la oferta artística de la ciudad vasca y cuya remodelación ha respondido a un acuerdo de colaboración entre el Ayuntamiento de Bilbao y la Fundación Autor de
la SGAE, forma ya parte de Arteria, una red iberoaméricana de espacios culturales con una docena de proyectos en todo el mundo –de los cuales ya funcionan cuatro en España, uno en Argentina y otro en México– a iniciativa de
la propia Fundación Autor. El sencillo acto de inauguración, en el que se dieron cita numerosas personalidades de la sociedad vasca, estuvo protagonizado por la compañía de danza Kukai.
Después de cinco años de trabajos de reconstrucción y rehabilitación, el teatro de la calle Bertendona ya ha puesto en marcha una programación variada en artes y géneros, para todos los públicos, además de eventos formativos
y comerciales. Entre las actividades programadas hasta el próximo mes de
junio destacan los conciertos de Víctor Manuel, Jorge Drexler, Los Panchos y
Benito Lertxundi, la obra “Adulterios”, escrita por Woody Allen y dirigida por
Verónica Forqué, el musical “Grease”, o el espectáculo “El circo de los horrores”. Además el recinto nutrirá a todas las generaciones de creadores
mediante sus nuevos espacios para la formación, dotándoles de recursos
prácticos y tecnológicos tales como salas de ensayo, o instalaciones de producciones y grabación audiovisual.
La superficie total construida ha pasado de 5.000 a 7.300 metros cuadrados. Se han restaurado los tres anfiteatros antiguos, cada uno de los cuales
tendrá en torno a 110 localidades que, sumadas a las 470 del nuevo patio,
acercarán el aforo a las 800 butacas. Destaca, entre el dispositivo tecnológico implantado, un sistema mecánico
combinado de plataformas móviles y
butacas escamoteables en la sala principal del espacio que posibilitará la configuración polivalente del suelo.
El minucioso trabajo de reconstrucción
se ha realizado recuperando en lo posible su diseño original, un singular edificio modernista construido por los arquitectos Alfredo Acebal y Jean Batiste
Darroquy, e inaugurado el 7 de agosto de
1902, en plena expansión de Bilbao.
Fotos: Iñigo Serra y Enrique E. Moreno / SGAE.
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el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
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ferias y eventos
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
La Feria
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
de Teatro de Castilla -La Mancha estrena Albacete como nueva sede
Estrenos absolutos
“Arquitectura visual”,
de Telenoika
Telenoika a través de un juego de luz, color y
música con el que crea una percepción sensorial
única, en la que lo real y lo ilusorio se mezclan
en un espectáculo difícil de olvidar.
“Paralléles & Bipédes”,
de Maboul Distorsion
que lo inútil se convirtió en esencial, y lo
absurdo se alzó sobre la razón, cada uno
se encara a su propia condición humana,
tejida a base de luchas, excesos y
locuras. La manipulación de objetos, las
máscaras, la magia y el vídeo integran
una puesta en escena circense
completamente contemporánea, lejos de
la cara ingenua del payaso tradicional.
Estreno en España
La aplicación de la innovadora técnica del Video
Mapping, proyección de vídeo de gran formato
sobre superficies reales, amplía las fronteras en
la concepción de espectáculos audiovisuales
pensados para grandes públicos en espacios
abiertos, en la calle o en interiores, y permite
desarrollar eventos sobre fachadas o plazas
enteras como base de un espectáculo
audiovisual en el que la arquitectura de la
superficie proyectada es la principal
protagonista. Esto es lo que lleva a cabo
“La tempestad”,
de la Companhía
Do Chapitô
“Paralléles & Bipédes” dirige una mirada áspera
sobre nuestra sociedad a través de la utilización
desviada de una materia única: el cartón.
Proyectados en un ámbito de cajas vacías y
enfrentados a la ausencia de cualquier cosa
necesaria, cinco personajes intentan reconstruir
ahí una apariencia de vida. En este mundo en el
Espectáculos para todos los públicos
en la Fira de Teatre de
Titelles de Lleida
Treinta compañías, 11 de las cuales serán catalanas, 10 de otros puntos de la geografía española y 9 extranjeras –procedentes de Bélgica, Dinamarca, Italia, Francia, Holanda, Suiza y la
República Checa– integrarán la programación de la XXI edición de la Fira de Teatre de Titelles
de Lleida, cuya inauguración tendrá lugar el 29 de abril a cargo de la compañía belga Ateliers
de la Colline, que presentará el espectáculo “Los pringados (Tête à claques), y que se clausurará el 2 de mayo.
Entre las compañías catalanas destaca la presencia de cuatro formaciones leridanas: Efímer,
Tombs Creatius, Puck Cinema Caravana y el Centre de Titelles, que precisamente estrenará en
este evento “El petit elefant”, la historia de un elefante muy curioso que se adentrará en la jungla para hacer grandes descubrimientos. Entre los espectáculos más novedosos estará el de la
compañía valenciana Bambalina Teatre, que ofrecerá por primera vez en Cataluña el clásico
“Carmen”. Desde Baleares llegará la propuesta de Jaume Tagores, un concierto ilustrado con
sombras chinas. Y desde Castilla y León irrumpirá Teatro Corsario, que representará su renovado
montaje “La maldición de Poe”.
Como es habitual, se mantendrá una sección dedicada a los más pequeños en la que se podrá
ver “Sapito”, de la compañía de sombras italiana Teatro Gioco Vita, o “Guyi-guyi”, de los murcianos Periferia Teatro, ambos centrados en el descubrimiento de la vida y en los pequeños conflictos que nos vamos encontrando. Para un público familiar más amplio se incluirán “En la
cadiera”, de los aragoneses Producciones Viridiana, un espectáculo en el que se utilizan objetos
cotidianos; clásicos como “La tempestad”, de la Companyia del Príncep Totilau; o propuestas
La última creación de Chapitô es una
comedia visual basada en la conocida
pieza de William Shakespeare. Es una
historia de magia, monstruos y espíritus
en una isla encantada situada en un mar
distante. Cuenta lo que sucedió en ese
mundo de ensueño cuando la inocencia,
el amor, el miedo, la maldad, y la
venganza se enfrentan bajo el poder de
un gran mago. Una parte significativa de
este texto depende, curiosamente, de lo
no dicho. Repleto de sentidos esenciales
del lenguaje no verbal, el montaje se
centra en torno a una serie de cuadros
visuales e imágenes a partir de los
cuales muchas de las cualidades del
diálogo parecen emerger.
Con la gran novedad de celebrarse por primera vez en Albacete
en vez de en la localidades ciudadrealeñas de Puertollano y
Almodóvar del Campo, entre los próximos días 12 y 15 de abril
se llevará a cabo la XIV edición de la Feria de Teatro de
Castilla-La Mancha. Veintitrés compañías, que ofrecerán 24
espectáculos y 31 funciones, se darán cita en este evento
procedentes 6 de ellas de la comunidad anfitriona, 12 de otras
regiones de nuestro país y 5 de otros países, en concreto de
Francia, Portugal, Grecia e Israel. Con el plazo de inscripciones
de profesionales también cerrado, serán 300 los que finalmente
asistirán a este encuentro.
De entre toda la programación destacan los estrenos absolutos
de “Arquitectura visual”, de los catalanes Telenoika, y del
espectáculo de circo “Parallèles & Bipèdes”, de la compañía
francesa Maboul Distorsion, así como la presentación en
España del clásico “La tempestad”, contemplado desde el
personal estilo de la compañía portuguesa Chapitô. Muchas
entidades aprovecharán también la celebración de la feria para
llevar a cabo algunas de sus reuniones, como es el caso de la
Junta Directiva y las comisiones de danza y de redes y circuitos
de la Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos y Festivales
de titularidad pública, o sus encuentros, como el que reunirá al
comité organizador de Mercartes con profesionales del sector
de las artes escénicas. Además COFAE continuará con la serie
de presentaciones e intercambios de información que está
realizando con diversos festivales europeos, y que en esta
ocasión estará protagonizado por el Festival Autum de Budapest
(Hungría).
dinámicas y de calle como la de Laitrum, con “Cíclic y Capses”. Además,
en cualquier calle de la ciudad se podrá encontrar a Iñaki Mata y su espectáculo “Barreras”.
La Fira también estará cargada de un gran número de espectáculo juveniles, con un elevado número de estrenos en España, como es el caso del ya
mencionado espectáculo inaugural o “El Papalagui”, de la compañía francesa Singes Hurleus. También habrá contribución catalana con el montaje “Max y Moritz”, de las Hermanas Trapp, o “Devoris Causa”, de Escarlata
Circus. Y como siempre, el público adulto también tendrá un lugar especial en la Fira, para quien se ofrecerán otros dos estrenos en nuestro país:
“Fantômas probablemente”, una particular visión de este mito a cargo de
los suizos Tête dans le Sac, y los singulares “Fragments de Vie”, de Tête
de Pioche.
Por segundo año consecutivo, y tras el éxito adquirido en la anterior edición, se dedicará un espacio de encuentro, reunión y negocio dirigido
exclusivamente a los profesionales que se desplacen a Lleida para conocer nuevas propuestas. La Llotja dels Professionals se ubicará en la Plça
de l’Hort de Santa Teresa, y en ella está previsto que se instalen 22 stands.
Por último, entre las diversas actividades paralelas que se llevarán a cabo
en el marco de este evento destacan la concesión de los Premios Drac
d’Or, que distinguen según diversas categorías a las compañías participantes en la Fira, y que se entregarán el 2 de mayo en un acto presentado por
la compañía The Chanclettes; o el intercambio de espectadores con el
Festival Marionnettissimo de Tournefeuille-Toulouse (Francia). Además, y
dentro de los encuentros que COFAE viene organizando en las ferias que
la integran con festivales de otros países europeos, en esta ocasión se
podrán conocer las características del Festival Mundial de Títeres de
Charleville-Mézières (Francia).
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ferias y eventos
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
El Festival Internacional de
Arrigorriaga de Clowns y Payasos/as
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Diecisiete estrenos se llevarán a cabo
en La Mostra de Igualada
se prepara para arrancar sonrisas
Dos espectáculos se podrán ver por primera vez en nuestro país en el marco de
la XV edición del Festival Internacional
de Arrigorriaga de Clowns y Payasos/as,
que se llevará a cabo en la localidad vizcaína entre los días 6 y 9 de mayo. Se
trata de “Just another band”, de la compañía belga Circ’ulation Locale, y “Mr.
Band”, de la italo-francesa Benjamin A.J.
Delmas. También se presentarán en el
País Vasco los nuevos espectáculos de La
Butaca Roja, Flyng Tiritas, Gregos Wellny,
Oreka Circus y la Compañía Capicua.
Además se realizarán otra serie de actividades paralelas, como el “Curso de imbecilidad” que impartirá Pep Vila, o la
actuación de David de Bustos y Jon Zabal
para los niños ingresados en el Hospital
de Cruces, entre otras.
El actual festival comenzó su andadura
en 1995 bajo la denominación de
Jornadas de Magia, Payasos y Arte Callejero,
pero con el tiempo, y con las progresivas
adaptaciones hacia una búsqueda más concreta de las artes, géneros y estilos que se
querían abarcar y ofrecer, ha llegado a ser el
Festival Internacional de Arrigorriaga de
Clowns y Payasos/as. A día de hoy esta propuesta pretende traspasar sus límites físicos y
hacerse presente en otros municipios cercanos, así como fortalecer su relación con otros
festivales similares del resto de España o de
más allá de nuestras fronteras, como es el
caso del Festival de Andorra de Payasas o el
Festival Hazmerreír de Mar de PlataArgentina.
Del 7 al 13 de mayo Segovia acogerá una nueva cita de Titirimundi
República Checa, Italia, Bélgica,
Bulgaria, Francia, Brasil, China,
Dinamarca, Finlandia, Israel, Reino
Unido y, por supuesto, España, son los
países que tendrán representación en el
Festival Internacional de Teatro de Títeres
Titirimundi de Segovia, cuya XXIV edición
tendrá lugar en la ciudad del acueducto
entre los días 7 y 13 de mayo. Además
también se podrán ver dos coproducciones: una argentino-italiana a cargo de
Dromosofista, y una franco-española de
Jean Philippe Atchoum. Este evento
anual está considerado como uno de los
mejores festivales de títeres que se celebran al aire libre por los profesionales de
dentro y fuera de nuestras fronteras.
En las plazas, calles, jardines, patios históricos, iglesias y teatros de
Segovia –en total más de una treintena de espacios– miles de personas
podrán disfrutar de multitud de funciones, con espectáculos exclusiva-
mente para adultos, para niños o para público familiar. Además esta previsto, como ya ha
ocurrido en otras ediciones, que su programación se extienda a otros puntos de Castilla y
León, Navarra, Madrid –dentro de su Festival
de Otoño (que ahora se celebra en primavera)
y en diversas salas– e incluso de Portugal.
La aportación española estará conformada
por “Es-Puto Cabaret”, de El Espejo Negro;
“Cuentos algo asquerosos para niños poco
escrupulosos”, de Alto Teatro; “Otto”, de
Teloncillo; “Romance de ciegos”, de Pep
Gómez; “La mata de la albahaca”, de La
Gotera de Lazotea; y “Espanis Circus”, de
Compañía La Estrella. Y entre las diversas
actividades paralelas que acogerá este evento destaca Titiricole, una propuesta dirigida al público infantil que surgió en 1998 y a través de la cual los niños pueden realizar sus títeres
con la posibilidad de representar sus obras en los mismos lugares que
los propios titiriteros.
La XXI edición de La Mostra – Feria de Teatro Infantil y Juvenil, que se llevará a cabo entre los
días 14 y 18 de abril en el municipio barcelonés de Igualada, ha programado más de un centenar de funciones entre espectáculos de sala, de calle y talleres. Del total de 62 compañías que
exhibirán sus producciones a programadores y público en general, la gran mayoría procederán de
zonas de habla catalana –53 de Cataluña, 2 de Valencia y 3 de Baleares–, dos acudirán desde
Andalucía y Castilla y León, y otras dos de Canadá e Italia. Como es habitual, tendrán cabida una
gran cantidad de géneros: teatro, animación, títeres, clown, teatro de objetos, circo, danza, teatro musical y concierto multimedia.
En el marco de esta edición de La Mostra serán 17 las agrupaciones que estrenarán sus nuevas
creaciones. En concreto se trata de DeTotsKolors, Enric Magoo, Farrés Brothers i cia, La
Mosquitera Producciones, La Pera Llimonera, La Visual, Lazzigags Produccions, L’Estaquirot
Teatre, Marcel Gros, Monti i cia, Ne me títere pas, Pentina el Gat, Pep López i Sopars de duro,
Rocamora Teatre, Sandra Rossi, TàBata Teatre y Xip Xap. Además habrá un apartado muy destacado dedicado a las compañías emergentes, y una serie de actuaciones exteriores itinerantes
englobadas bajo el nombre La Mostra en la Calle. Paralelamente a la programación oficial, y dentro del Espacio de Empresa GAAC, se ofrecerán también 10 espectáculos.
No solo las representaciones coparán la actividad de La Mostra. Entre las actividades paralelas
destacan un Mercado de Proyectos de Espactáculo, una jornada de formación para profesionales, o una mesa redonda con directores de festivales internacionales, entre otras. Además La
Mostra repetirá la exitosa experiencia de las dos últimas ediciones de establecer una Llotja como
punto neurálgico de encuentro entre los profesionales acreditados –que el año pasado fueron
400, en representación de más de 200 entidades– y las compañías participantes. Este año, para
satisfacer la demanda, se ha ampliado el espacio expositivo con cinco stands más.
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instituciones
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Zaragoza acogió las II
Jornadas ARES
La asociación de empresas de artes escéInternacional de Teatro y Danza de
nicas Aragón Escena convocó los días 23
Huesca y director de Producciones
y 24 de marzo las II Jornadas ARES, que
Viridiana) y Luis Lles (técnico de cultuvieron lugar en el Centro de Historia del
tura del ayuntamiento de Huesca y
ayuntamiento de la capital aragonesa y
director del festival Periferias) que
que giraron en torno al tema
abordaron la experiencia en Huesca
“Dinamización de las ciudades a través
con la ponencia “Programación, creadel arte escénico”. Así, el día 23 Daniel
ción y gestión cultural en Huesca. En
Martínez (presidente de Focus y de FAEbusca de la excelencia en una ciudad
TEDA) y Xavier Marcé (ex-director general
pequeña”.
del ICIC y vicepresidente para el desarro- De izda. a dcha: María López, integrante de la organización de las
El miércoles 24 de marzo Toni
llo empresarial de Focus) centraron su Jornadas ARES; Jerónimo Blasco, consejero de Educación, Cultura y
González (coordinador de Escena
Grandes
Proyectos
del
Ayuntamiento
de
Zaragoza;
y
Daniel
Martínez,
intervención, respectivamente, en “La
Internacional BCN) expuso la ponencia
presidente del Grupo Focus y de FAETEDA.
necesaria colaboración público-privada”
“¿Qué artes escénicas? ¿Para qué ciucompañía de teatro Paraíso en Vitoria como
y “Criterios para desarrollar un sistema teatral
dades?”. Seguidamente, Antonio Sarrió
impulsora
de
la
programación
escénica
en
los
estable en el estado de las autonomías”.
(director de Cambaleo Teatro y la sala La
centros cívicos de la ciudad y el “Proyecto
El siguiente turno se centró en tres experienNave, y vicepresidente de ARTEMAD) abordó
Imaginario, Centro de Innovación escénica
cias que se están llevando a cabo en el País
la intervención “Pequeñas ciudades, grandes
para la infancia y juventud de Vitoria-Gastéiz”
Vasco, con intervenciones desarrolladas por
proyectos”. Gerardo Ayo (presidente de La
que se va a levantar en uno de los barrios de
Pello Gutiérrez (asesor del departamento de
Red Española) centró su participación en “La
nueva
creación
de
la
ciudad
vasca.
Cultura del gobierno vasco), Pío Ortíz de
dinamización de las ciudades a través de la
El 23 de marzo fue Juan Carlos Marset, exPinedo (presidente de Eskena, gerente de
Red Española de Teatros, Auditorios, Circuitos
delegado de cultura del ayuntamiento de
Larrúa Creaciones y director de la compañía
y Festivales de Titularidad Pública”. Por su
Sevilla
y
director
general
del
INAEM
entre
Hortzmuga) y Pilar López (presidenta de la
parte, Rafael Campos Lozano (gerente del
2007 y 2008, quien explicó “El modelo de
asociación TeVeo, secretaria general de FAEPatronato Municipal de las Artes Escénicas y
desarrollo de las artes escénicas en Sevilla:
TEDA y directora de Teatro Paraíso). La interde la Imagen y director del teatro Principal de
ventajas y riesgos de su implantación local
vención de Pello Gutiérrez se tituló en “Teatro
Zaragoza) desarrolló “Las artes escénicas en
entre 2004-2007 y ensayo de aplicación en el
y ciudad: entre la ética y la cosmética”. Pío,
la percepción de la cultura ciudadana”.
ámbito
estatal
en
2007-2009.
por su parte, explicó el “Proyecto CIPEB,
El periodista Fernando Rivarés cerró la reuIncertidumbres actuales y alternativas de
Centro de Innovación y Producción Escénica
nión con la ponencia “La participación como
futuro”. La jornada finalizó con las ponencias
de Bilbao”, que se está construyendo en
valor: Zaragoza Cultura y Zaragoza 2016. No
de Jesús Arbués (director artístico de la Feria
Bilbao, y Pilar detalló la experiencia de la
sin mis artistas”.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
La V edición de la Escuela de
Verano de La Red se celebrará
del 31 de mayo al 4 de junio
Un año más, y ya van
cinco, las localidades manchegas de Almagro y
Bolaños de Calatrava acogerán, entre los días 31 de
mayo y 4 de junio, los diferentes cursos y talleres que
integran la programación
de la Escuela de Verano de
La Red. Alrededor de 900
alumnos han pasado,
durante las cuatro ediciones precedentes, por los
diferentes seminarios programados en este encuen- Foto de archivo de uno de los cursos impartidos el año pasado en la
tro, que nacía en 2006 con Escuela de Verano de La Red.
el objetivo de mejorar la gestión y la formación continua del personal que trabaja en los teatros
y auditorios públicos españoles. Los profesionales podrán inscribirse on-line del 5 al 26 de abril.
La Escuela de Verano ofrecerá, una vez más, cursos intensivos básicos de profesiones técnicas
orientados a nuevos alumnos y, por otra parte, cursos especializados para dar respuesta a las
demandas e intereses de los profesionales que ya han participado en ediciones precedentes.
Técnicos, programadores y gestores culturales podrán estudiar aspectos como la electrotecnia, la
dirección técnica o el diseño de sonido e iluminación. Profundizarán, por otra parte, en la adecuada formación del personal de sala y tendrán la oportunidad de familiarizarse con la aplicación de las nuevas tecnologías aplicadas al campo de las artes escénicas, las redes 2.0, o con
los parámetros necesarios para llevar a cabo el análisis de espectáculos escénicos. También
habrá talleres de inglés, en su argot técnico, o sobre la prevención de riesgos laborales.
AVETID, MIREU y los Premis Abril se unen a las protestas
contra las políticas de Teatres de la Generalitat Valenciana
Siguen haciéndose públicas las muestras de
protesta de diversas agrupaciones profesionales valencianas ante algunas de las decisiones
adoptadas recientemente por Teatres de la
Generalitat Valenciana, -organismo público
dependiente del gobierno de esta comunidad
autónoma-, principalmente la que ha supuesto importantes modificaciones en el funcionamiento del Circuit Teatral Valencià. Las últimas en adherirse a las quejas han sido AVETID
(Associació Valenciana d'Empreses de Teatre i
Circ), MIREU (Associació de Companyies
Valencianes de Teatre per a infants i joves), y
la Asociación Cultural Premis Abril.
En su amplio comunicado, AVETID señala: “La
Consellera de Cultura, Trinidad Miró, ha destacado que se democratizan las ayudas a la con-
tratación de artes escénicas al estar a la disposición de 500 municipios, en vez de 63, como
ocurría anteriormente. Sin embargo, no hay
más que hacer cuentas para desmontar los
argumentos con que la consellera trata de convencer a la opinión pública: se mantiene el
mismo presupuesto, 800.000 euros, pero
pasa a repartirse entre 500 municipios, en vez
de entre 63. Como mucho, cada ayuntamiento podrá recibir 1.600€ en concepto de ayuda
a la contratación de espectáculos de artes
escénicas, en vez de los 20.000 que declara
Miró. A no ser que el reparto deje de ser equitativo y algunos municipios acumulen ayudas
de hasta 20.000 euros mientras otros no reciban nada. Y, todo esto suponiendo que las
poblaciones decidan presentarse a la convoca-
toria de esta orden, ya que, técnicamente, el
modelo actual hace más complejo y menos flexible la descentralización real de la cultura.
Finalmente, para decidir las asignaciones, se
ha determinado que habrá una comisión que
valorará aspectos como, por ejemplo, la calidad de los espectáculos programados. ¿Es
realmente ésta una propuesta más justa y
democrática de Circuit Teatral Valencià?”.
MIREU, al igual que AVETID, se queja de la
ausencia de negociación con las asociaciones
profesionales de la que ha hecho gala Teatres
a la hora de modificar el circuito: “Creemos
que el consenso de todos los agentes implicados en el sector debería haberse previsto con
una antelación suficiente para no crispar el
ambiente. Si realmente el objetivo de estos
PIE DE FOTO 01: Los candidatos de los Premis Abril quisieron posar en el Cementerio Municipal de Valencia
para escenificar la “defunción” de las artes escénicas valencianas.
cambios estructurales es mejorar la situación
del teatro valenciano, se ha conseguido el
efecto contrario”.
Por último, la Asociación Cultural Premis
Abril ha manifestado, ante los datos presentados por la Consellería de Cultura el pasado 23
de marzo, según los cuales los municipios que
se han acogido a las ayudas han pasado de 63
a 75, que “teniendo en cuenta que en la
Comunidad Valenciana hay 542 municipios y
que casi 500 tenían oportunidad de optar por
vez primera a las ayudas del Circuit, no parece que el salto haya sido muy grande, tal y
como vaticinaron”.
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el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
premios
Antonia Bueno Mingalón y el Festival Internacional de Marionetas
de Tolosa se alzaron con los premios ASSITEJ España
versiones de teatro musical, y
El Salón de Té del Teatro
ha dirigido diversos montajes.
Español de Madrid acogió el
En 2000 fundó su propia
pasado 19 de marzo la tradicompañía, para la que actualcional entrega de los premios
mente escribe, actúa y dirige.
que concede la Asociación
Además es presidenta de
de Teatro para la Infancia y
DONASenART, Dones de
la
Juventud
(ASSITEJ
l’Escena
Valenciana
España). En esta ocasión la
Associades.
obra “La ópera de los resiEl Festival Internacional de
duos”, de la autora Antonia
Marionetas de Tolosa, Titirijai,
Bueno Mingalón, fue la elepor su parte, ha llegado ya a
gida por un jurado especialisu XXVII edición. Se trata de
zado para ganar el XVI
uno de los grandes referentes
Premio ASSITEJ España de
de las artes titiriteras, que
Teatro para la Infancia y la
además se ha abierto camino
Juventud. La publicación de
en el reñido panorama interla obra se presentó durante
nacional. De su mismo equipo
la entrega de premios. Por
directivo ha partido TOPIC,
otra parte, el Premio
Centro Internacional del Títere
Nacional ASSITEJ España,
de Tolosa, un espacio con
que se concede por votación
izda. a dcha: Lola Lara, presidenta de ASSITEJ España; la autora galardonada Antonia
vocación
de museo que alberde los socios, recayó en el De
Bueno Mingalón; Idoia Otegui y Miguel Arreche, co-directores del premiado Festival
ga una colección permanente
Festival Internacional de Internacional de Marionetas de Tolosa; y Ana Gallego, vicepresidenta de ASSITEJ España y
de más de 1.500 marionetas
Marionetas de Tolosa, que vocal de los premios.
Teatro Guirigai, en la que como actriz partide todo el mundo, un centro de documentadesde hace 27 años codirigen Miguel
cipó en todos sus espectáculos. Además de
ción, una biblioteca especializada y una
Arreche e Idoia Otegui.
autora de textos, escribe guiones para
residencia para artistas e investigadores,
Antonia Bueno Migallón lleva en el mundo
espectáculos de calle, realiza traducciones y
entre otros servicios.
teatral desde hace 30 años. En 1979 creó
Madrid acogerá la gala
de la XIII edición de los
premios Max
El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid es, finalmente,
el marco elegido para albergar la XII edición de los premios Max de las
Artes Escénicas, que se celebrará el próximo 3 de mayo. Así, la preciada
manzana vuelve a la capital, que fue la anfitriona en su primera edición
en 1998, tras varios años viajando a lo largo y ancho de la geografía española: Barcelona (1999 y 2006), Bilbao (2001 y 2007), Sevilla (2000 y
2008), Valencia (2002), Vigo (2003), Zaragoza (2004), Guadalajara
(2005) y Las Palmas de Gran Canaria el pasado 2009.
Por otro lado, al cierre de esta edición de EL ESPECTÁCULO TEATRAL ya
se había hecho publica la concesión del premio Max 2010 de Nuevas
Tendencias a Pep Bou, artista que lleva más de tres décadas creando originales espectáculos a base de pompas de jabón; y del premio Max
Hispanoamericano al CELCIT, Centro Latinoamericano de Creación e
Investigación Teatral, fundado por Luis Molina en 1975. Estos galardones
constituyen dos de las cuatro estatuillas que se entregan por designación
directa junto al Premio de la Crítica y el Premio de Honor.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
El Festival Internacional de Circo Ciudad de Albacete
acogió la III edición de sus premios
Foto de familia de los galardonados en la III
edición de los premios Festival Internacional de
Circo Ciudad de Albacete, que se entregaron el
22 de febrero.
Entre el 18 y el 22 de febrero se
celebró la tercera edición del
Festival Internacional de Circo
Ciudad de Albacete, el único de sus
características que se celebra en
España. Cuatro grandes espectáculos acogieron las actuaciones de 83
artistas procedentes 14 países diferentes, cuyo trabajo fue valorado
por los 15 miembros del jurado de
sus premios, que se entregan desde
su primera edición. A continuación
exponemos los nombres de los
artistas que finalmente resultaron
ganadores de estos galardones, que
se entregaron en una gala celebrada el día de la clausura del festival
y en la que se pudieron ver de
nuevo los números ganadores.
Fotos: Bertrand Guay.
Acróbatas de Oro
Premio de la Crítica
- Mongolian Power,
de Mongolia.
- Du Siêu Nhân, de Vietnam.
- Duo Rose, de EE.UU.
Premio del Público
Acróbatas de Plata
- Du Siêu Nhân,
de Vietnam.
- Jun Luo, de China.
- Eliza Khachantryan, de Armenia.
Acróbata de Bronce
Premio Especial
de Circuba
- Eliza Khachatryan
- The Zunyi Acrobatic
Troupe, de China.
- Victoria Elisenko, de Rusia.
Premio de Rosgocirk
Premio de la Imagen
Premio del Circo
de San Petesburgo
- Tom Dougherty & Pepe Silva,
de EE.UU y España.
- Papin Khachatryan
- Matt Henry
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el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
El Fantasma de la Ópera
opinión
compañías
teatro de texto
Del miedo a la acción:
cambiemos la realidad
Miedo. Sí. Miedo a opinar, a caer mal, a perder el puesto de trabajo, la subvención o los
bolos en redes. Miedo a ser cesado en el
INAEM, en las Consejerías de Cultura de las
Comunidades Autónomas. Miedo a no renovar
el contrato de director gerente o programador
de un teatro público. Miedo a no pagar las
nóminas. Miedo a no cobrar nunca las facturas de algunos teatros públicos. Miedo a dar la
cara. Miedo al debate de las ideas. Miedo a
cambiar el actual sistema de artes escénicas
agotado, hundido y fracasado. No nos vendría
mal releer el clásico “Miedo a la libertad”, de
Erich Fromm.
Me dicen que esta columna carece de interés,
según alguien importante de la Red Española,
por desconocer mi identidad. ¿Pero qué es
más importante: la identidad de quien propone las ideas o las propias ideas en sí mismas?
Ayuntamientos morosos. Cambiemos la realidad.
Miedo . Es el título de un artículo que publicaba Ignacio García May en EL CULTURAL de EL
MUNDO el 26 de febrero de 2010.
Reproduzco un fragmento de su artículo:
“Es el gran tema, pero no oirán ustedes hablar
de él porque hayan mecanismo terrible para
silenciarlo: el miedo. En privado, actores, productores, distribuidores, te cuentan datos
pavorosos sobre la morosidad de los ayuntamientos, sobre los sospechosísimos comportamientos de muchos programadores que hacen
su trabajo como si llevaran traje cruzado a
rayas, una cicatriz en la mejilla y una ametralladora Thompson de barril bajo el brazo. Pero
los mismos que relatas estas cosas te ruegan
después que no comentemos nada de lo que te
han dicho y se niegan a confirmar en público
sus palabras cuando se les requiere para ello.
Esto ni es una democracia ni es nada: estamos
en Chicago 1930”.
En su columna de 26 de marzo, García May
cita un nombre: el Ayuntamiento de Parla es
moroso, les debe a su Compañía el pago de su
actuación de “El hombre que quiso ser Rey”.
Y me consta que Parla debe facturas desde el
año 2008 a otras empresas. ¿A qué espera la
Consejería de Cultura de la Comunidad de
Madrid para cumplir con su propio Reglamento
y expulsar al Teatro Jaime Salom (de Parla) de
la Red de Madrid? Empecemos ya a cambiar la
realidad: ni un solo teatro moroso que pueda
contratar en ninguna Red. Y si las Autonomías
no cumplen con un precepto básico que el
Gobierno de España intenta combatir (la morosidad de las administraciones públicas), que al
menos FAETEDA (la Federación de
Asociaciones de Empresas de Teatro y Danza)
envíe una circular a todas sus empresas asociadas y que ninguna acepte ser contratada
por los Ayuntamientos reiteradamente morosos. Y de esto, no tienen responsabilidad los
programadores, sino sus concejales de
Hacienda y sus Alcaldes. Ellos padecen las
consecuencias de trabajar para Ayuntamientos
morosos. Las compañías que se contraten con
Ayuntamientos morosos son igualmente responsables de permitir que el sistema siga favoreciendo la morosidad.
Si no es posible aumentar la demanda, hagamos
lo imposible por descender la exagerada oferta
de producciones escénicas. Sigamos cambiando
la realidad entre todos. Es queja habitual de
todos los coordinadores de redes y programadores de teatros públicos constatar el número
elevadísimo de propuestas de producciones.
Es materialmente imposible coordinar un sistema de redes que pueda ser coherente y dar
satisfacción a tantas compañías existentes. No
hay coordinador ni comisión que pueda ver
tantas obras, ni en vivo ni en DVD. La selección para los plenos de las Redes ha de ser,
obligadamente, arbitraria. Al gusto y buen
entender de quien selecciona. Y en “el gusto”
entran consideraciones muy diferentes: desde
“el prestigio” de la empresa productora o de
los actores hasta la idea muy extendida en
algunos (no sé por qué) de que en Red deben
girar los denominados “proyectos de riesgo,
alternativos o no comerciales”, dejando fuera
propuestas más convencionales. No parece ni
justo ni ético que haya quien seleccione sin ver
o que todos seleccionen lo que un miembro de
la comisión recomienda o no se seleccione lo
que otro miembro descalifica. Estamos en un
Estado de Derecho, que debería disponer de
controles de calidad, capacidad, mérito y concurrencia, y no un sistema basado en el “individualismo” del dedo selector. Empecemos a
cambiar la realidad. Si el problema de este
comportamiento arbitrario es el excesivo
número de ofertas que reciben las Redes (desbordamiento de trabajo de coordinadores y
miembros de sus comisiones), busquemos un
sistema que lo haga más restrictivo o destruyamos las redes y hagamos el edificio de nuevo.
Tal vez, las ayudas a la producción deberían
ligarse también con la exhibición en sus
Comunidades. Por otra parte, la presentación
de proyectos a redes debería distinguir entre
empresas de nueva creación (un porcentaje
determinado) y empresas consolidadas. En
este caso, debería exigirse que las empresas
hubieran girado el año anterior por un número
mínimo de Comunidades Autónomas, que sus
espectáculos hubieran sido contratados en un
número mínimo de representaciones a taquilla, y otros requisitos que valoren la comunicación cultural entre Comunidades Autónomas,
muy especialmente, los proyectos de coproducción entre empresas de diferentes
Comunidades. Vale ya de tanto “paternalismo”
autonómico, que sólo sirve para encerrar más
en el propio territorio a las compañías propias.
Habría que plantarse también la eliminación
de las comisiones de selección de las redes,
pantallas de defensa y justificación, absolutamente desacreditadas en el sector. O elija
cada teatro a su gusto entre las propuestas
admitidas (según una normativa exigente,
como decía antes) o que la selección la realice la propia Comunidad (pues es la que paga)
de acuerdo con su política cultural de apoyo a
lo que considere oportuno: dramaturgias
nacionales, clásicos, danza, etc. Las Redes,
en fin, deberían redefinirse desde las nuevas
realidades: los espacios escénicos públicos
comienzan a estar gestionados por empresas
privadas y deben formar parte de las redes y
también los espacios de naturaleza y gestión
privadas. Tampoco deberían quedar fuera de la
organización las asociaciones de los usuarios
de las redes. Por respeto y por coherencia.
Pero el exceso de producciones escénicas se
debe combatir también con modificaciones
radicales en las ayudas a las producciones de
cada Comunidad. Unas ayudas que deberían
valorar las producciones ya estrenadas, el riesgo asumido real, la estabilidad laboral de la
empresa (en tiempos de paro, no sería mala
idea conocer las personas en nómina de las
empresas que se presentan a las subvenciones), y los criterios basados en la modernización de nuestras artes escénicas, la captación
de públicos, la promoción de nuestros creadores actuales y el fomento de las producciones
para niños y jóvenes.
Y creemos de una vez la ACADEMIA DE
ARTES ESCÉNICAS. Seamos libres, por favor.
Luzmán
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
La CNTC estrena “La moza de cántaro” en
Madrid y presenta un programa doble en Barcelona
La comedia costumbrista “La moza de cántaro” pertenece a la última etapa
de Lope de Vega. Como en muchos de sus argumentos anteriores, Lope
presenta a una mujer adelantada a su época, con iniciativa y carácter para
hacerse valer en un mundo eminentemente masculino. Obligada a vengar
una afrenta familiar, la dama protagonista huirá de su acomodada vida y se
convertirá en criada, una moza de cántaro, uno de los personajes más
populares de la época. La Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC)
representa esta pieza que fue estrenada en el teatro Juan Bravo de Segovia
el 27 de marzo y que se ofrecerá en el teatro Pavón de Madrid del 9
de abril al 13 de junio.
La versión de “La moza de cántaro” que ha escogido la CNTC ha sido la
realizada por Rafael Pérez Sierra, y cuenta con la dirección de Eduardo
Vasco y con los actores Mamen Camacho, María Prado, Héctor Carballo o
Mario Retamar, entre otros.
Por otra parte, la compañía presentará otros dos montajes en el teatro
Victoria de Barcelona entre el 8 de abril y el 30 de mayo. La primera obra
será “¿De cuándo acá nos vino?”, de Lope de Vega, dirigida por Rafael
Rodríguez, que podrá verse hasta el 9 de mayo. Unos días después, el 14 de
mayo, se estrenará “El pintor de su deshonra”, de Calderón de la Barca,
dirigida por Eduardo Vasco, director de la CNTC.
Durante los meses de junio y julio la compañía iniciará una gira con “La
moza de cántaro” y participará en varios festivales de teatro clásico como
el de Cáceres, el de Alcalá de Henares, el de Almagro, o el de Olmedo.
“Peribáñez”, la versión
de Los Barracos del clásico
de Lope de Vega
El teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes de
Madrid estrenó el pasado 26 de marzo el nuevo espectáculo de
la compañía Los Barracos, titulado “Peribáñez”, una versión de
la obra de Lope de Vega “Peribáñez y el Comendador de Ocaña”.
La producción, que se representó los días 26, 27 y 28 de marzo,
coincidió en su estreno con la celebración del Día Internacional
del Teatro.
El argumento cuenta el drama de los amores entre Casilda y el
Comendador de Ocaña, y los celos que llevan al villano
Peribáñez, marido de Casilda, a matar al Comendador. Lope de
Vega trata en esta ocasión el tema de la honra aplicada a un personaje que no pertenece a la nobleza, cosa que no aceptaba la
tradición popular por derivar en el enfrentamiento entre noble y
villano.
Bajo la dirección de Amaya Curieses, y con tan sólo dos años de
trayectoria, Los Barracos trata de recuperar el espíritu de La
Barraca, la compañía que fundase Federico García Lorca a principios del siglo pasado. “Peribáñez” es la segunda obra de la
compañía tras el montaje de “El caballero de Olmedo”, que precisamente fue la última obra representada por La Barraca.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
teatro de texto
La pasión turbulenta y el binomio
amor-muerte se dan
cita en “Senso”
“Senso” es el relato que cierra la serie “Historias vanas”, de Camilo Boito,
y es además el que mayor fortuna ha tenido gracias a la adaptación
cinematográfica que realizó Visconti en 1954. Narra, a través del diario
secreto de la protagonista, la condesa Livia, la relación que ésta tuvo con
un teniente austriaco quince años antes, y que en el momento en el que se
desarrolla la obra decide contarse a sí misma a modo de autoanálisis. Livia,
con 22 años y en plenitud de su belleza, conoce al joven y apuesto oficial
del que se enamora perdidamente. La pasión le empuja primero al adulterio,
luego a la desesperación, y finalmente a la humillación. Enfrentada a la
cruda realidad, se abre paso en su mente la idea de la venganza.
La historia que ahora ha llevado a las tablas la compañía asturiana El
Callejón del Gato recrea lo temas preferidos de la “Scapigliatura”,
movimiento literario en el que se encuadra: la pasión turbulenta y el
binomio amor-muerte, pero añade además un rasgo novedoso: la
logradísima figura de la protagonista, que ha mantenido una vigencia
extraordinaria y que sigue conmoviendo a los lectores y espectadores de
hoy en día. Moisés González dirige a Ana Eva Guerra, Javier Expósito y Ana
Morán en esta versión en la que el espacio sonoro creado por Ramón Prada
cuenta con una importancia propia. Su estreno se produjo el pasado 6 de
marzo en el teatro Palacio Valdés de Avilés (Asturias).
Nueva York acogió
“Cientos de pájaros
te impiden volar.
Bodas de sangre”
El Instituto de Arte Teatral Internacional de Manhattan (Nueva York) albergó del 25
de marzo al 3 de abril la propuesta escénica “Cientos de pájaros te impiden volar.
Bodas de sangre”, de la compañía Ábrego Teatro.
Esta obra, coproducida por la propia compañía y Desdeelsur Teatro, de Argentina,
ahonda en la necesidad de muchos individuos por mantener su parcela de libertad
en una sociedad que nos impone unos valores convertidos en leyes. La violencia
como argumento recurrente y la sensación de impotencia de la persona que se siente presa del sistema derivan en la apuesta que hace Ábrego por un teatro que investiga y se renueva desde dentro.
La referencia lorquiana incluida en el título alude a ese teatro que llegaba a escandalizar por la crítica implícita a la sociedad que había en los textos del autor granadino, y que Pati Domenech, que firma este montaje, actualiza trasladando las
situaciones al siglo XXI. Interpretada por María Vidal, que fue premiada en 2009 por
la Asociación Hispánica de Actores Latinos de Nueva York por su trabajo en “El corazón de Antígona”, la obra está codirigida por Pati Domenech y Jorge López, responsable de la agrupación bonaerense Desdeelsur Teatro.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
“¡Luz, más luz!” es el homenaje de Helena
Turbo Teatro a la escritora Mercedes Pinto
La escritora canaria Mercedes
Pinto es una de las figuras más
destacadas en la lucha por los
derechos de las mujeres en nuestro país. Nacida a finales del siglo
XIX en Santa Cruz de Tenerife,
desde joven tuvo una gran inquietud viajera y adelantada a su tiempo. Esta actitud le llevó a vivir en
Madrid y a dedicarse a escribir
para reputados medios, gracias a
lo cual entró en contacto con personajes de la talla de Ortega y
Gasset. Sus ideas acerca del papel
de la mujer y la necesidad de instaurar el divorcio le llevaron al exilio forzado en Uruguay.
Helena Romero, directora de la compañía Helena Turbo Teatro, ha extraído algunos fragmentos
pertenecientes a “Ventanas de colores”, una recopilación de sus artículos publicados en el
Excelsior de México entre 1973 y 1976, para realizar este montaje. Las actrices Guacimara Gil
y Carmen Hernández dan vida al personaje de Mercedes Pinto en diversos momentos de su vida,
acompañadas por la música que interpreta al piano Conchi Reyes.
Estrenada en el Parque de San Telmo de Las Palmas de Gran Canaria en el mes de abril de
2009, “¡Luz, más luz!” llega ahora a la sala Plot Point de Madrid los días 10 y 11 de abril. La
obra regresará a Madrid los días 13 y 14 de mayo, en esta ocasión a la sala Espacio Temporal,
y el 15 de mayo será la sala La Nave del Duende de Cáceres la que acoja este montaje que cuenta con el patrocinio del INAEM y Canarias Crea.
“Obsession Street”, candidata al premio
Max al Mejor Espectáculo Revelación
“Obsessión Street”, obra producida por
Nacho Vilar Producciones y Creaciones
Paspartú, ganadora del premio Palencia
de Teatro en 2008, opta ahora al premio
Max al Mejor Espectáculo Revelación por
la región de Murcia. Quién quiera conocer
sus características antes de la concesión
de estos importantes galardones, tiene la
oportunidad de ver este montaje en
Beniaján el 16 de abril, en el Palmar al
día siguiente, y en Totana el día 30 del
mismo mes, todas ellas localidades murcianas.
La obra, escrita por Diana de Paco y dirigida por Mariano de Paco Serrano, propone una reflexión sobre cómo nos construimos a nosotros mismos dejándonos llevar
por nuestras pequeñas obsesiones, que
crecen y se hacen hueco en la psique
hasta que somos casi incapaces de controlarlas y entonces nos abandonamos a
ellas, sin razonar, sin reflexionar, sin
pararnos a pensar qué estamos haciendo
con nosotros mismos y con los demás.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
teatro de texto
“Los chicos de Historia” recibirán sus
clases en Madrid desde el 22 de abril
La programación teatral del teatro Goya de
Barcelona se retomó en octubre de 2008, después de permanecer varios años cerrado, con
la obra “Los chicos de Historia”, un texto de
Alan Bennet, actor muy valorado en Reino
Unido, elegido personalmente por el director
artístico del recinto catalán: el conocido actor
Josep María Pou. Con esta elección, este
reputado profesional quiso dejar clara la que
sería su línea de trabajo, y él mismo se encargó de dirigir y protagonizar este montaje de
Focus que el próximo 22 de abril llegará a los
Teatros del Canal de Madrid, donde permanecerá hasta el 9 de mayo.
“’Los chicos de Historia (The History boys)’
es una obra insólita y extraña que habla de
muchas cosas que me gustan (y preocupan a
la vez): de la educación, de la enseñanza, de
la cultura, de los libros, de la poesía, de los
clásicos del cine, de la música popular, del
teatro, del placer de jugar y de las ganas de
aprender. Y lo hace de forma emotiva, inteligente y divertida, presentando sobre el escenario a un grupo de chicos que quieren
comerse el mundo, y a un grupo de maestros
–demasiado hartos algunos, demasiado hambrientos otros– arriesgándose juntos en el
largo viaje del conocimiento”, manifiesta el
propio Pou sobre este texto.
El argumento empieza en una pequeña
escuela pública masculina situada en la
región industrial del norte de Inglaterra.
Trastocados por el sexo, los deportes y el caos
que supone crecer en los años 80, los chicos
se ven ayudados, y a veces mareados, por dos
maestros diametralmente opuestos en sus
métodos. Irwin es un recién licenciado en
Oxford, joven emprendedor que el director del
centro ha contratado para que prepare a los
alumnos para afrontar con garantías las pruebas de acceso a las más prestigiosas universidades. Héctor, el inconformista profesor de
literatura de toda la vida, se salta todas las
reglas intentando ayudar a los estudiantes a
descubrir su propia sabiduría. Mientras los
dos se disputan la lealtad, las mentes e incluso los corazones de los chicos, imparten lecciones fundamentales a la vez que ponen al
descubierto sus defectos.
Este texto de diálogos brillantes se estrenó en
el teatro Nacional de Londres en 2004 bajo
la dirección de Nicholas Hytner, y causó sensación nada más ponerse en escena. Después
de una exitosa gira mundial hizo temporada
en Broadway y acaparó varios galardones,
como seis Tony y tres Olivier. Antes de que la
obra llegase a los Estados Unidos, y a raíz del
entusiasmo generado por el montaje teatral,
Alan Bennet y Hynter pensaron llevar el argumento a la gran pantalla, objetivo que lograron en menos de un año. En la versión española a Josep María Pou le acompañan sobre
el escenario los actores Josep Minguell, Maite
Gil y Jordi Andujar como profesores, y Nacho
Aldeguer, Javier Beltrán, Albert Carbó, Oriol
Casals, Alberto Díaz, Xavi Francès, Ramón
Pujol y Juan Vázquez como alumnos.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
El teatro Lara de Madrid acoge la adaptación de la novela de
Elvira Lindo “Algo más inesperado que la muerte”
Dirigida por Josep María Mestres, la segunda novela escrita por Elvira Lindo ha
sido adaptada por la propia escritora y Borja Ortiz de Gondra para ser llevada al
teatro. “Algo más inesperado que la muerte” llegó al teatro Lara de Madrid el
pasado 24 de marzo tras su gira por Colombia y Luxemburgo, países en los que
ha cosechado un gran éxito.
Con el tono burlesco que suele emplear su autora, “Algo más inesperado que la
muerte” cuenta la historia de Eulalia, una periodista cuarentona casada con
Samuel, un prestigioso escritor de ochenta años. El universo que rodea a esta
pareja está repleto de ambiciones y frustraciones, intentos por acercarse a cualquier precio a la fama, y la necesidad de sobrevivir que tienen los personajes ante
el mundo hostil de la gloria literaria. También habla del amor y la diferencia de
edad, de la necesidad de sentir la adulación que ofrecen los admiradores, y del
sexo como arma para lograr un fin.
Josep María Mestres, ganador del premio ADE al Mejor Director de Teatro 2007,
dirige a Esperanza Elipe, Carmen Ruiz, Juan Antonio Quintana y David Luque en
esta reflexión sobre lo que se considera éxito en la sociedad actual y la importancia que se le da.
“Algo más inesperado que la muerte”, producida por Los Smiths Producen y Vania
Produccions, permanecerá durante el mes de abril en el teatro Lara de Madrid.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
teatro de texto
“Angelina o el honor de un brigadier”
continúa de gira por toda España
Desde su estreno el pasado 12 de diciembre
en el teatro Juan Bravo de Segovia, y tras su
paso por los Teatros del Canal de Madrid, las
peripecias de “Angelina o el honor de un
brigadier” no han dejado de seducir al público
de todo el país. Más de quince mil
espectadores ya se han rendido ante una de
las mejores obras de Jardiel Poncela.
Sobre el telón de fondo de 1880, con sus
duelos a pistola, sus damitas de salón, sus
caballeros engominados, sus militares, sus
batallas y todo el oropel que quedaba del
Imperio, Jardiel escribe un drama en verso con
el mecanismo preciso de su humor más
explosivo, delirante, original y vanguardista.
Doce actores en escena, encabezados por
Chete Lera, Soledad Mallol, Jacobo Dicenta y
Carolina Lapausa, defienden esta propuesta
artística inspirada en la “comedia del arte” y
con guiños al cine mudo.
Tras el éxito de público y crítica a su paso por
Alicante, Pamplona, Elche, Orense o Zamora, a
este montaje de Pérez de la Fuente
Producciones le aguardan ahora otros retos
más inmediatos por tierras de Zaragoza, Cádiz,
la Comunidad de Madrid, Galicia o Barcelona.
Todas las aventuras de “Angelina o el honor de
un brigadier” y su periplo por España puede
seguirse a través de su blog y de su página en
Facebook.
Producciones La Platea mantiene abierta la contratación
de “El manuscrito Calderón”
“El manuscrito Calderón”, el nuevo montaje de la compañía La
Platea, transcurre en la España de los Austrias del siglo XVII.
En él se cuenta cómo, tras la muerte de Felipe IV, los teatros
madrileños han cerrado sus puertas en señal de luto por la
muerte del monarca. Mientras el público espera su reapertura
con una anunciada y nueva obra de Calderón de la Barca, el
estreno estará a punto de verse truncado cuando se descubra
que las tres copias de la obra han desaparecido. Sólo el pesquisidor Pedro Capablanca, junto a su fiel amigo Fray
Hortensio Algodonales, será capaz de investigar el caso y resolver el enigma reuniendo las pistas necesarias.
El Gran Teatro de Córdoba estrenó el pasado mes de diciembre
esta producción de tintes clásicos basada en la novela de José
Calvo Poyato, para la que Manuel Canseco ha realizado la
adaptación. Intriga, emoción y mucho humor son los ingredientes de esta nueva propuesta de La Platea, que cuenta con once
actores entre los que se reparten los veintitrés personajes de la
obra.
Presentada en el mes de febrero en el teatro El Jardinito de
Cabra (Córdoba), la compañía mantiene abierta la contratación
de este divertido espectáculo.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Teatro del Temple ofrece sus tres
espectáculos más recientes en Madrid
La compañía zaragozana Teatro del Temple va a rea“El público”.
lizar una temporada intensiva entre los meses de
abril y mayo en el teatro Fernán Gómez de Madrid.
En el conocido espacio de la plaza de Colón la agrupación va a representar sus tres espectáculos más
recientes.
El primero en llegar será “Luces de Bohemia”,
montaje con el que ya consiguió una gran acogida
por parte del público madrileño el año pasado,
cuando fue representado durante un mes en el teatro Fernando de Rojas del Círculo de Bellas Artes.
La conocida obra de Valle-Inclán, ejemplo vivo del
Esperpento que patentó su autor, se podrá ver ahora
en la sala I del Fernán Gómez entre el 14 de abril y
el 2 de mayo.
El segundo en representarse será “El público”, la
pieza más vanguardista y personal de Lorca. En la
obra no solo aparece como tema el erotismo lorquiano, sino que apuesta por la renovación escénica a través del surrealismo, en el que ya estaban
metidos sus amigos Salvador Dalí y Luis Buñuel. En esta ocasión será la sala II del Fernán Gómez
la que acogerá esta obra entre los días 5 y 9 de mayo.
Por último, Teatro del Temple ofrecerá entre los días 12 y 30 de mayo, también en la sala II del
recinto madrileño, su más reciente estreno, “El licenciado Vidriera”, escrita por Miguel de
Cervantes. La compañía ha construido esta adaptación como un “ñaque contemporáneo” en la
que la historia a contar está personificada a través de dos actores: uno de ellos es el conductor
de la trama como alter ego del propio Cervantes, y el otro es el protagonista de la fábula.
La actriz Terele Pávez reaparece en los
escenarios con la comedia “¡Mamááá!”
El pasado 19 de marzo tuvo lugar en el teatro Zorrilla
de Valladolid el estreno de la comedia “¡Mamááá!”, a
cargo de la compañía La Recua Teatro en colaboración
con la productora Está Por Ver. Este estreno ha
supuesto la vuelta a los escenarios de la actriz Terele
Pávez, que junto a Carles Castillo protagoniza esta
ácida y divertida visión de las relaciones familiares a
través de unos atípicos personajes.
Una anciana de 102 años con pocas ganas de morir
hace la vida imposible a su hija de 70, casada con un
marido mediocre, y a su hijo, que cuida de la anciana
y está a punto de matarla. A este panorama se unen
una testigo de Jehová, una casa en venta y muchos
timbres que exigen ser atendidos. Elena Diardes se ha
hecho cargo de la dirección en esta comedia de tintes
negros y cargada de reflexión escrita por Pep Antón
Gómez y Jordi Sánchez, con el que La Recua insiste
en su vocación por hacer teatro social sin dejar de lado el sentido del humor.
Tras su paso por el teatro Zorrilla de Valladolid entre el 19 y el 21 de abril, la obra se trasladará a Villarrubia de los Ojos (Ciudad Real) para una única función el 10 de abril, a Quintanar del
Rey (Cuenca) el día 16, y a Guadalajara el 30 de abril. Ya en el mes de mayo “¡Mamááá!” recalará en Elche (Alicante) el día 21, y en Bolaños de Calatrava (Ciudad Real) el día 23.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
humor
clown
“Mejorando lo presente”,
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
“La prematura muerte de
un viajante” en clave de clown
otro divertido punto de vista
del hoy y del ayer
Dani López.
Muchas veces hemos oído eso de “si las cosas están bien, ¿para qué
cambiarlas?”, pero el dúo Vaya por Dios parece no estar de acuerdo. Por
eso, en su espectáculo “Mejorando lo presente”, y a través del humor,
la música, los clichés de toda una generación y la participación del
público, consiguen darle la vuelta al presente, incluso si es necesario,
tergiversando el pasado. Desde el 19 de marzo se puede ver este espectáculo en el teatro Fígaro-Adolfo Marsillach de Madrid.
El dúo Vaya por Dios, formado por Pedro Llamas y Dani
López, se formó en 2003 e inició su carrera en televisión,
con intervenciones en programas de Antena 3 y TVE1.
Desde entonces han pasado por diferentes canales (TVGA,
Paramount Comedy…) como artistas invitados, y hasta
han hecho su propio programa de radio, “Emisión pirata”,
de Onda Cero.
Pedro Llamas.
Además han cosechado miles de aplausos en sus actuaciones en directo en auditorios, teatros y salas de todo el país, así como
en numerosos eventos para empresas. Por otro lado, tanto Pedro Llamas
como Dani López son monologuistas del canal Paramount Comedy
desde 2001 hasta la actualidad. Ambos cuentan con 10 años de experiencia en el terreno de la stand-up comedy y como cómicos de improvisación con el grupo Factoría Improv, junto a los también cómicos
Luismi y Carlos Ramos.
“El título de este espectáculo no
es mi madre” prosigue con su divertida gira
Santiago Molero y Rulo Pardo, integrantes de Sexpeare, continúan con las representaciones por
todo el país de “El título de este espectáculo no es mi madre”, su más reciente creación
humorística. El 23 de abril esta irreverente obra se podrá ver en Molina de Segura (Murcia), en
mayo hará escala en Alcantarilla (Murcia) y Vitoria los días 7 y 14 respectivamente, y en junio
la disfrutarán los espectadores de Alcorcón (Madrid) el día 12, y de Totana (Murcia) el día 24.
Los propios componentes del dúo nos dieron su personal visión de su actual, alocado y
desternillante proyecto escénico: “’El título de este espectáculo no es mi madre’ es sin duda
alguna nuestra pieza más positiva, más vital, pese a ser una obra que habla de muertos. Vida y
muerte se dan la mano y el pie en una historia que está encontrando un público muy variopinto
y que, a diferencia de otros montajes de nuestra compañía, gusta tanto a niños como a muertos.
Como en obras anteriores, el cine es un referente en nuestro trabajo creativo. En esta ocasión
contamos la historia de Marco, una especie de ‘Mito Bourne’ pero en danza, y encontramos
escenas con ‘Comentario de los directores’, planos subjetivos 3D desde el interior de una
persona, la propia muerte promocionando el frigo pie, laberintos sin David Bowie, Luis Cobos
recaudando derechos de queso, Betteluqui o Juanquinchus, pinchadiscos del tren de los zombis,
y tantos otros… En definitiva, fieles a nuestro propio estilo, paseamos esta obra por toda España
con orgullo y algarabía mientras la gente canta a nuestro paso: ‘Ahí llegan los Sexpeare, con
una obra color de fresa y sabor de alegría… Ole mi mare, ole mi suegra y ole mi tía’”.
Dos payasos intentan representar una obra maestra del teatro contemporáneo: “La muerte de un
viajante”. Raspa, que encarna al protagonista, Willy Loman, quiere hacer una versión fiel al texto
original. Por el contrario, Rudo, el director, quiere hacer una obra basada en el “subtexto”. Así,
Willy Loman pasará por muchas y variopintas situaciones: viajará en patera, hará colas interminables ante la ventanilla del INEM, será enviado en misión “muy especial” a la luna, y acabará
en el juzgado de guardia acusado de maltrato a su mujer…
Práxedes Nieto, Víctor Carretero y Fernando Fabiani, de la compañía Síndrome Clown, son los
creadores de “La prematura muerte de un viajante”, una obra que los dos primeros interpretan
y el tercero dirige, y que se podrá ver en la sala La Fundición de Sevilla los días 29 y 30 de
abril, y el 1 y 2 de mayo. Los tres afrontan, desde la perspectiva del clown, la eterna dualidad
de Arthur Miller, maestro indiscutible del drama contemporáneo, que “siempre combinó la exigencia estética y el compromiso ético”. Lo que la compañía pretende, manteniendo siempre la
tónica de humor y el aire absurdo de sus montajes, es llevar a cabo una dura crítica social a
temas tan actuales como la emigración, la burocracia, la búsqueda de la fama, el progreso, la
justicia… con el argumento de la obra de Miller como hilo conductor. Ya lo dijo precisamente él
en una ocasión: “el arte debe servir para cambiar la sociedad”. Y qué mejor forma de cambiarla que mediante una sonrisa.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
musicales
“Forever King of Pop”, la mayor producción
española en homenaje a Michael Jackson
El pasado 13 de marzo se estrenó en el teatro Lope de Vega de Madrid el
musical “Forever King of Pop”, un musical que gira en torno a la figura de
Michael Jackson, el indiscutible Rey del Pop. Desde los comienzos de su
temprana carrera, Michael conoció el éxito junto a sus hermanos con el
grupo The Jackson’s Five, y ya en solitario logró convertirse en un icono
del siglo XX gracias a su música y su baile irrepetibles. Los espectáculos
en torno a su figura han comenzado a surgir en todo el mundo en respuesta
a su repentina muerte el pasado verano, y se suceden los homenajes tanto
en Estados Unidos como en Europa y Asia.
La productora Summum Music ha apostado por “Forever King of Pop” para
ofrecérselo a todos aquellos que alguna vez han disfrutado con el estilo
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
“Ron Lalá Directo”, una
desternillante propuesta músico-teatral
musical de Michael Jackson, y ha reunido a un elenco de bailarines y
profesionales para llevarlo a cabo. La idea original y la producción del
espectáculo han partido de Carlos Javier López, que cuenta con la
presencia de Jesús Sanz-Sebastián en la dirección escénica y artística, y
Miguel Blanco y Guillermo González en la musical. Más de cuarenta
bailarines arropan a los dos grandes protagonista que dan vida al
personaje de Michael Jackson, que son Fran Jackson, doble oficial en
nuestro país, y Mampuele, avalado por diversos clubs de fans del
cantante.
La música interpretada en directo cuenta con la presencia de un coro
gospel formado exclusivamente para este montaje.
Elena Roger protagoniza en
Madrid el musical “Piaf”
El próximo 13 de abril llegará a la cartelera madrileña el musical “Piaf”, la adaptación de la vida del “Gorrión de París” que constituyó todo un fenómeno de público en Londres, además de cosechar inmejorables críticas. El Nuevo Teatro Alcalá
acogerá la producción original de este espectáculo, realizada por Donmar
Warehouse bajo la dirección de Jamie Lloyd. Y en el papel de Édith Piaf estará la
actriz argentina Elena Roger, quien ya cosechó un prestigioso premio Olivier a la
Mejor Actriz de Musical precisamente por este rol.
La versión original de “Piaf” está firmada por Pam Gems, y recrea la vida de la
cantante francesa Édith Giovanna Gassion, más conocida como Édith Piaf, nombre artístico bajo el que se convirtió en todo un icono de la canción francesa. La
obra hace un recorrido por las canciones más sobresalientes de su carrera, con un
repertorio de trece temas en el que, como es de esperar, aparecen canciones
imprescindibles como La vie en rose” o “Non, je ne regrette rien”. De su producción ejecutiva y su gestión en España se encarga la empresa Maji.
Con unos cuantos instrumentos y muchas canciones, los siete miembros que forman Ron Lalá
hacen un repaso a su carrera en el nuevo espectáculo que ahora presentan, “Ron Lalá Directo”.
El montaje revisita sus comienzos en el mundo del café-teatro, pasando por “Si dentro de un
limón metes un gorrión el limón vuela”, ganadora de tres premios en 2003, “Mi misterio del
interior”, finalista del Premio Nacional de Teatro Mayte 2007, hasta llegar a “Mundo y final”,
su espectáculo más reciente hasta el momento y finalista del Premio Max Revelación en 2009.
“Ron Lalá Directo” recopila los grandes éxitos de la compañía formada por los actores-músicos
Juan Cañas, Iñigo Echevarría, Miguel Magdalena, Daniel Rovalher y Álvaro Tato, dirigidos por
Yayo Cáceres junto a la ayudante de dirección Flor Savari.
El humor que derrochan las composiciones y la puesta en escena de esta compañía, así como
los instrumentos que emplea para los diversos estilos musicales que van desde el rock hasta
flamenco, son el sello de Ron Lalá.
El 23 de marzo dieron comienzo en el teatro Gran Vía de Madrid a las representaciones de “Ron
Lalá Directo”, que continuarán hasta el 27 de abril.
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el apuntador
34
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
opinión
teatro de calle
Pablo Huetos comenzó su carrera artística compaginando sus estudios en la RESAD y en la escuela William Layton
con su trabajo, de la mano de la profesora Yolanda Porras Robles, en montajes como “Mucho ruido y pocas nueces”
(1996) o “El sueño de una noche de verano” (1998). Desde entonces no ha parado de trabajar en cine, televisión y
teatro, terreno en el que ha colaborado con Comediants, Sintalento o Angélica Lidell. Huetos es además, desde 2002,
co-fundador de la compañía Teatro DeFondo, en la que también ha ejercido como escenógrafo y ayudante de producción. Por otro lado, ha sido jefe de prensa de los festivales Escena Contemporánea y Madrid Sur, y ha colaborado con
diversas revistas teatrales, alternando así la actuación y el periodismo, carrera en la que se licenció en 1996.
“Esto lo arreglamos entre todos”, afirma una
campaña publicitaria que, en estos días, inunda las televisiones, las radios y los periódicos
de ámbito nacional. En la campaña, varios
rostros famosos y anónimos esgrimen frases
de aliento a las maltrechas tropas para que
salgan de una supuesta hibernación o postración anímica a causa de la pertinaz crisis.
Imagino que sí, que habrá gente que se sienta maniatada emocionalmente por esta situación y que agradezca esta especie de terapia
de grupo a escala masiva. Pero hay mucha
otra gente, entre la que se encuentra un servidor, que no se rinde y a la que este eslogan
le pone de los nervios. ¿Cómo que esto lo arreglamos entre todos? Por un lado, los bancos
siguen en niveles de beneficio escandalosos y
las artes escénicas, hay muchos problemas
por resolver, problemas que sólo se pueden
arreglar si los políticos se ponen en marcha.
El problema más grave que se ve hoy en día
desde una compañía de tamaño y facturación
intemedios y dedicada a la revisión de clásicos es, creo, el de toda la profesión: la morosidad, en casos alevosa, de los ayuntamientos. ¿Cómo es posible, por poner sólo un
ejemplo, que un ayuntamiento contrate un
espectáculo para el 29 de enero de 2009, el
espectáculo se lleve a cabo con un lleno absoluto y con un gran éxito y a día de hoy esa función no esté pagada? Es más: ese ayuntamiento se guarda de informar a las compañías de
la situación económica en la que está y no es
sino a través de otros compañeros de profe-
que el concejal de Cultura (¡o el alcalde!)
asuma sus funciones. ¿Ninguna de estas razones es motivo suficiente para que un municipio deje de recibir el importante apoyo de una
Red autonómica? ¿Da igual que programe
cualquiera? Es como si yo me meto a pescadero: puedo cortar tres tajadas de merluza,
claro, pero para eso existen las profesiones, la
formación, la especialización. Las cosas salen
bien cuando las hace alguien que tiene formación y experiencia en un campo determinado.
Lo cual nos lleva a otro gran problema del
sector: la formación. Formación de gestores,
de productores y, sobre todo, de público…
¿Por qué no incluir el teatro dentro de la asignatura de música? En el Reino Unido tienen
asignaturas específicas de teatro en los pri-
¿Esto lo arreglamos entre todos?
por Pablo Huetos
sus directivos cobrando incentivos y jubilaciones de bochorno mientras niegan créditos a
empresas y exprimen a los de a pie con hipotecas que vulneran el derecho constitucional a
una vivienda digna. ¿Cómo están arrimando
ellos el hombro? Por otro lado el poder legislativo y la prensa siguen ninguneando a nuestro sector y, ni se toman medidas para asegurarle al gremio lo que es suyo, ni se hace eco
de las preocupaciones de una actividad que,
según recientes estudios, supone el 2% del
PIB.
Pero lo más flagrante es el caso de los políticos, y me refiero aquí a los de ámbito local y
autonómico, que son los que más influyen en
nuestro sector. Los políticos parecen tomarse
su puesto como un chollo que les tiene que
durar todo lo posible, de modo que evitan
meterse a solucionar problemas graves de sus
administraciones porque eso, probablemente,
acorte su estancia en determinado puesto. La
idea de servicio público no existe, es un servicio para uno mismo (siempre con honrosas
excepciones y probablemente sabréis a quiénes me refiero). Claro, cuesta mucho llegar a
ser concejal de Cultura o programador como
para, una vez conseguido, ponerse a trabajar
en pro de la sociedad. En nuestro sector, el de
sión que la compañía protagonista de este
drama (Teatro DeFondo en este caso) se entera de que no cobrará esa función hasta 2011,
o sea, en el mejor de los casos, dos años después del bolo cuyos gastos (sueldos, dietas,
transporte, seguros sociales e IVA) se tuvieron
que pagar en su día, porque a la Agencia
Tributaria y a la Tesorería General de la
Seguridad Social la morosidad de los ayuntamientos se la trae al pairo. Resumiendo: el
primer problema son los ayuntamientos que
programan individualmente espectáculos que
no pueden pagar sin informar minuciosamente a las compañías. Es preferible ofrecer el
espacio para que las compañías lo exploten a
taquilla o asumir que se ha gestionado mal el
dinero de los contribuyentes y cerrar un teatro
municipal por tiempo definido hasta que la
situación económica del ayuntamiento se
haya equilibrado. Lo que no puede ser es que
las compañías estemos encubriendo los errores de determinados gestores culturales.
Otro problema es el de los municipios que
están en Red (sea esta de la Comunidad que
sea) y que, a pesar de las prácticas irregulares
de aquellos, no son expulsados de dicha Red.
Muchos municipios pagan por encima de los
90 días legales y muchos están prescindiendo
del técnico de cultura o del programador para
meros años de colegio. Evidentemente, su
percepción de lo que significa el teatro y el
acto social de ir al teatro son completamente
distintos a los de nuestro país.
Y el mayor problema de todos bajo mi punto
de vista, abundando en un debate que ya se
ha planteado desde esta revista: la falta de
corporativismo en el sector. Es urgente la creación de una Academia de las Artes
Escénicas. Hoy en día, mal que nos pese,
nuestra representación de cara al conjunto de
la sociedad son los premios Max de la SGAE
y, lejanamente, el INAEM. ¿De verdad pretendemos tener presencia en nuestra sociedad
así?
Son muchos problemas, pero los que nos
corresponden a nosotros ya los estamos solucionando, porque somos creadores, productores, hacemos que las cosas aparezcan donde
antes no había nada. Tenemos que trabajar
juntos, formémonos y formemos a nuevos
espectadores, ayudemos a tantos gestores
culturales encerrados en sus despachos.
Debemos agrandar esta tradición, esta industria, este gremio que trabaja por una sociedad
más rica y plena, en todos los sentidos. Esto
lo arreglamos entre todos, quizá, pero no con
las reglas que ya hemos visto que no funcionan.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
“Sine Terra” profundiza en
los sentimientos de exiliados,
refugiados e inmigrantes
A través del espectáculo aéreo y la poética
más intimista, la compañía de teatro de
calle Res de Res coproduce, junto al Circ
Bover, “Sine terra”, un nuevo proyecto con
el que se sumerge en el mundo de aquellos
que son desplazados de sus países voluntaria o involuntariamente.
Estos exiliados, refugiados o inmigrantes no
siempre encuentran en su destino la salvación prometida y a menudo se enfrentan a la
injusticia y al castigo por el mero hecho de
haber sido acogidos en un país diferente.
Los conceptos que baraja Res de Res en
“Sine Terra” hablan del viaje a lo desconocido, la incertidumbre y la desconfianza
ante el nuevo entorno, la añoranza de lo que
se dejó atrás y del aire como metáfora del
sueño y el deseo de libertad para llevar al
espectador a la reflexión por medio del
espectáculo.
La interacción con el público es clave en
este montaje en el que los asistentes participan activamente en el transporte de los
elementos que componen la escenografía,
en la configuración del espacio y en los tres
focos de atención que mantienen la narración de “Sine Terra”. Gracias a la colaboración con el Circ Bover, la esmerada puesta en escena se refuerza en su carácter circense por medio de la acrobacia, el equilibrio, los malabares o
la cuerda volante. El director habitual de Res de Res, Biel Jordá, se ha encargado de dirigir a
los artistas de ambas compañías entre los que destacan Carla Fontes, especialista en aéreos;
Tián Jordá, artista aéreo y fundador del Circ Bover; Jon Cilveti, músico y compositor; y Toni
Roselló, malabarista. Los ensayos tuvieron lugar en Sineu, Palma de Mallorca y el preestreno
de la obra se produjo en la capital balear a finales de marzo. A partir de este momento, las compañías viajarán con este espectáculo semi-itinerante por diversas poblaciones españolas.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
danza
El Ballet de l’Opéra National de Bordeaux presenta en España
sus montajes “Coppélia” y “Cuatro tendencias”
Desde su nacimiento en 1870, el ballet
“Coppélia” ha cambiado con los tiempos y con
las aportaciones personales de cada coreógrafo,
pero se mantiene como una pieza de carácter
cómico dividida en dos actos. En su origen, el
libreto escrito por Arthur Saint-Léon y Charles
Nuitter cuenta con la música de Léo Delibes, y
narra cómo el joven Franz se enamoraba de una
muñeca de tamaño natural creada por el Doctor
Coppelius. En el montaje del Ballet de l’Opéra
National de Bordeaux, la coreografía ha sido
creada por Charles Jude, que también dirige la
obra y que se ha inspirado en Marilyn Monroe,
paradigma de la seducción e icono del siglo XX,
para la imagen de la muñeca. “Coppelia” tendrá
una única representación el 23 de abril en el
Palacio de Festivales de Santander.
El segundo montaje es “Cuatro tendencias” y
está formado por cuatro piezas: “In the middle,
somewhat elevated”, de William Forsythe,
considerada su obra maestra; “Annonciation”, de
Angelin Preljocaj; “Etreintes brisées”, de Claude
Brumachon; y “Temporary condition”, de Vaclav
Kunes. Este ballet se ha estrenado en el Grand-
Théâtre de l´Opéra de Bordeaux en marzo de
2010. “Cuatro tendencias” se representará el
próximo 24 de abril en el teatro Campoamor de
Oviedo, el día 26 del mismo mes estará en el
auditorio Caixanova de Pontevedra, y el 27 en el
centro cultural Caixanova de Vigo. Al día
siguiente se trasladará al auditorio Pazo da
Congresos de Ourense, el 29 de abril regresará al
auditorio Caixanova de Vigo, y cerrará la gira el
día 30 en el palacio de Festivales de Santander.
De la distribución de ambos montajes en nuestro
país se encarga la empresa cantabra Armonía.
“Petipa in Memoriam” es un homenaje al
bailarín Marius Petipa en el centenario de su muerte
Este año se cumplen cien años de la muerte del bailarín francés Marius Petipa, una de las
figuras más importantes del mundo del ballet durante el siglo XIX. Con motivo de este centenario, Laura Hormigón y Óscar Torrado han querido rendir un homenaje al hombre y al
artista con la programación de “Petipa in Memoriam”. Estos dos bailarines, premiados en
2009 con el Villa de Madrid de Interpretación de Danza, se han ocupado también de la
dirección artística del espectáculo. Junto al montaje, Laura Hormigón ha estado preparando un libro que repasa los tres años que Petipa trabajó en España como primer bailarín, y
que saldrá publicado a modo de complemento del ballet “Petipa in Memoriam” a lo largo
de este año.
Marius Petipa fue un gran estudioso de la danza tradicional española, en concreto de la
andaluza, como demostró en sus ballets “Don Quixote” y “Paquita”. Tras su debut en
Bruselas, viajó por toda Europa y acabó convirtiéndose en maestro de baile del Ballet
Imperial Ruso. El homenaje que se le rinde ahora cuenta con un programa compuesto por
diez piezas de ballet interpretadas por las parejas de bailarines Laura Hormigón y Óscar
Torrado, Gulsina Mavlyukasova e Ildar Manyapov, Guzel Suleymanova y Dimitri Marasanov
–del Ballet de la Ópera de Bashkirian–, y Albina Yakimentko y Sergey Kliachin –del Ballet
de la Ópera de Kiev–.
Durante los meses de abril y mayo “Petipa in Memoriam” recorrerá las principales ciudades españolas con un paréntesis que le llevará, a mediados de mayo, al teatro de la Ópera
de Alejandría y al Opera House de El Cairo, en Egipto. La gira finalizará en el teatro Fernán
Gómez de Madrid, donde el espectáculo podrá verse los días 27, 28, 29 y 30 mayo.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Madrid acogerá el estreno de la
adaptación al ballet de “La Traviata”
La famosa ópera de Giuseppe Verdi
“La Traviata” ha servido como punto
de partida a un proyecto que transforma una pieza clásica de ópera en un
espectáculo de ballet. El bailarín y
solista Iñaki Urlezaga se ha hecho
cargo de la coreografía y protagoniza
junto al Ballet Concierto la dramática
historia de Violeta Valery sobre la
música compuesta por el autor italiano.
Eliana Figueroa es la bailarina que
interpreta a Violeta, una cortesana de
la que se enamora Alfredo Germont,
interpretado por Iñaki Urlezaga.
Aunque en un principio no quiere
renunciar a su vida por él, más tarde
también le corresponderá. Sin embargo, aquejada de tuberculosis y rechazada por la familia de su amado, decide abandonar a Alfredo, que al verse rechazado renegará
de ella. Finalmente, ya en su lecho de muerte Violeta recibe la visita de Alfredo, que acude a
suplicar su perdón al saber los motivos del abandono de Violeta.
Los más de cincuenta artistas que componen el Ballet Concierto recrean la famosa obra, que
cuenta con una puesta en escena colorista y con un lujoso vestuario. La danza neoclásica se
hace un hueco en la programación de danza de esta temporada y cuenta con esta representación en el teatro Nuevo Apolo de Madrid desde el 28 de abril hasta el 20 de mayo.
El Ballet de Moscú ofrece “El lago de los
cisnes” y “La bella durmiente” en Barcelona
Bajo la dirección artística de Timur
Fauzev, el prestigioso Ballet de Moscú llegará al teatro Coliseum de Barcelona para
representar dos de las piezas más exitosas de su repertorio.
El 28 de abril se estrenará “El lago de los
cisnes”, una obra en cuatro actos que
narra los amores imposibles entre
Sigfried y Odette con música de
Tchaikovsky y coreografía de Lev Ivanov,
Marius Petipa y Agrippina Vaganova. El 9
de mayo será el último día de representación de este clásico, que dará paso desde
el día 12 y hasta el 16 de mayo a “La bella durmiente”. También con música de Tchaikovski y
coreografía de Marius Petipa, el ballet está basado en el cuento de Charles Perrault en el que
la joven princesa Aurora es hechizada en su infancia por un hada malvada. Ya en la adolescencia el hechizo provoca que se pinche con una aguja y caiga sumida junto a los habitantes del
reino en un profundo sueño del que todos despertarán cuando un príncipe la bese.
La compañía del Ballet de Moscú fue fundada por Timur Fayed en 1989 y está formada por
algunos de los más reconocidos bailarines y coreógrafos rusos. Desde su fundación ha realizado más de sesenta giras mundiales y su repertorio incluye las mejores piezas de ballet clásico
como las dos que ahora se estrenan en el teatro Coliseum de Barcelona.
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compañías
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
danza
circo
Sara Baras presenta en Madrid su nuevo
espectáculo flamenco, “Esencia”
se decanta la artista hacen de cada montaje
algo único. “Esencia” cuenta en esta ocasión
con la participación como artista invitado de
José Serrano, coreógrafo de sus solos, y un
cuerpo de baile formado por diez bailarines.
“The Room III” cierra la
trilogía que el coreógrafo
Thomas Noone comenzó en 2008
Con la escenografía completa y el trabajo coreográfico concluido, seis interpretes se dan cita y buscan su
espacio en la habitación ideada por Thomas Noone para su proyecto “The Room”, una trilogía que se
cierra con esta última pieza.
El uso extremo de la técnica y el empleo del lenguaje contemporáneo por medio de sus propios
códigos son el sello personal de Noone. El artista ha contado con la experiencia y la creatividad
de dos coreógrafos como Max Glaenzel y Estel Cristià para plasmar en una habitación blanca
y aislada la esencia de “The Room”. La intención de Noone en este montaje es conseguir
transmitir una lectura sensorial del texto emocional que propone mediante el movimiento. Con
música original compuesta por Diego Dall’Osto, con el que el artista ya ha colaborado en
anteriores montajes, el ambiente varía desde la música contemporánea hasta las creaciones
vocales antiguas y la polifonía sagrada y profana.
Las dos fases anteriores de la trilogía de “The Room” se presentaron en septiembre de 2008
y octubre de 2009 en Barcelona, ciudad en la que está establecida la compañía Thomas
Noone Dance. “The Room III” se ha presentado los días 31 de marzo y 1 de abril
en el SAT! de Barcelona, ciudad a la que regresará después de viajar a
otros puntos de la geografía española, concretamente al Mercat de les
Flors a partir de octubre de este mismo año.
Este reciente montaje es el resultado de la
dedicación y el trabajo de una mujer que ya ha
pasado a ser una referencia del éxito y del
talento, tanto dentro como fuera de nuestro
país.
Foto: Yoana Miguel.
Este 2010 la bailarina, coreógrafa y directora
Sara Baras cumplirá doce años al frente de su
propia compañía y, después de haber creado
nueve montajes que han recorrido el mundo
entero, ha querido volver la vista atrás y reinterpretarse a sí misma en “Esencia”.
Estrenado el 12 de febrero dentro de la programación del XI Festival Mil-lenni celebrado
en el Auditorio de Barcelona, “Esencia” recoge algunas de las piezas más significativas de
los nueve espectáculos que lo preceden. Así,
Sara Baras rinde un homenaje a su carrera y
realiza una nueva lectura de cada uno de sus
éxitos en un resumen de lo que ha sido el trabajo de su compañía en estos once años de
trayectoria.
Tras su estreno en Barcelona y su paso por
Reino Unido y Suiza, el Ballet Flamenco de
Sara Baras estará en el teatro Häagen-Dazs de
Madrid desde el 23 de marzo y hasta el 11 de
abril en la que es la primera etapa de la gira
que le llevará a actuar los días 17 y 18 de abril
al auditorio de Palma de Mallorca y del 21 al
25 de abril en el Gran Teatro Falla de Cádiz.
La sobriedad de la puesta en escena, un
exclusivo cuerpo de baile, la plasticidad del
vestuario y la calidad del flamenco por el que
Les 7 Doigts de la Main revisa en
“PSY” los recovecos de la mente
Les 7 Doigts de la Main es una de las compañías más prestigiosas
del panorama circense actual y llega ahora a España con su espectáculo más reciente, titulado “PSY”. Si sus montajes anteriores se
desarrollaban en tiempos y lugares definidos, “PSY” traslada al
espectador a un mundo onírico formado por visiones fragmentadas.
Diversos personajes afectados por el insomnio, la amnesia o la
paranoia interactúan con el medio que les rodea y se evaden por
medio de la belleza y el humor que ofrecen los números circenses.
Este modo de superar las neurosis por medio del arte tiene como
resultado un nuevo espectáculo muy impactante y original, y lo
convierte en el más ambicioso proyecto encarado hasta el momento por la compañía. La investigación que se hace en torno a la psique humana da lugar a una visión surrealista de nuestras motivaciones y necesidades.
Ocho años de experiencia avalan a esta innovadora formación de
origen canadiense que continúa girando con otros tres espectáculos, “Loft”, “Traces” y “La Vie”, alrededor del mundo. Producido y
dirigido por Les 7 Doigts de la Main, cuenta también con la co-producción de Tohu de Quebec, Sadler’s Wells de Reino Unido y
Subtopia de Suecia. “PSY”, que se presentó el 6 de abril en el
Teatro Circo Price de Madrid, permanecerá allí hasta el día 18 del
mismo mes.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
El Circo Gran Fele participó
en el XII Festival Iberoamericano
de Teatro de Bogotá
La compañía española Circo Gran Fele ha presentado recientemente su
exitoso espectáculo “A” en el XII Festival Iberoamericano de Teatro de
Bogotá (Colombia), que se celebró entre el 19 de marzo y el 4 de abril. La
diversidad de géneros y disciplinas escénicas, así como su poder de
convocatoria, hacen de este festival uno de los más importantes y
multitudinarios del mundo. “A”, el espectáculo que presentaba Circo Gran
Fele, ha destacado, junto a otros cinco montajes, como una de las obras
magistrales de circo de gran formato llegadas de Latinoamérica y Europa.
“A” cuenta con números de acróbatas, trapecistas, contorsionistas,
malabaristas, escapistas y el humor de los payasos Pla y Pla. En un
entorno lleno de color, luz y sonido, el carácter teatral del que se nutre el
Circo Gran Fele se arropa también con un cuarteto de músicos en directo
que explora nuevas relaciones musicales con el mundo del circo.
Ganador de varios premios entre los que se encuentran el Premio Max de
las Artes Escénicas Especial de Circo y el Premio Nacional de Circo 2008,
el salto al mercado internacional del Circo Gran Fele ha confirmado el
buen estado de salud de la compañía y del espectáculo circense en
general.
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el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
compañías
infantil
El cuento de “Hansel y Grettel” se estrena
en la versión de Ribalta Producciones
El clásico popular que recopilasen los
hermanos Grimm en el siglo XIX, “Hansel y
Grettel”, ha sido recogido por la compañía
Ribalta Producciones, en colaboración con Mi
Corazón en Formol, en una versión tras cuyo
estreno, que se llevará a cabo en el teatro
Echegaray de Málaga el próximo 16 de mayo,
emprenderá una gira por toda la geografía
española.
La historia de los hermanos Hansel y Grettel,
perdidos en el bosque hasta que encuentran
una casa fabricada con chocolate en la que
vive una malvada bruja, ha dado la vuelta al
mundo. La intención de Ribalta y Mi Corazón
en Formol es la de transmitir valores de
fraternidad, valor, amor por la naturaleza y
felicidad compartida a sus pequeños
espectadores. Sobre la narración que hace
Andrés Ariza, también director de la obra,
Diego Juan y Mercé Capdevila encarnan a los
pequeños perdidos, y Vanesa Terrés se
convierte en la bruja que los mantendrá presos
hasta que el ingenio y el valor de los pequeños
termine con su cautiverio.
Clan de Bichos apuesta
por el público adolescente
en “2015 Tiempo Vital”
“2015 Tiempo Vital”, el nuevo espectáculo de la compañía Clan de Bichos, es
un montaje heterogéneo contado por medio de títeres, medios audiovisuales,
sketches y música en directo, y dirigido principalmente al público adolescente.
A tan sólo cinco años de alcanzar 2015, la ONU ha lanzado una propuesta a los
líderes mundiales para asistir a la cumbre sobre los Objetivos de Desarrollo del
Milenio, que se celebrará el próximo mes de septiembre y cuya meta es concienciar al planeta de la necesidad de un esfuerzo común a cumplir en cinco años.
Clan de Bichos se ha sumado a este proyecto de futuro y ha creado un montaje
muy ameno y divertido para hacer reflexionar a los adolescentes acerca de lo que
ellos mismos pueden aportar a esta causa, y motivar su creatividad para dirigirla hacia la solidaridad.
Estrenado el pasado mes de octubre, “2015 Tiempo Vital” ha sido representado ya ante más de 7.000 jóvenes y continúa cosechando éxitos para Susana
Sánchez e Ismael Moreno, integrantes de la compañía y creadores del montaje.
Las próximas actuaciones que Clan de Bichos tiene programadas le llevarán a
actuar en los colegios madrileños Beata Ana María de Jesús el día 12 de abril,
en el Divino Pastor el día 16 y en el colegio San Ramón y San Antonio el día 23
del mismo mes.
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
Juan Grocin despliega entre los más pequeños
sus “Cuentos en la maleta”
Desde el conocimiento y la experiencia que le aportan muchos años de docencia y estudios en
lo referente al desarrollo intelectual y psicomotriz en los niños, el cuentacuentos Juan Grocin ha
elaborado un proyecto dirigido principalmente al entretenimiento de los más pequeños. A partir de una selección de cuentos con los que ya ha trabajado anteriormente en su época de profesor, ha elegido los que mejor respuesta han obtenido entre los pequeños de cero a seis años
y los ha metido en su maleta. Con esta maleta recorre bibliotecas municipales, escuelas y colegios de la comunidad autónoma de Madrid y rodeado de niños, extrae de ella los objetos que él
mismo elabora y que le sirven de vehículo narrativo para estos cuentos de pequeño formato. De
momento ha actuado en la biblioteca de Las Matas y sus próximas citas serán el 4 de mayo en
la biblioteca Francisco Umbral de Majadahonda, el 4 de junio en la biblioteca de Las Rozas, y
el 11 de junio en la biblioteca Leon Tolstoi de Monterrozas. Los “Cuentos en la maleta” de Juan
Grocin son una alternativa que garantiza la diversión por medio de los estímulos visuales que
ofrecen los pequeños objetos que manipula el autor de esta original iniciativa.
“¡A volar!” ofrece risas y un viaje
por el espacio de mano de la compañía Claxon3
Narrada en tono de clown, “¡A
volar!” cuenta la historia de un
niño cuya máxima ilusión es
conocer una estrella que ve
cada día y a la que quiere acercarse por todos los medios. Así
que el Señor Árbol y la Madre
Luna le ayudarán a alcanzar su
meta. A su vez la estrella tiene
una ilusión, conocer al Sol, y su
nuevo amigo la ayudará a ella a
cumplir con su sueño. La ingenuidad de los personajes, sus
pequeños conflictos cotidianos
y la búsqueda de sus sueños
convierten este montaje de la compañía Claxon3 en una obra educativa y llena de risas para los
más pequeños. Mediante el empleo de luz negra, el escenario se transforma en un universo que
acerca a los espectadores a un mundo mágico en el que se dan cita la danza, el teatro de clown
y el humor.
La obra, que se ha representado durante los fines de semana del mes de marzo en la sala La
Usina de Madrid, está dirigida por Claxon3 y protagonizada por la autora del texto, Catalina
Pueyo, junto a Gonzalo Gordon y Arantxa Emes.
50-2 Cris:EL ESPECTACULO TEATRAL 05/04/10 17:29 Página 40
el mundo del
ESPECTÁCULO TEATRAL
“Los Ratonautas y
la Banda del Queso”,
un concierto-espectáculo
de música infantil
Llegados del planeta Rúpiter, Los Ratonautas y la Banda del Queso llegan a la tierra en su gira interplanetaria para llenar el escenario de canciones populares, bailes y música. Los protagonistas, Roxy, Rita y Richi
Ratón, interpretan junto a sus músicos, los grandes éxitos de la canción infantil pasados por el filtro de los diversos estilos musicales.
Desde “El patio de mi casa” hasta “La chata merenguela” en versión
reagge, ska o country, todo es posible para estos aventureros musicales a cargo de la compañía de teatro Sin Fin. El pre-estreno de “Los
Ratonautas y la Banda del Queso” tuvo lugar el día 2 de abril en La
Cabrera (Madrid) y el día 24 del mismo mes estará en la población de
Moralzarzal, también en la sierra madrileña.
compañías
infantil
Titirimundi Teatro inicia
una gira por Andalucía
con su versión de
la novela “Momo”
La novela “Momo”, escrita por Michael Ende, se ha transformado,
a manos de la compañía Titirimundi Teatro, en un musical. “Momo”
relata las aventuras de una niña que está dispuesta a derrotar a los
Hombres Grises, enemigos despiadados que quieren robar el
Tiempo a los humanos. La pequeña empleará para ello su mayor
don, el de saber escuchar, transformando así a una sociedad gris en
una llena de colores.
La famosa novela ha sido adaptada por Juan Manuel Álvarez, miembro de Titirimundi, y cuenta con la dirección de Pepe Quero, de la
compañía Los Ulen. El poder de la amistad, la igualdad y la fuerza
de voluntad quedan plasmados por medio de una puesta en escena
minimalista que se nutre de las canciones y la luminosidad que
aportan los cinco actores-bailarines sobre el escenario.
El montaje, que se estrenó en el teatro Central de Sevilla el pasado
mes de diciembre, ha sido representado en el teatro Alhambra de
Granada y en Écija (Sevilla). Las próximas actuaciones serán el 14
de abril en el teatro Cánovas de Málaga, el día 22 del mismo mes
en Castiblanco de los Arroyos, el día 30 en Marchena –ambas localidades sevillanas–, y los días 21 y 22 de mayo en la sala Fli, también en Sevilla.